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2023
19 janvier 2023 - LeBlanc, Laroussi, Gregorcic - Perspectives compositionnelles sur la narrativité musicale : un concert-conférence avec le duo Wapiti
26 janvier 2023 - Pierre-Luc Lecours - L’interprétation de la synthèse modulaire : création d’œuvres et étude des enjeux de ce rôle émergent
2 février 2023 - Olivier Bélanger - Strata, la bibliothèque de sons multipiste d'Audiokinetic
9 février 2023 - Luis Ernesto Peña Laguna - Les paramètres sonores de l’expression de la spiritualité et de la transcendance dans mes compositions
16 février 2023 - Ensemble ILÉA - Lecours & Gironnay: Treatise: aborder une oeuvre majeure des partitions graphiques
23 février 2023 - Michel Pascal - Quatre abords en étoile de la musique mixte avec violoncelle : CircaCello, Sinueuse, La fragilité, Marelle
9 mars 2023 - Francis Brûlé - Rallier la musique texturale, expérimentale et électroacoustique à une sensibilité pop à travers une performance audiovisuelle
16 mars 2023 - Marie Anne Bérard - L’impact de la médiation de la musique sur mon processus de création en tant qu’artiste sonore
23 mars 2023 - Alexis Blais - Acousmatique instrumentale: vers l’articulation d’un double territoire matériologique dans une perspective de mixité stylistique
30 mars 2023 - Simon Chioini - Lier son et lieu : premières expériences d’une pratique de l’écologie du son
13 avril 2023 - Sabe - La voix et le no-input dans ma pratique de performeuse audiovisuelle
13 avril 2023 - Nicola Giannini - La composition de musique immersive spatialisée - Des réflexions autour des aspects théoriques et pratiques dans le contexte de la musique en direct et acousmatique
20 avril 2023 - Danaë Ménard-Bélanger - Rétrospective d’une maîtrise sur le négatif en musique
14 septembre 2023 - Jason Noble - La musique du dialecte : composition basée sur les modes d'élocution à Terre-Neuve et au Québec
21 septembre 2023 - Yuji Itoh & Sakoto Inoue - About Nothing but music
28 septembre 2023 - Pierre-Luc Sénécal - Faire crier la musique : De Schrei à Broken Voices: électroacoustique, voix et mixage
5 octobre 2023 - Maxence Mercier - Arborescence de trajectoire spatio-temporelle, ramification des différentes branches esthétiques à travers mes réalisations artistiques
12 octobre 2023 - Mélanie Frisoli - Les manifestations de l’espace en musique expérimentale : une démarche de recherche-création
26 octobre 2023 - Jean-Philippe Jullin - De l'entropie à l'harmonie : Création sonore et apprentissage machine
2 novembre 2023 - Léa Boudreau - Everyday Intimacies: Exploring the (Im)perceptible Aliveness of Places and Things
9 novembre 2023 - Ross Braes - Orion: The turning-point of Vivier’s compositional oeuvre
16 novembre 2023 - Andrea Gozzi - Le concert augmenté : nouveaux espaces acoustiques pour la performance musicale
23 novembre 2023 - Samuel Morency - « Fragments d’un rêve sans fin », le mystère et le lointain dans ma musique
30 novembre 2023 - Gabriel Schwartz - Illustrations du Brésil à travers le rythme et les couleurs sonores
7 décembre 2023 - Gaël Moriceau - Composer avec un instrument de musique numérique : le potentiel et les défis du T-Stick
LeBlanc, Laroussi, Gregorcic
Perspectives compositionnelles sur la narrativité musicale : un concert-conférence avec le duo Wapiti
Jeudi 19 janvier à 12h - B-421
Comme le dit Eero Tarasti, « all musical semiotics start from the premise that music carries meanings, that it possesses sense and that it constitutes a meaningful activity » (Tarasti, 2016). De cette prémisse, il est aisé de comprendre pourquoi, historiquement, la sémiotique musicale s’est articulée principalement selon deux axes : dans un esprit formaliste, elle s’est attachée à l’aspect structurel ou formel ; dans un esprit herméneutique, elle s’est attachée à l’expression, tantôt en étudiant la signification, tantôt en étudiant la narrativité. Ainsi, s’il est vrai que le modèle tonal et rhétorique des musiques pré-1900 se prête aisément à l’emprunt de modèles narratifs, force est de constater que de nombreuses musiques plus récentes résistent à leur application, voire s’affichent ouvertement comme anti-narratives, nous demandant alors de penser le signe musical au-delà de la signification au sens linguistique.
Dans un projet mené en 2021-2022, ces questions ont été abordées sous l’angle d’une démarche de recherche-création où Simon Gregorcic et Marwan Laroussi ont exploré la narrativité musicale à travers la composition d’une œuvre originale, et où Jimmie LeBlanc a analysé sa propre musique. Tous les trois ont problématisé la narrativité dans le contexte de langages musicaux contemporains, que ce soit en questionnant la narratologie dans une perspective cognitive (Laroussi), en reprenant la notion d’actorialité en musique (Gregorcic), ou en développant une réflexion sémiotique sur ce que cela implique, pour une musique, d’être non-narrative (LeBlanc). Dans ce concert-conférence, un volet théorique et analytique accompagnera la création des œuvres de Gregorcic et Laroussi par le duo Wapiti.
Cette présentation entre dans le cadre d'un projet subventionné par le Conseil de recherches en sciences humaines du Canada - Programme Exploration.
Simon Gregorcic
Simon Grégorcic est pianiste, compositeur et professeur de musique franco-canadien.
Ses créations ont été jouées par l’Ensemble contemporain de Montréal (Véronique Lacroix),
l’Orchestre symphonique de Montréal (Kent Nagano) et le Winnipeg Symphony Orchestra (Julian Pellicano),
entre autres. Il poursuit actuellement un doctorat en recherche-création à l’Université de Montréal
sous la direction de Jimmie LeBlanc et Caroline Traube.
Marwan Laroussi
Marwan Laroussi est un mammifère bipède doté de pouces opposables et d’un cortex préfrontal,
permettant certaines fonctions cognitives telles que la planification, la prise de décision,
la mémoire à court terme et des comportements sociaux de base. Ces facultés lui permettent,
entre autres, de s’intéresser aux sons et d’en étudier les multiples propriétés dans le cadre
d’une Maîtrise en Composition et création sonore à l’Université de Montréal.
Jimmie LeBlanc
Dans ses compositions, Jimmie LeBlanc aborde l’idée musicale en termes de capture de forces et de
logique de la sensation, notamment à travers le concept de figure performative. Les interprètes
de sa musique comptent l’Ensemble Contrechamps, Esprit Orchestra, le Quatuor Bozzini et
Continuum Ensemble. LeBlanc s’est mérité un 3e prix au Lutosławski Award (2008), ainsi que
le Prix Jules-Léger de la nouvelle musique de chambre (2009). Ses recherches concernent
la sémiotique musicale et l’esthétique, il siège sur le comité de rédaction de la revue
Circuit - musiques contemporaines, et enseigne la composition à la Faculté de musique
de l’Université de Montréal.
Duo Wapiti
L’ensemble Wapiti fut formé en 2012 dans le but de diffuser la musique contemporaine
et expérimentale du continent américain. Il est formé par la violoniste Geneviève
Liboiron et le pianiste Daniel Áñez, deux membres actifs de la scène de musique contemporaine à Montréal.
Wapiti s’est produit en concert en Argentine, en Bolivie, au Canada, au Chili, en Colombie, au Mexique et en Uruguay. Il a été invité aux VIe Rencontres Internationales de Compositeurs de Santiago de Chile en 2013,
au Festival Sonido Presente à Santa Fe en Argentine en 2013 et aux Jornadas de Música Contemporánea CCMC 2016 à Bogotá, Colombie
En 2015, il gagne une résidence artistique du Conseil des arts et des lettres du Québec dans
la ville de Mexico, où il a joué quatre concerts, créant 14 nouvelles œuvres mexicaines et interprétant
l’œuvre intégrale de Morton Feldman pour violon et piano. En 2016, il gagne à nouveau une résidence artistique
du Conseil des arts de des lettres du Québec, mais cette fois-ci dans la ville de Bogotá, en Colombie,
où le duo a créé huit œuvres de jeunes compositeurs et offert un récital d’œuvres pour violon et piano.
À Montréal, le duo s'est produit en concert avec l'aide des organismes: Innovations en Concert,
le M.A.I. (Montréal, Arts Interculturels), Codes d'accès et la Chapelle historique du Bon-Pasteur.
