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2021

14 janvier 2021- Marco Marini - L'interface Textile: instrument de composition et de performance
21 janvier 2021- Romain Camiolo - Composer La Fille de l'eau: La dialectique cliché/originalité du ciné-concert
28 janvier 2021 - Alexis Langevin-Tétrault - La corporalité en musique électroacoustique : une approche
4 février 2021 - Erin Gee - Feminist materialist frameworks for music composition through biofeedback
11 février 2021 - Valentin Stip - Exploration phénoménologique du son électrique et acoustique
18 février 2021 - Showan Tavakol - Exploration contemporaine du concept de mode oriental: vers la notion d’amodalité
25 février 2021 - Tom Lachance - Synesthésie et composition
11 mars 2021 - Snežana Nešić - L’écriture du timbre de l’accordéon et son intégration dans l’ensemble de la musique contemporaine
18 mars - Alexandre Amat - De l’harmonie au son : évolutions techniques, structurelles et stylistiques de ma démarche compositionnelle
18 mars 2021 - Rasoul Morteza - Ambisonie d’ordres supérieurs et la musique des médias visuels : un aperçu
25 mars 2021 - Jean Grünewald - Performance techno,installation immersive, rêves de planètes et dystopies
25 mars 2021 - Benoît Charest - Prendre congé de la profession musicale pour réévaluer l'usage des capacités créatrices
1er avril 2021 - Keiko Devaux - Traductions d'expérience: Le rôle de la mémoire dans le processus compositionnel
1er avril 2021 - Laurianne Bézier - Avril, ne te découvre pas d'un fil !
8 avril 2021 - Tomás Díaz Villegas - Thématisme et réseau paramétrique
15 avril 2021 - Barbara Finck-Beccaficco - Poésie de l'ADN: une traduction audio-visuelle du génome humain
22 avril 2021 - Alithéa Ripoll - Interdisciplinarité mêlant musique & poésie
22 avril 2021 - Gabriel Couturier - Pluralité d’approches à la composition
22 avril 2021 - Miko Sabatino - Composer le temps: Une approche basée sur les unités sémiotiques temporelles

9 septembre 2021- Danaë Ménard-Bélanger - Savoir plaire aux muses: incursion dans la psychologie de la créativité en musique
16 septembre- Robert Normandeau - Présentation des logiciels de spatialisation développés à la Faculté: SpatGRIS3 et ControlGRIS
23 septembre 2021 - Joshua Bucchi - Worst Practices, and creative ethics, and stuff...
30 septembre 2021 - Alexandre David - Dialogues avec l’extra-musical : développement de nouvelles stratégies compositionnelles
7 octobre 2021 - Roxanne Turcotte - La composition multidimensionnelle, l’objet et la non-conformité
14 octobre 2021 - Estelle Schorpp - Un paysage sonore à l'ère de la computation
28 octobre 2021 - Nicola Baroni - The hyperinstrument as an algorithmic composer
4 novembre - Véro Marengère - Performance et œuvre audiovisuelle: relations entre coprésence, néoanimisme et fiction spéculative
11 novembre 2021 - Simon Coovi-Sirois - Art de la réutilisation de données: trajectoires de données dans un corpus d’œuvres en réseau
18 novembre 2021 - Mélanie Frisoli - Jeux d'espace et spatialisation du son dans la composition musicale de paysage sonore.
25 novembre 2021 - Simone d'Ambrosio et Étienne Legast - Audiotopie: entendre le lieu / esprit coopératif
2 décembre 2021 - Philippe-Aubert Gauthier - Réseaux modulaires spontanés
9 décembre 2021 - James O'Callaghan - Composer le multimédia
16 décembre 2021 - Saadi Daftari - From Composing History to Composing With History

 
 

14 janvier 2021 - Marco Marini - L'interface Textile: instrument de composition et de performance

Compositeur de musique électroacoustique et pédagogue, Marco Marini joue d’un instrument électronique tout à fait particulier et unique: une interface textile. Cet instrument en tissu conçu et inventé par le designer Maurin Donneaud a trouvé une application musicale avec Marco Marini. Ce travail de recherche évolue depuis 2006, au travers de plusieurs prototypes et projets. En décembre 2008, une bourse DICRéAM a permis la fabrication d’un dernier prototype fiable et le développement d’outils logiciels spécifiques. Depuis, les projets artistiques se sont diversifiés (improvisation, musique mixte, composition) et un nouveau concept est né en 2014, celui de « Une toile pour une toile ».

Marco Marini (Mko)
Batteur dans différentes formations de musiques actuelles (rock, jazz, variétés, fanfare…) depuis 1979, son activité de musicien l’amène au fil des années à partager son temps entre l’interprétation, la pédagogie, le travail du son et la composition. De 1995 à 2005, il tient le rôle de compositeur musicien-comédien au sein de la Compagnie Materia Prima (Nancy). En 2004, il participe aux ateliers GRM-ADAC (Paris V°) avec Régis Renouard Larivière et Christian Eloy , puis entre à l'ENM de Pantin dans la classe de composition électroacoustique de Christine Groult et obtient son DEM avec mention en juin 2006. Installé à Paris depuis 2007, il perpétue son travail de composition et de collaboration avec différents artistes et compagnies de théâtre et de danse. Il enseigne au CRD de Pantin comme assistant depuis 2007, et dirige la classe comme Professeur de composition électroacoustique à temps plein depuis la rentrée 2015-2016. Il développe également un travail d’improvisation avec une interface textile, en solo, mais également au sein de Phant^me(s) (avec Géraldine Keller, Xavier Charles et Camille Perrin).

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21 janvier 2021 - Romain Camiolo - Composer La Fille de l’eau : la dialectique cliché/originalité du ciné-concert

Les années 1980 marquent le début d’une tentative de renouer avec le cinéma muet et avec la tradition du ciné-concert. Ce cinéma d’avant les années 1930 ne possédant que rarement une musique originale, il constitue souvent l’occasion d’être revisité musicalement. Du fait de son silence, le cinéma muet offre une grande place et une grande liberté aux compositeurs.trices. Dès lors, comment remplir cet espace sonore ? Pour moi, deux grandes directions sont possibles :

- L’approche traditionnaliste : celle-ci sous-entend une esthétique musicale propre à l’époque. Le/la compositeur.trice cherche à recréer les conditions du spectacle et l’esthétique supposée de la musique de film des années 1920.

- L’approche expérimentale : le compositeur crée une musique qui se dissocie du film, par ses choix esthétiques et un rapport plus distancié à l’image d’après les codes supposés de l’époque.

Durant cette conférence, je présenterai l’avancement de mon travail sur la Fille de l’eau, premier film de Jean Renoir (1924), pour lequel je compose une musique originale destinée à être interprétée en ciné- concert. Fondé sur une intrigue familière du public occidental, le film raconte de manière poétique le voyage initiatique de sa protagoniste et dépeint avec justesse la violence du monde qui l’environne