Pierre-Luc Lecours - L’interprétation de la synthèse modulaire : création d’œuvres et étude des enjeux de ce rôle émergent
Jeudi 26 janvier à 12h - B-399
Cette conférence offrira un aperçu des projets ayant façonné ma pratique artistique et comment ils ont mené à la problématique de mon doctorat. J'aborderai mon cheminement de l'interprétation de la musique électronique contemporaine au dialogue entre différentes cultures et héritages musicaux (électroacoustique et instrumentale) et comment elle a défini la problématique de mon doctorat. Ensuite, je montrerai différentes approches de la notation ayant été développée pour la synthèse sonore et je présenterai les différentes stratégies que j’ai utilisées dans le cadre de mes projets de doctorat jusqu’à maintenant.
Pierre-Luc Lecours est un compositeur, artiste sonore et vidéo vivant à Montréal (Québec). Sa pratique artistique s’exprime à travers plusieurs médias et esthétiques différentes, allant de la musique à la vidéo et à la performance. Son travail se caractérise par une recherche d’expressivité au sein d’œuvres explorant une démarche visant à établir une corrélation entre la forme, le format et le contenu, c’est-à-dire entre la manière de présenter un matériau, son articulation et sa signification. Il s’inspire autant des courants de musique contemporaine instrumentale et électroacoustique que de la musique électronique et expérimentale. Ses performances mettent en scène des instruments électroniques combinés à une instrumentation traditionnelle et une écriture musicale annotée.
En tant que chercheur, il s’intéresse à l’interprétation de la synthèse sonore, au décloisonnement des pratiques musicales contemporaines, au dialogue entre différentes cultures et héritages musicaux (électroacoustique et instrumentale) et à l’exploration de nouvelles formes d’expression audiovisuelles.
Ses œuvres ont été primées par Exhibitronic (2017), le Concours de composition électroacoustique Destellos (2014), le Concours des jeunes compositeurs de la Fondation SOCAN (2014) et le Concours Jeu de temps / Times Play (JTTP) de la CÉC (2014, 17). Son travail a été présenté dans plusieurs festivals internationaux, dont Akousma (Québec), BIAN (Québec), Biennale Némo (France), Currents New Media (ÉU), Digital Weekender (RU), Elektra (Québec), L’Espace du son (Belgique), Göteborg Sound Arts Festival (Suède), La folle journée de Nantes (France), Futura (France), Muslab (Mexique), MUTEK (Québec, Barcelone), Next (Slovaquie), Punto y Raya (Autriche), Résonances électriques (France), Seeing Sound (RU) et Vision of Future (ÉU).
Olivier Bélanger - Strata, la bibliothèque de sons multipiste d'Audiokinetic
Jeudi 2 février à 12h - B-399
Développée par Audiokinetic, Strata est la première bibliothèque de sons en format multipiste. Ce concept novateur permet à l'utilsateur une grande liberté créative en offrant le plein contrôle sur la morphologie du son. Strata fournit l'ensemble des sources sonores composant le son, ainsi que les pistes et les paramètres des effets, le tout sous la forme de projets REAPER. L'utilisateur peut, en toute liberté, retirer ou ajouter des sources, modifier le montage ou les effets afin de produire la sonorité désirée. Conçue pour l'audio interactif, la bibliothèque offre déjà plusieurs variantes de haute qualité de chaque objet sonore. En prime, l'extension ReaWwise permet le transfert automatisé des sources d'une session REAPER en une hiérarchie de votre choix dans un projet Wwise!
Olivier Bélanger a complété à l'Université de Montréal (février 2009) un doctorat en composition électroacoustique, orientation informatique musicale et développement de logiciels, sous la direction de Jean Piché et Caroline Traube. Ses recherches portaient sur la création d'un modèle de synthèse de la voix chantée, le contrôle algorithmique des instruments de synthèse et la conception de logiciels sonores.
En tant que concepteur de logiciels audio, ses champs d'expertise sont, entre autres, les algorithmes de synthèse sonore, le traitement de signal et les nouveaux environnements de programmation audio. Ses réalisations permettent aux compositeurs et designers sonores de manipuler le son de façon créative (Pyo, Cecilia5, Soundgrain) et d'explorer les différents paradigmes du traitement de signal audio (DSPDemo, Plugex, CookDSP). Son module audio pyo est utilisé partout dans le monde, tant en enseignement qu'en production.
Olivier a également été chargé de cours au programme Musiques numériques de la Faculté de musique de l'Université de Montréal de 2003 à 2020. À ce titre, il a fortement contribué au programme en concevant de nombreux cours et en créant de multiples ressources pédagogiques (notes de cours, outils et logiciels). Au fil des années, il a enseigné la programmation musicale et le traitement de signal avec les langages Csound, MaxMSP, Puredata, Python, C/C++ et le langage d'écriture de plugiciels JS de Reaper.
Depuis mai 2020, Olivier travaille chez Audiokinetic à titre de développeur logiciel dans l'équipe Framework, responsable entre autres, du développement de la nouvelle version multi-platforme de Wwise Authoring.
Luis Ernesto Peña Laguna
Les paramètres sonores de l’expression de la spiritualité et de la transcendance dans mes compositions
Jeudi 9 février à 12h - B-399
Depuis déjà plusieurs années, l'intérêt et la réflexion sur la spiritualité et la transcendance ont continué à grandir et à prendre une place importante dans mes compositions. Cette présentation sera axée sur une analyse rétrospective du processus créatif de plusieurs de mes œuvres pour aborder ce phénomène sous différents angles. Mythe, syncrétisme et rite, trois vecteurs qui esquissent mon esthétique musicale.
Luis Ernesto Peña Laguna est un compositeur canadien originaire de Cuba né en 1983 à Las Tunas. Il a commencé ses études musicales à l'école vocationnelle d'arts «El Cucalambé» dans sa ville natale. Dans ce collège, il a étudié primaire et secondaire (entre 1993 et 1998) en obtenant simultanément son premier diplôme en chant et direction chorale. En 2002, il est diplômé avec honneurs du programme de direction de chorale du conservatoire «Esteban Salas» à Santiago de Cuba. Il est admis à l’Université des Arts de Cuba, en 2003, dans les programmes de Composition musicale et de Direction orchestrale, qu’il complète avec «Titre d’or» et la «Meilleure moyenne académique» de l’Université. Il est détenteur d'une maîtrise en processus formatif de l’enseignement artistique (pédagogie musicale) de l’Université des Arts de Cuba (2013) et d'une maîtrise en composition musicale de l'Université de Montréal (2017). En ce moment, il poursuit un doctorat en composition musicale à l'Université de Montréal sous la direction de M. Jimmie LeBlanc. Au cours de sa carrière, il a étudié avec Alan Belkin, Juan Piñera, Harold Gramatges, Roberto Valera, Guido López Gavilán, Enrique Pérez Mesa, Calixto Álvarez, Ileana Z. García, Grizel Hernández Baguer et Juan Filiú. Entre 2013 et 2014, il a poursuivit ses études de la langue française à l’Université du Québec à Montréal (UQÀM). Il est compositeur agréé du Centre de musique canadienne (CMC), membre de la Ligue canadienne des compositeurs (LCC) et membre du partenariat ACTOR (Analysis, Creation and Teaching of Orchestration). Au cours de sa carrière musicale, il a remporté plus de 36 prix et distinctions nationales et internationales.
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Compositeur
Il possède un ample catalogue d’œuvres qui couvre la musique acoustique, électro-acoustique et mixte. Certaines de ses œuvres ont été faites pour la danse, le théâtre et l'audiovisuel. D'autres ont été jouées dans nombreux festivals et concerts, tant à Cuba qu’ailleurs: Festival des arts à l’Université des Arts (Cuba, 2004-2010); Festival international de musique contemporaine de La Havane (Cuba, 2007-2018); Foire internationale Cubadisco (Cuba, 2013); Festival international et concours Florilège Vocal (France, 2012); Festival international et concours des chœurs à Marktoberdorf (Allemagne, 2015); Biennale de musique vocale contemporaine FestyVocal (France, 2018 et 2021); «14th Annual New Music Festival» du Conservatoire de musique de l'Université Lynn (États-Unis, 2020); Festival international de chœurs «Electo Silva» (Cuba, 2021) et plusieurs d'autres. Depuis 2011, sa musique chorale est utilisée comme matériel d’étude au Conservatoire de musique «I Orbe» à Tandil (Argentine).
Des ensembles reconnus dans son pays d'origine ont interprété ses œuvres, tels que: l'orchestre de chambre «Nôtre Temps» de la Philharmonique National de Cuba (2007); le chœur «De profundi» appartenant au Chœur National (2011); l'Harmonie Nationale de Concert (2012); l’Ensemble Alternatif (2013); la Schola Cantorum Coralina (2015); chœur juvenil «Solfa» (2012) et l'Orphéon Santiago (2021). À l'étranger, ses compositions ont été interprétées par: l'ensemble vocal Alter Echo, dirigé par M. Alain Louisot (France, 2018); le chœur de la Société de concerts de Montréal, dirigé par M. Pascal G.-Berardi (Canada, 2019 et 2021); le «Coro de jóvenes de Madrid», dirigé par M. Juan Pablo de Juan (Espagne, 2021); ainsi que le Chœur et l'Orchestre Métropolitain de Montréal dirigé par M. Yannick Nézet-Séguin (Canada, 2022).
Au cours de sa deuxième maîtrise en composition musicale à l’Université de Montréal (Québec, Canada), Il a eu la chance de participer en 2015 à l'Atelier de lecture offert par le Nouvel Ensemble Moderne (NEM) dirigé par Mme. Lorraine Vaillancourt avec ses deux pièces «Paysage Urbain» et «Paysage Rural». Pendant l’année scolaire 2015-2016, il a été choisi par le Département de composition de la Faculté de Musique comme: l'un de deux étudiants en résidence «Danser la musique d’aujourd’hui» pour composer la musique chorégraphiée par Mme. Deborah Dunn pour les élèves de l’École de danse contemporaine de Montréal (printemps 2016, au Théâtre Rouge du Conservatoire de Montréal); l’étudiant en résidence dans le Chœur de l’Université de Montréal dirigé par M. Raymond Perrin pour lequel, il a composé l’œuvre «Agnus Dei»; ainsi que, il a été sélectionné pour participer à l'atelier de lecture offert par l’Orchestre Symphonique de l’Université de Montréal (2016) avec sa pièce «Adagio». Cela a permis que le Département de composition l’ait considéré pour participer au concert-lecture offert par l’Orchestre Symphonique de Montréal (OSM) en avril 2017.
M. Peña a fait partie du jury dans différentes compétitions:
2012 (Cuba), Bourse de création musicale «Conmutaciones», parrainé par l'Association Frères Saíz (AHS) et l’Institut Cubain de la Musique.
2021 et 2022 (Cuba), Concours International de composition chorale «Electo Silva», parrainé par le Festival international de chœurs à Santiago de Cuba et l’Institut Cubain de la Musique.
2023 (France), Concours International de composition chorale FestyVocal, lors de la 3ème Biennale de musique vocale contemporaine sur le Site Le Corbusier de Firminy.
En 2013, la maison discographique «Colibri» de Cuba a enregistré sa suite «Bébé» interprétée par l’Ensemble Alternatif sur le CD «Suite cubaine pour les enfants». Ce CD a reçu quatre nominations au Festival Cubadisco 2014, deux d’entre elles dans les catégories: «Meilleure musique infantile» et «Meilleure musique de concert».
Chercheur et enseignant
Comme pédagogue, il a donné à Cuba des cours d’harmonie traditionnelle et contemporaine, de polyphonie, d’analyse musicale et de théorie musicale aux niveaux élémentaires ainsi que dans les conservatoires: «El Cucalambé» (Las Tunas, 2002-2003), «Amadeo Roldán» (2008-2009), «Palais National Lyrique» (2007-2011) et «École Nationale d’Art» (2005-20012). De 2009 à 2012, il assume la direction du département des matières théoriques à l’École Nationale d’Art de Cuba. Un an plus tard (2010-2013), il se joint au département de musicologie à l’Université des Arts de Cuba comme enseignant instructeur des matières: théorie et histoire de l’harmonie, théorie et histoire de la polyphonie et analyse musicale.
En tant que professeur de musique à Montréal (Québec, Canada), entre 2015 et 2016, il a enseigné la théorie musicale ainsi que le piano dans Les Ateliers d’Éducation Populaire du Plateau Mont-Royal. En 2018, il a créé et offert leurs cours de Lecture des partitions I et II dans le cadre du programme de développement artistique-musical que l'Association Chorale Milton-Parc a réalisé dans sa communauté. De 2018 à 2019, il fut professeur d'éveil musical au groupe maternel du Collège privé Jacques-Prévert. De 2017 à aujourd'hui, M. Pena Laguna est devenu professeur autonome avec son entreprise Chenille Musicale pour enseigner le piano et la théorie musicale (harmonie, contrepoint, analyse, composition, etc.) aux enfants et adultes en cours particuliers. À partir de 2018 jusqu'au présent, il donne aussi des cours de piano, initiation au piano et composition au Conservatoire de musique du Collège Stanislas. Récemment (automne 2022), Il a commencé à enseigner à la Faculté de musique de l'Université de Montréal, en charge du cours MUS 1315 Initiation à la théorie musicale.
Entre 2007 et 2019, il entreprend une recherche sur la dramaturgie musicale, thème avec lequel, il a obtenu son diplôme de maîtrise en pédagogie musicale de l'Université des arts à Cuba (2013) ainsi que son deuxième diplôme de maîtrise en composition musicale de l'Université de Montréal (2017). Ses travaux ont été présentés dans la «XII Rencontre du Festival Hispano-américain du Dizain et du Verset Improvisés» (2005), la «XVI Conférence Scientifique de l'Université d'Art de Cuba» (2013), le «Symposium International Cubadisco 2013» organisé par le Centre d'Investigation et Développement de la Musique Cubaine (CIDMUC).
Depuis 2020, il s'interroge sur l'expression de la spiritualité et de la transcendance dans sa musique. Ce nouveau défi théorique conceptuel dans son processus de création, l'amène à effectuer des études doctorales à l'Université de Montréal à partir de l'automne 2022.
Il a donné des ateliers-conférences sur l'analyse musicale et la composition au chœur de femmes «Mayahuel» (Guadalajara, Mexique, 2021); et lors de la 34e édition du Festival international de chœurs «Electo Silva» (Santiago de Cuba, Cuba, 2021).
Deux de ses articles ont été publiés dans la revue «Clave» de l’Institut Cubain de la Musique (2013 et 2016).
Ensemble ILÉA - Lecours & Gironnay: Treatise: aborder une oeuvre majeure des partitions graphiques
Jeudi 16 février à 12h - B-399
Pour la Nuit Blanche 2023, l'Ensemble ILÉA s'attaque à Treatise, la gigantesque œuvre de partition graphique de Cornelius Cardew. Les musiciens se plongeront dans le processus de création d'ILÉA spécifique à ce projet, mais aussi à quel point il diffère de celui utilisé habituellement dans leur pratique d'improvisation guidée.
L’ensemble d’Improvisation Libre Électro-Acoustique (ensemble ILÉA) est un ensemble à géométrie
variable qui se consacre à l’improvisation mixte (instruments acoustiques et électroniques), créé en 2016 sous
l’initiative de Kevin Gironnay. Il explore différentes manières de guider ses improvisations et s’attarde
à la création musicale selon l’intuition de l’instant, en embrassant l’inattendu. Son éventail musical va
des sonorités acoustiques jusqu’aux rugosités de la noise music. L’Ensemble ILÉA se balade partout
entre ces deux univers, empruntant leurs codes et leurs sons.
Les intervenants:
Pierre-Luc Lecours est un compositeur, artiste sonore et vidéo vivant à Montréal (Québec). Sa pratique artistique s’exprime à travers plusieurs médias et esthétiques différentes, allant de la musique à la vidéo et à la performance. Son travail se caractérise par une recherche d’expressivité au sein d’œuvres explorant une démarche visant à établir une corrélation entre la forme, le format et le contenu, c’est-à-dire entre la manière de présenter un matériau, son articulation et sa signification. Il s’inspire autant des courants de musique contemporaine instrumentale et électroacoustique que de la musique électronique et expérimentale. Ses performances mettent en scène des instruments électroniques combinés à une instrumentation traditionnelle et une écriture musicale annotée.
En tant que chercheur, il s’intéresse à l’interprétation de la synthèse sonore, au décloisonnement des pratiques musicales contemporaines, au dialogue entre différentes cultures et héritages musicaux (électroacoustique et instrumentale) et à l’exploration de nouvelles formes d’expression audiovisuelles.
Kevin Gironnay, direction artistique. Kevin crée de la musique acousmatique et mixte, il produit de la musique pour des installations, des vidéos et de la danse, et se produit dans des projets de musiques numériques et improvisées, en solo ou en collaboration.
Titulaire d’une maîtrise en composition sous la direction de Nicolas Bernier à l’Université de Montréal, Kevin Gironnay a été influencé par les enseignements de Christine Groult, Horacio Vaggione, Denis Dufour, Jacopo Baboni Schilingi, Lorenzo Bianchi et Giacomo Platini.
Il est le fondateur et directeur artistique de l’Ensemble ILÉA, et est membre du collectif Unmapped. Il est membre-collaborateur du centre de recherche CIRMMT.
En 2020, il co-fonde Virage Sonore, un studio de production dédié à la productions de podcasts et créations sonores.
Michel Pascal - Quatre abords en étoile de la musique mixte avec violoncelle : CircaCello, Sinueuse, La fragilité, Marelle
Jeudi 23 février à 12h - B-399
L’expression "en étoile" est un petit clin d’œil aux Variations en étoile de Guy Reibel.
Les 4 pièces présentées prennent en effet la mixité entre violoncelle et électroacoustique dans des directions à 90°.
CircaCello s'inscrit typiquement dans la prolongation de l'idée d'acousmatique instrumentale.
La partie en direct de violoncelle a été finalisée une fois la composition acousmatique terminée.
Sinueuse est exactement l'inverse : une pièce instrumentale dont le support électronique est
une extension du duo de violoncelles.
La fragilité est une commande d’état pour l’ensemble Fabrique Nomade,
dont la philosophie est la liaison intime entre l’instrument et son dispositif électronique temps réel.
A l’opposé, Marelle est une courte étude mixte pour des violoncellistes débutants,
destinée à leur rendre familière la connexion au domaine électroacoustique en y trouvant du plaisir.
J’ai commencé une série d’études équivalentes pour chaque instrument de l’orchestre,
à niveau fin de premier cycle, pour enrichir le répertoire de pièces pédagogiques encore
rare d'après la base de données de l’association des
enseignants de la composition en musique électroacoustique en France.
Les oeuvres sont en cours d’édition chez Dhalmann.
Michel Pascal a investi une grande variété de répertoires: musiques acousmatiques, instrumentales, vocales, live electronic, théâtre musical, installations interactives, musiques d’applications pour l’audiovisuel ou la danse. Si son style peut de ce fait varier considérablement selon les productions, il reste cependant fidèlement attentif à un raffinement de l’écriture entre note et son. Un axe fondamental de son travail concerne la mutation des instruments par leur liaison aux nouvelles technologies. Dans le domaine acousmatique, il en résulte des musiques essentiellement dépendantes du support, mais qui n’absorbent pas totalement gestes et sons instrumentaux, ce qui l’a conduit à qualifier ce mode de composition d’acousmatique instrumentale. Aux claviers électroniques, il s’est attaché à développer un type d’expressivité qualifié d’à l'intérieur même du son, travaillant avec des musiciens pratiquant aussi bien les musiques écrites que l’improvisation. Assistant musical au Centre International de Recherche Musicale pendant plus de 10 ans, il enseigne depuis 1988 au Conservatoire de Nice - Université Côte d'Azur.
Francis Brûlé - Rallier la musique texturale, expérimentale et électroacoustique à une sensibilité pop à travers une performance audiovisuelle
Jeudi 9 mars à 12h - B-399
Dès ses premières compositions, à l’âge de onze ans, jusqu’à aujourd’hui, Francis a toujours été sensible au travail de recherche sonore et aux structures de musique populaire. À l’ère du numérique, il profite des nombreux outils créatifs facilement accessibles. Cette présentation explorera son parcours, ses influences et sa pratique pour comprendre comment les outils qu’il emploie, dont la station de travail audionumérique Reason, ont influencé sa composition. Ensuite, il expliquera comment la musique visuelle et la performance audiovisuelle sont venues changer son approche. En plus de présenter quelques exemples de son œuvre, il exposera les avancements de son travail dirigé qu’il effectue présentement sous la tutelle de Myriam Boucher.
Animé par son désir de poursuivre des études supérieures et de mener à terme un projet ralliant musique et visuel tout en étant dirigé par des professionnels du milieu, Francis Brûlé effectue présentement un D.E.S.S. en musiques numériques à l'Université de Montréal. Étant passionné de musique depuis sa plus tendre enfance, il fait ses premières compositions vers l’âge de onze ans et suit ses premiers cours de piano à l’âge de cinq ans. Cette passion l’a mené à compléter un D.E.C. en interprétation piano jazz/pop au Cégep de Joliette en 2009 et un baccalauréat en musique - écriture en 2012 à l’Université de Montréal. Après avoir passé quelques années à travailler sur des projets personnels et ayant toujours la passion pour la composition, il retourne à l’Université de Montréal pour y faire une majeure en musiques numériques qu’il termine en 2022. Étant un étudiant assidu, Francis a obtenu une bourse d’excellence à son dernier trimestre au cégep et il est également récipiendaire de la bourse de financement ESP décernée par le comité de Musique Excellence de la Faculté de musique à l’hiver 2023.
En plus d'avoir des projets comme auteur-compositeur-interprète et en musique visuelle, Francis s’intéresse à la composition de musique et à la conception sonore pour jeux vidéo. Ayant des intérêts variés, il a derrière sa ceinture des cours de bande dessiné, d’art visuel, une formation Aqtis 101 (plateau de tournage) et une spécialisation en informatique (secondaire 1 à 3). Ses influences principales pour sa composition de chansons sont
Depeche Mode, Nine Inch Nails, Oasis et Radiohead. Son plus grand héro est sans équivoque Trent Reznor. Il a
également beaucoup apprécié voir Thom Yorke en concert en 2019 avec l’artiste visuel Tarik Barri qui crée en temps réel des visuels avec la musique et cela l’a certainement influencé dans son virage vers la musique visuelle. C’est également cette inspiration qui mène Francis à explorer la collaboration avec un artiste visuel spécialisé en datamoshing dans le cadre d’une performance tout en continuant en parallèle ses autres projets individuels.
Ce sont ces influences et son parcours qui l’ont mené à effectuer un travail de recherche- création sous la tutelle de Myriam Boucher. Dans ce travail, il vise à exprimer dans un arc narratif les émotions provoquées par une remise en question dans le cadre de la composition d’un ensemble d’œuvre de cinq à six pièces qui tentent de rallier la musique texturale, expérimentale et électroacoustique à une structure et une sensibilité pop. Le tout sera présenté dans une performance audiovisuelle avec projection et lumière.
Marie Anne Bérard - L’impact de la médiation de la musique sur mon processus de création en tant qu’artiste sonore
Jeudi 16 mars à 12h - B-399
Cette conférence portera sur les différents pans de la pratique artistique de Marie Anne Bérard et comment ils convergent vers la réalisation d'un projet de recherche-création ralliant médiation culturelle et performance électroacoustique. En partenariat avec l'OBNL Cosimu, Marie Anne réalisera dès l'été 2023 un concert électroacoustique et des ateliers de création sonore à une maison de retraite à Montréal. Ce projet amène à se demander ce que la médiation peut apporter créativement et socialement à un.e artiste oeuvrant dans les musiques électroacoustiques. La littérature a largement couvert les bienfaits et retombées de la musique auprès des publics, mais qu'en est-il de l'impact sur les musicien.es médiateur.trices?
Ce projet est soutenu financièrement par l'Observatoire interdisciplinaire de création et de recherche en musique (OICRM) et l’Observatoire des médiations culturelles (OMEC).
Marie Anne Bérard est une compositrice et claviériste montréalaise. Sa pratique se concentre sur la performance électroacoustique, l'installation sonore et l’utilisation du journal sonore comme méthode compositionnelle. En parallèle, elle s’intéresse à la médiation de la musique électroacoustique. Avec le soutien financier de l’Observatoire interdisciplinaire de création et de recherche en musique (OICRM) et de l’Observatoire des médiations culturelles (OMEC), elle est actuellement à la maîtrise en création sonore pour développer des dispositifs participatifs de médiation de la musique électroacoustique auprès des personnes âgées. Sa performance Éphémérides (2021) a reçu le prix Martin-Gotfrit-Martin-Bartlett dans le cadre du concours Jeu de temps/Times play (JTTP).
Alexis Blais - Acousmatique instrumentale: vers l’articulation d’un double territoire matériologique dans une perspective de mixité stylistique
Jeudi 23 mars à 12h - B-399
II (2023) est né du désir de composer une « illusion de pièce mixte », dans laquelle les interprètes ne sont pas présents sur scène. Le résultat est une pièce d’acousmatique instrumentale faisant entendre un duo contrebasse et flûte (interprété par Philippe Chaput et Renaud Brunel-Gauthier). Tous les matériaux de la pièce provenant de ces deux instruments, la composition s’est articulée en de multiples aller-retours entre les langages des musiques instrumentales et électroacoustiques, ou entre le son des instruments non-traités et les transformations complexes voilant la source.
En attendant la création de la pièce au concert Ultrasons en avril, Alexis Blais expose dans cette conférence
les stratégies et méthodes utilisées lors de sa composition. Il s’attardera aussi sur certaines
pièces acousmatiques notables de son catalogue ainsi qu’aux éléments de son parcours ayant forgé la musique qu’il crée aujourd’hui.
Alexis Blais (né en 1998, il/lui) est un compositeur de musique électroacoustique basé à Montréal.
Diplômé du Conservatoire de musique de Montréal dans la classe de Louis Dufort, il poursuit présentement sa maîtrise en
composition et création sonore à l’Université de Montréal avec Ana Dall’Ara-Majek.
Ses recherches se concentrent sur le continuum unissant le langage des musiques instrumentales et électroacoustiques.
Pianiste classique de formation, ses travaux acousmatiques s’inscrivent dans une recherche plastique et texturale
de matériaux concrets sur fond d’harmonies modales.
Alexis Blais oeuvre également dans les milieux du théâtre et de la danse, en plus d’enseigner
la conception sonore à l’École nationale de Cirque de Montréal et au Collège Jean-de-Brébeuf.
Simon Chioini - Lier son et lieu : premières expériences d’une pratique de l’écologie du son
Jeudi 30 mars à 12h - B-399
Dans le contexte de la crise environnementale actuelle, peut-on imaginer des processus de composition musicale engagés dans l’approfondissement d’un rapport attentionné à nos milieux ? Cette conférence propose d’explorer quelques pistes de réflexion quant au pouvoir du son en tant qu’élément sensible de la rencontre avec l’espace. Suivant un bref retour historique menant de l’acoustic ecology (années 1970) à l’écologie du son (aujourd’hui), il y sera question d’une connexion du sonore à l’environnement ; celui de sa provenance, de sa diffusion, ou encore celui de l’imaginaire. Le cadre théorique se verra exemplifié par un projet de recherche-création entamé à l’Université de Montréal à l’automne 2022. Des conclusions tirées d’une première performance publique viendront éclairer le sujet en lien avec la réception de l’œuvre, à savoir : l’apport d’une approche artisanale et multisensorielle de la composition, l’implication des sens autres que l’ouïe dans la réception d’une expérience sonore et l’image du rituel comme élément de connexion au lieu.
Issu d’une communauté locale d’artistes expérimentaux, Simon Chioini crée une musique à
l’esthétique hybride, mélangeant genres et sonorités électroniques. À travers des œuvres
acousmatiques et technoïdes, ses incursions dans la musique de concert et la musique de club ont
des racines profondes, tirées de sa recherche académique et d’une réelle passion pour les
courants underground des dernières décennies.
Sous la supervision de la professeure Myriam Boucher, il est actuellement étudiant au Doctorat
en musique, option Composition et création sonore à l’Université de Montréal. Son projet de
recherche-création cherche à illustrer différentes pratiques de l’écologie du son afin d’établir des
modèles du genre dans le domaine des musiques électroacoustiques. Il y est question de
concevoir des processus créatifs au cœur des environnements qui nous entourent afin de cultiver
la perception, l’attention, la prévenance et la bienveillance dans les rapports à nos
environnements. Cette relation ramifiée à l’espace constitue une expérience musicale
relationnelle et situationnelle où le son est employé en tant qu’élément principal d’œuvres pour
lieux spécifiques.
Sabe - La voix et le no-input dans ma pratique de performeuse audiovisuelle
Jeudi 13 avril à 12h - B-399
Sabe est une artiste performeuse en audiovisuelle. Elle utilise la voix texturée ainsi que la table de mixage sans entrée en temps réel comme outil compositionnel. Elle viendra présenter sa démarche artistique et son processus en recherche-création. Elle démontrera comment les différents outils utilisés l’ont mené à créer la performance Mental Feed-Back Loop.
Avant de se consacrer pleinement à la création de pièces audiovisuelles, Sabe, diplômée en
photographie de l’Université Concordia, a visité plusieurs aspects de la musique traditionnelle, dont
la guitare et les multiples techniques vocales. Elle a eu un coup de foudre pour la musique numérique
et s’est inscrite au D.E.S.S en musique numérique à l’Université de Montréal. C’est à travers les textures
sonores que Sabe trouve une grande liberté d’expression artistique. Son instrument favori étant la
voix, elle l’incorpore comme une texture dans chacune des pièces qu’elle compose. Ses études avec
l’artiste audiovisuelle Myriam Boucher depuis 2020 furent un moment décisif dans sa démarche
artistique et lui ont ouvert dès lors un monde de possibilités dans lequel elle joint ses deux passions,
la musique et le visuel.
Sabe s’inspire de ses expériences personnelles pour s’exprimer sur différents maux sociétaux. Dans
ses performances, elle met en relation le son et l’image pour créer des pièces intimes et abstraites
dans lesquelles elle souhaite que les spectateurs s’y reconnaissent avec leur propre expérience de
vie. Plusieurs ont dit de ses créations qu’elles sont contrastées, brutes et déstabilisantes.
Nicola Giannini - La composition de musique immersive spatialisée
Des réflexions autour des aspects théoriques et pratiques dans le contexte de la musique en direct et acousmatique
Jeudi 13 avril à 15h30 au Grand Studio (B-187)
Lors de cette conférence, je présenterai mon travail en recherche-création axé sur la composition de musique immersive, dans le cadre de la musique en direct et acousmatique. Après avoir introduit les motivations de mon intérêt pour la spatialisation et l'immersion, je proposerai quelques réponses aux questions qui ont caractérisé mon doctorat à la Faculté de Musique de l'Université de Montréal sous la direction de Robert Normandeau. Pourquoi placer un son dans une position plutôt que dans une autre ? Quelles sont les relations entre l'espace et les autres paramètres musicaux ? Et quelles sont les relations entre l'espace, les interprètes (s'il y en a) et le contexte de présentation d'une œuvre ? Je montrerai quelques stratégies de spatialisation à travers des exemples musicaux. Nous parlerons également du contrôle de la spatialisation, et je présenterai un prototype de MapSPAT, un outil permettant une spatialisation en temps réel basée sur des descripteurs audio, développé en collaboration avec Jean-Philippe Jullin.
Nicola Giannini est un artiste sonore et un compositeur de musique électroacoustique qui vit et habite à Montréal. Sa pratique se focalise sur la musique immersive, acousmatique et en direct. Ses œuvres ont été présentées en Australie, en Amérique du Nord, en Amérique du Sud et en Europe. Originaire d’Italie, Nicola est étudiant au doctorat sous la direction de Robert Normandeau à l’Université de Montréal, où il est également auxiliaire de recherche au Groupe de recherche en immersion spatiale (GRIS) et chargé du cours.
Danaë Ménard-Bélanger - Rétrospective d’une maîtrise sur le négatif en musique
Jeudi 20 avril à 12h - B-399
Terminée en 2022, ma maîtrise explore le rôle du rien, du peu, ou du négatif en musique à travers
la composition. En parallèle, cette période a également été habitée par un approfondissement de ma passion pour
la cognition musicale, diverses commandes d’œuvres, et plusieurs projets personnels qui se sont certainement
reflétés dans mon univers artistique.
Cette communication résume et commente quelques éléments clefs du mémoire de maîtrise illustrés par des œuvres telles que
que Wet Ice and Dead Leaves, Déjà-vu, ou Rêve éveillé.
L’esthétique est mise en contexte avec les courants minimalistes, et est mise en relation avec
les buts artistiques, notamment l’inspiration d’affects négatifs et l’encouragement d’une écoute active,
métaécoute, ou deep listening. Ces éléments sont remis en perspective de mes
champs de recherche et de réflexion actuels, notamment les différences de perception interindividuelles,
la neurodivergence, et la fonctionnalité de la musique.
L’artiste et chercheuse Danaë Ménard-Bélanger, spécialisée en perception musicale, en théorie musicale, et en composition, poursuit actuellement ses recherches sur les émotions mixtes et les berceuses dans le cadre d’un Ph. D. à l’Université de Montréal. Ses travaux antérieurs sur le silence, le statisme et la paucité dans les œuvres musicales sont caractéristiques de sa constante curiosité pour le négatif, dans tous les sens du terme. Le terme évoque autant le néfaste que ce qui n’a pas d’existence réelle, qui ne se définit que par l’absence de son contraire. Ses activités professionnelles l’amènent notamment à composer pour le théâtre de marionnettes, le court-métrage, et l’exposition/installation multimédia. Son début de carrière est également marqué par une fascination pour la voix et le chant polyphonique a cappella. Elle est soutenue pour son excellence aussi bien en recherche qu’en création par le CRSH, la FSAL, M3F, et la Faculté de musique de l’Université de Montréal.
Jason Noble
La musique du dialecte : composition basée sur les modes d'élocution à Terre-Neuve et au Québec
Jeudi 14 septembre à 12h30 - en ligne (inscriptions: ana.dallara@umontreal.ca)
Les mélodies, les rythmes et les couleurs de la parole nous entourent de musique en permanence.
Les dialectes régionaux distincts représentent des nuances particulières de musique parlée qui sont profondément ancrées dans
l'identité de la communauté. Dans cette présentation, le compositeur, nouveau membre du corps professoral
de l'Université de Moncton, ancien membre de l'Université de Montréal, et natif de Terre-Neuve,
Jason Noble, examine la musique de la parole - en particulier les dialectes de Terre-Neuve - et
décrit son processus de travail avec cette musique pour la composition de son prochain album pour
guitare, parole enregistrée et électronique, One Foot in the Past (Un pied dans le passé).
La première partie de la présentation se concentrera sur les modèles de parole eux-mêmes et
la musique qui leur est inhérente : leur phonétique, leur acoustique, leur généalogie et
le processus de transcription en notation musicale. La deuxième partie se concentrera
sur les processus de composition basés sur la musique de la parole : tisser des
fragments mélodiques, réaliser des implications harmoniques, et utiliser diverses
procédures électroniques et instrumentales pour créer des mondes sonores à partir,
à travers et autour de la parole.
Jason Noble est le nouveau professeur de composition de l'Université de Moncton. Il a obtenu son doctorat en composition et perception musicale à l'Université McGill, puis a été boursier postdoctoral dans le cadre du projet ACTOR (Analysis, Creation, and Teaching of Orchestration) et à l'Université de Montréal (FRQSC). Il a composé pour une grande variété de médias et de genres. Ces dernières années, il s'est particulièrement concentré sur la guitare : ses compositions pour guitare figurent sur cinq albums commerciaux, dont Focus de Steve Cowan et Adam Cicchillitti, qui a remporté le East Coast Music Award pour l'enregistrement classique de l'année (2021). Également un chercheur accompli, Jason a vu ses recherches publiées dans des revues à comité de lecture telles que Music Perception, Journal of New Music Research, Music Theory Online et Interdisciplinary Science Reviews. Il est rédacteur et auteur collaborateur de l'Oxford Handbook of Orchestration Studies, qui paraîtra prochainement.
Yuji Itoh & Sakoto Inoue
About 'nothing but music'
Jeudi 21 septembre à 12h30 - B-720
What is 'nothing but music', established by pianist Satoko Inoue and composer Yuji Itoh?
About Satoko’s annual recital - this year her 33rd - and 232 contemporary works including 45 her commissioned works.
What projects has ‘nothing but music’ realized and how?
What is the 'Lafcadio Hearn project’ that will be performed in Montreal?
About our life with contemporary works.
Yuji Itoh (composer). Born in Nagoya (Japan),1956. Studied composition and electro-acoustic music at the Tokyo Gakugei University and hold a postgraduate degree. While still a student, he made his debut in 1977 with ‘Furikaeri 1’ for violin and piano, and since then his works have been performed not only in Japan but also internationally at festivals such as the Bourges International Electroacoustic Music Festival (France), ASPEKTE International Festival fur Musik unserer Zeit (Austria), Distat Terra Festival (Argentina) and a lot of cities. In addition, he has given many lectures on contemporary music in Japan and on his own compositions. As director of 'nothing but music', he has organised and produced international concerts such as 'Hommage à Breccia', '4 days concerts and Symposium-Contemporary Music from Switzerland' and 'Lafcadio Hearn Project'. He served on the jury of the International Composer Competition "Città di Udine" (Italy). He has also been awarded the "Antonio Magnoni" prize. His portrait concert will be held in Tokyo in March 2024.
Satoko Inoue is a renowned leading interpreter of contemporary solo piano music.
She finished the master’s course of composition at Tokyo Gakugei University.
Since 1991, after her career as the member of “Musica Practica Ensemble,” she has
been engaged in solo activities. Her repertoires mainly include the works of Jo Kondo,
Morton Feldman, John Cage and Luc Ferrari as well as those of other Japanese composers.
Her activities have been worldwide, as she has played at international contemporary music
festivals; given solo recitals in Europe, North and South America, and the Middle East; and made
lectures for Master Classes of universities. From 2018 to 2022, she was involved in the ‘Experiment
of piano music to be handed down to the future’ on extended piano techniques project. She
has recorded solo CD albums on HatHut Records (Switzerland), Emec Discos (Spain), ALM Records
(Japan) among others. Satoko Inoue was Professor at the Kunitachi College of Music in Tokyo until March 2023.
https://www.n-b-music.com
Pierre-Luc Sénécal
Faire crier la musique
De Schrei à Broken Voices: électroacoustique, voix et mixage
Jeudi 28 septembre à 12h30 - B-187
Dans le cadre de ma carrière de compositeur professionnel, j'ai réalisé en septembre 2023 la pièce Broken Voice, une pièce sur support fixé alliant les musiques concrète, métal et noise. Cette œuvre s'inscrit dans le projet Schrei, que j'ai débuté à l'Université de Montréal lors de mon baccalauréat en 2012. Dans cette présentation, j'expliquerai comment Schrei, un projet acousmatique solo, est devenu un vecteur de développement artistique, incorporant à présent la performance, le no input et le mixage assisté par des professionnels. Accessoirement, j'espère montrer comment un projet étudiant au baccalauréat peut alimenter une vie professionnelle.
Pierre-Luc Senécal est reconnu pour sa curiosité et sa passion invétérée en vers le son.
Fondateur de Dremeka, il est compositeur, directeur artistique et artiste sonore.
Il réalise autant de la musique électroacoustique que des trames sonores pour la danse et l'image.
Profondément inspiré par les musiques rock, pop et heavy metal, il insuffle dans ses pièces électroniques
sa sensibilité pour le lyrisme, le poétique ainsi qu’une énergie débordante. Titulaire d'une maîtrise en Création
sonore de l’Université de Montréal (QC) et de University of Huddersfield (UK), il est l'auteur
d'un mémoire sur la composition, le mixage et le matriçage en musique électroacoustique. Il est le
fondateur et directeur artistique du reconnu Growler Choir, le seul ensemble vocal au monde formé exclusivement
de chanteurs heavy métal. Sa musique a été jouée au Canada, en Corée du Sud, aux États-Unis, en Italie, à Monaco,
en Russie et en Suède.
Ses réalisations notables comprennent la conception sonore pour le célébrissime jeu vidéo Resident Evil 7: Biohazard
et la fondation du vociférant et médiatisé Growlers Choir. Cet ensemble vocal formé exclusivement de chanteurs
métal a fait sensation en participant à America’s Got Talent, l'un des spectacles télévisés les plus médiatisés au monde.
Maxence Mercier
Arborescence de trajectoire spatio-temporelle, ramification des différentes branches esthétiques à travers mes réalisations artistiques
Jeudi 5 octobre à 12h30 - B-187
Depuis la réalisation intuitive de mes premières compositions électroacoustiques au début des années 2000
jusqu'à la formalisation des techniques d'écriture multimodale de mes dernières œuvres, je présenterai
l'évolution de mon travail à partir d'une sélection de pièces de musique électroacoustiques, mixtes et
d'installations interactives qui ont toutes participé à l'élaboration d'une lutherie expérimentale qui
débouchera plus tard sur la réalisation de mon logiciel Sound Trajectory, dédié à l'écriture de la spatialisation sonore.
À l'occasion de mon doctorat de création/recherche à l'université Côte d'Azur, le code source de Sound
Trajectory est disponible sous licence GPL version 3 afin de permettre des développements alternatifs et
indépendants sous max et pure data. Ce code source demeure le framework numérique de mes travaux de recherche actuels.
J'exposerai mes collaborations artistiques et techniques récentes utilisant ce code.
La première pour la création du concert immersif du dernier album d'Arthur H. La seconde pour la réalisation d'une version
virtuelle du Cybernéphone de Christian Clozier, premier dispositif d'interprétation électroacoustique inauguré à Bourges au
début des années 70 et qui évoluera jusqu'en 2008. Le troisième cas pratique exposera mon utilisation des fonctionnalités de
Sound Trajectory dans le cadre de mes performances pour piano, électroniques et dispositif de spatialisation.
Je terminerai par présenter le couplage de ce logiciel avec Spat Gris pour composer mes prochaines pièces musicales
immersives en résidence dans les studios du Gris de l'Université de Montréal. Ce couplage met en œuvre les capacités
d'analyse par descripteur audio pour contrôler la position des sources sonores de Spat Gris. Ce projet concourt à
la composition de deux 2 pièces, l'une sous forme d'une pièce électroacoustique immersive, la pluralité des mondes et
l'autre à destination d'une performance pour piano, violoncelle et électronique, Umwelt, qui seront créées en France à
Reims à l'occasion du festival Fareway, organisé au centre de création musicale Césaré.
Sound Trajectory : https://www.tripinlab.com
Site perso : https://www.maxencemercier.com
Maxence Mercier est compositeur et artiste numérique. Né en 1982, avec une formation éclectique, des premières expériences musicales en groupe, puis pour le théâtre, il découvre la composition électroacoustique à Bourges auprès de Roger Cochini au conservatoire de Bourges et en travaillant au sein de l’IMEB. Depuis 2004, il se consacre à des projets de création entre arts numériques, musique et vidéo. Ses pièces ont été diffusées en France et à l’étranger : USA, Canada, Belgique, Pays-Bas, Chine, Brésil, dans le cadre de résidences et de prix de composition. Il aborde les problématiques de la transmission de l’information par une approche esthétique, sociologique et comportementale, au sein de dispositifs d'installation et de compositions musicales. C’est dans la multiplicité d’interactions sensibles qu’il tisse les motifs de son écriture. Il collabore avec de nombreux artistes, des scènes expérimentales aux scènes de la musique pop. Il soutient le projet Art/Science MUSES, qui valorise l'écoute passive des comportements des espèces animales dans leur milieu naturel. Pour le grand public, il développe une méthode de synthèse synesthésique permettant de transcrire les espaces sonores du monde sauvage dans des œuvres musicales. En 2015, il écrit un opéra multimédia: Iquisme, synthèse de toutes ses pratiques artistiques. En 2017, il diffuse son logiciel Sound Trajectory, dédié à l'écriture de la spatialisation sonore. Depuis 2022, il poursuit ses recherches sur les corrélations des dimensions de l'écriture sonore dans le cadre d'un doctorat de création/recherche à l'université Côte d'Azur, il performe régulièrement en solo avec piano et électronique tout en continuant à composer pour électroacoustique et instruments.
Mélanie Frisoli
Les manifestations de l’espace en musique expérimentale : une démarche de recherche-création
Jeudi 12 octobre à 12h30 - B-720
Pour sa présentation au Colloquium d’études supérieures en composition et création sonore,
Mélanie Frisoli offre un instantané de l’état actuel de ses recherches et de ses réflexions.
Malgré le flou et le chaos inhérents à un début de doctorat, elle s’efforcera de jeter un
pont entre ses travaux passés et présents sur la notion d’espace tout en explorant le
domaine complexe de la recherche-création.
Elle présentera la méthodologie originale qu’elle développe en tirant parti
de techniques empruntées à d’autres disciplines (sociologie, psychologie, etc.),
et dont la visée est de faire émerger des thématiques de plus en plus claires.
La présentation sera suivie d’une séance d’écoute de la pièce About Strings (2023) dans le studio B-188-2 (Studio Octo) à 14h.
Mélanie Frisoli est une compositrice, conceptrice sonore et technicienne du son franco-canadienne. Pendant quinze ans, elle a interprété et chanté ses propres chansons sur des scènes françaises et internationales, totalisant plus de 700 concerts, tout en accompagnant divers artistes français et canadiens en tant que guitariste. Elle a publié six albums, écrit trois livres, et composé également pour la danse, le théâtre et le cinéma. Passionnée par le son, elle a commencé par se former en ingénierie du son avant de se tourner vers des études en Musiques Numériques à la faculté de musique de l’Université de Montréal. Actuellement, elle poursuit un doctorat en composition et création sonore sous la supervision de Dominic Thibault et Caroline Traube. Ses œuvres ont été diffusées au Canada, en Italie, en Allemagne et en Grande-Bretagne, obtenant plusieurs prix.
Jean-Philippe Jullin
De l'entropie à l'harmonie : Création sonore et apprentissage machine
Jeudi 26 octobre à 12h30 - B-720
L'intelligence artificielle basée sur l'apprentissage automatique joue un rôle croissant dans les nouvelles technologies, en particulier dans le domaine sonore. Cependant, son utilisation se limite souvent à des interactions textuelles pour explorer de grands ensembles de données. Cette présentation se concentrera sur les recherches actuelles de Jean-Philippe Jullin dans le domaine de l'exploration perceptive d'espaces sonores latents, mettant en avant ses projets récents intégrant l'apprentissage machine pour collaborer avec notre environnement technologique.
Jean-Philippe Jullin, artiste sonore et audiovisuel, poursuit actuellement une maîtrise en composition et création sonore à l'Université de Montréal. Son parcours se situe à l'intersection de l'art et de la technologie, où il explore les possibilités de cocréation avec les machines à travers des systèmes interactifs et immersifs. Récipiendaire de bourses d'excellence de la Faculté de musique et financé par le FRQSC, Jean-Philippe a été récompensé pour ses compositions par Musicworks et le concours JTTP. Son travail a été présenté lors de conférences telles que AIMC et ICMC, et prochainement au festival Sound/Image. En dehors de ses réalisations académiques, Jean-Philippe collabore activement sur des projets artistiques qui explorent les technologies émergentes pour créer des expériences de contemplation active qui questionnent notre perception de l'espace et du temps.
Léa Boudreau
Everyday Intimacies: Exploring the (Im)perceptible Aliveness of Places and Things
Jeudi 2 novembre à 12h30 - B-187 (Grand Studio)
[Les intimités ordinaires : une exploration de la vitalité (im)perceptible des lieux et des
objets]
Cette recherche-création vise à explorer l'unicité, les particularités et les détails
(im)perceptibles d'un lieu et des objets qui le peuplent. Considérant le lieu comme un
être plus-qu'humain [1] , le projet souligne et amplifie ses caractéristiques à travers des 1
outils typiques de l'art sonore (microphones piezo, transducteurs de surface, capteurs
électromagnétiques, solénoïdes, etc.) afin d'en faire ressortir sa vitalité intrinsèque.
La présentation misera sur le cheminement artistique qui a mené l'artiste à
l'élaboration conceptuelle de son projet de recherche-création.
[1] « Plus-qu'humain » se réfère à des contextes dans lesquels plusieurs espèces et processus s'unissent 1
pour produire un résultat. [traduit de l'anglais] (Elton, S. (2022) More-than human. In Ballamingie, P. &
Szanto, D. (Eds), Showing Theory to Know Theory: Understanding social science concepts through
illustrative vignettes (pp. 283-289). Showing Theory Press.)
Léa Boudreau est une artiste sonore qui travaille avec l'électronique et l'installation.
Elle est aussi compositrice à ses heures. À travers ses œuvres, elle questionne les relations
inter-espèces (plus précisément entre les êtres humains et non-humains) en considérant la vie animale,
artificielle et non-organique comme terrains de réflexion sur les hiérarchies qui divisent notre monde.
Léa a reçu de nombreux prix et bourses au cours des dernières années : bourse d'étude de maîtrise CRSH en 2022,
bourse Dora & Avi Morrow et bourse Concordia Fine Arts en 2021, 2e et 3e prix JTTP de la Communauté
électroacoustique canadienne en 2020 et 2019, etc. Ses projets ont été diffusés et performés dans le
monde entier, plus récemment en Autriche, Australie, Brésil, Canada et Irlande. En septembre 2023,
elle était artiste en résidence chez OTTOsonics (Autriche) où elle a entamé la création
d'une installation sonore multicanale interactive explorant les concepts d'interaction humain-machine,
d'anthropomorphisme et d'empathie. Elle sera également chargée de cours en art multidisciplinaire à
l'université Concordia pour le semestre d'hiver 2024. Elle est basée à Tiohtià:ke/Montréal.
Ross Braes
Orion: The turning-point of Vivier’s compositional oeuvre
Jeudi 9 novembre à 12h30 - B-720
I assert that Claude Vivier’s orchestral work, Orion, represents the turning-point of his compositional output in his ongoing efforts to create a new musical language based on chord-colours. I will begin by exploring astronomical data relevant to the constellation and nebula of the same name, that is, its salient numerical correlates, which I believe influenced Vivier’s musical choices. Next, I will endeavour to summarize pertinent theoretical points asserted in my doctoral dissertation, particularly regarding what I call his jeux de timbres. Finally, I will briefly discuss Lonely Child, written for soprano and orchestra, completed just five months later, to demonstrate how his musical language evolved beyond traditional chord constructs and theories.
Dr Ross Braes was born in North Vancouver in 1962 and studied as an undergraduate
at the University of Victoria. While a student there he played bassoon and contra-bassoon
with the Port Angeles Symphony Orchestra in Washington state and began teaching music
theory and history. He started his master’s degree soon after earning his Bachelor of
Music, supervised by the distinguished musicologist, William Kinderman, and received
his MA degree in musicology in 1995 (thesis: Formal Integration in the Finale of
Bruckner’s Eighth Symphony).
After moving to Vancouver, he enrolled in the doctoral program at the University of British
Columbia (UBC) and received his PhD in music theory in 2003 with a world-first dissertation
on the eminent Québécois composer, Claude Vivier
(dissertation: An Investigation of the Jeux de Timbres of Claude Vivier’s Orion and his Other Instrumental Works of 1979-80).
Since then, he has made frequent trips to Montréal to make further
investigations into Vivier’s sketches located in the Archives at the Université de Montréal.
From 2012-19 Dr Braes traveled to Hungary where he offered workshops and lectures at the KRE
(Károli Gáspár University of the Reformed Church) located in Budapest and at the British
Studies department at Debrecen University. His latest article,
“Exploring the Musical identity of the Canadian Arctic,” was published
by the KRE in their periodical, Orpheus Noster (2021: volume 13, no. 2).
Currently Dr Braes teaches all aspects of music theory and history,
including composition and piano accordion, for the World of Music and Arts School
in Richmond and the Alla Breve School of Music in Vancouver. As a professional
accordionist, prior to Covid, he organized public concerts and now participates
in community music groups such as the SqueezeBox Circle and, most recently,
the Vancouver Balalaika Orchestra.
Andrea Gozzi
Jeudi 16 novembre à 12h30 - B-720
ABCC – Augmented Bone Conduction Concert – se base sur une approche écologique de la réalité augmentée sonore (RAS). L’expérience d’écoute est enrichie par une utilisation transparente de l’électronique, dans le respect et la fusion avec l’environnement et les instruments acoustiques. Le concert prévoit un système de diffusion binaurale par casque à conduction osseuse : le public vit une expérience de réalité acoustique augmentée, en portant des écouteurs qui ne ferment pas le canal auditif, et qui permettent d’écouter naturellement les sons environnants en même temps que ceux provenant des écouteurs. Les musiciens peuvent aussi bénéficier d’une diffusion audio multicouche avec des cues et informations sonores pour la performance en conduction osseuse et écoutent les autres sources avec les "oreilles libres". À la fin de la présentation sera proposé une collaboration avec les compositrices et compositeurs intéressé.e.s pour écrire des œuvres pour le système.
Andrea Gozzi: Musicien et musicologue. Chercheur postdoctoral Mitacs à l'Université de Montréal – Faculté musique; Ph.D. en humanités numériques, musique et nouvelles technologies au SAGAS, Université de Florence; diplômé en musique de l'Université de Paris 8 Vincennes-Saint-Denis. Membre de l'équipe du centre de recherche Tempo Reale (Florence) et cofondateur de Mezzo Forte, société spécialisée en réalité augmentée sonore. En tant que musicien, il a collaboré avec artistes internationaux, live et en studio, participant à des événements tels que LIVE 8 à Rome (2005). Comme compositeur pour le théâtre, il collabore activement avec le Théâtre Français de Toronto. Il a publié des livres et des essais sur l'histoire du rock et des biographies musicales en Italie et au Canada.
Samuel Morency
« Fragments d’un rêve sans fin », le mystère et le lointain dans ma musique
Jeudi 23 novembre à 12h30 - B-720
La musique, encore plus que toute autre forme d’art, est pour moi le parfait médium pour illustrer mon univers mystérieux et lointain. En fait, cette fascination avec le mystère trouve son origine à ma découverte de la mythologie et de la littérature fantastique, de même que mon entrée dans l’univers des compositeurs impressionnistes tels que Debussy. Cette musique captivante a énormément influencé ma démarche, qui sera le sujet de cette présentation. Au cours de celle-ci, je détaillerai donc la manière dont le mystère et le lointain se reflètent dans ma musique, en mettant en avant certaines de mes compositions
Samuel Morency est un compositeur instrumental aux horizons multiples.
Même si son style peut paraître un peu traditionnel, surtout lorsque comparé à des musiques
plus modernes, il est marqué par une recherche de couleurs mystérieuses et lointaines pour renouveler
la fresque sonore.
Ayant commencé à composer à l’âge de 14 ans, en 2014,
il poursuit en ce moment même une maîtrise en composition à l’université de Montréal
avec François-Hugues Leclair. Sensible, lyrique, Samuel est un jeune homme très créatif,
constamment en quête de nouvelles palettes harmoniques, mélodiques et timbrales pour donner
vie à ses idées musicales.
Gabriel Schwartz
Illustrations du Brésil à travers le rythme et les couleurs sonores
Jeudi 30 novembre à 12h30 - B-720
La démarche artistique de Gabriel Schwartz porte sur l’intégration d’éléments de la musique populaire brésilienne dans la composition de musique contemporaine, de façon à les resignifier dans ce nouveau contexte. L’idée de son projet de doctorat est de composer une série de pièces pour des ensembles variés, afin d'explorer les caractéristiques de certains instruments traditionnels issus de différents styles de musique brésilienne. À partir de l’appréciation de la sonorité générale de ces instruments et styles, notamment les rythmes traditionnels, l’idiomatisme et les timbres particuliers de chaque instrument, l'objectif est d’en créer une représentation sonore non réaliste et originale, mettant l'accent sur la transformation des rythmes et l'utilisation des nouveaux modes de jeu à l'orchestration.
Musicien depuis plus de vingt-cinq ans, Gabriel Schwartz, né à Curitiba-Brésil, est diplômé de l’École de Musique et des Beaux-Arts de l’état du Paraná et du Conservatoire de Musique Brésilienne de Curitiba. En 2020 il accomplit le programme de Maîtrise en Composition et Création Sonore à l’Université de Montréal sous la direction de recherche la compositrice Ana Sokolović. En 2023 il débute le doctorat afin d’approfondir sa recherche en composition. En tant que multi-instrumentiste, il joue plusieurs instruments comme la flûte, le saxophone, la batterie, la percussion brésilienne, la guitare. Actuellement Gabriel présente son Projet Solo, un concert où il interprète seul des morceaux du répertoire brésilien au moyen de ses instruments et d’un appareil d’enregistrement en boucle (le loop station). Investi sur la scène musicale montréalaise, Gabriel donne également des cours de pandeiro (tambourin brésilien) e Choro (style de musique brésilienne) au Centre des musiciens du monde.
Gaël Moriceau
Composer avec un instrument de musique numérique : le potentiel et les défis du T-Stick
Jeudi 7 décembre à 12h30 - B-720
La recherche de Gaël Moriceau se concentre sur la composition de pièces électroacoustiques pour Instruments de Musique Numériques (IMN). Dans sa présentation, il exposera comment sa recherche est centrée sur le T-Stick, une interface gestuelle développée à l’Université McGill, et comment son approche implique simultanément les rôles de luthier, compositeur et interprète. Il abordera l'exploration de l'interface et de son potentiel, le choix de la synthèse sonore, les expérimentations de mapping, les premiers développements d’une technique gestuelle, ainsi que les enjeux liés à la documentation d'une œuvre. L'objectif est d'étendre le répertoire des IMN et de favoriser leur adoption parmi les interprètes et compositeurs pour améliorer leur pérennité.
Gaël Moriceau est actuellement étudiant à la Maîtrise en composition et création sonore à l'Université de Montréal (UdeM). Après avoir travaillé plusieurs années en ingénierie, Gaël décide de changer de carrière en 2019. Il étudie alors la conception sonore et la composition de musique électroacoustique à l'UdeM, où il complète un baccalauréat en musiques numériques en 2022. Ses compositions, principalement du genre acousmatique, cherchent à immerger l’auditeur dans des espaces abstraits et inconnus. Il utilise autant la prise de son que la synthèse par ordinateur (Max/MSP, SuperCollider) ainsi que diverses techniques de spatialisation pour créer des objets sonores et des textures uniques. Gaël est également membre étudiant du Centre Interdisciplinaire de Recherche en Musique, Médias et Technologie (CIRMMT) et collaborateur de l’Input Devices and Music Interaction Laboratory (IDMIL).
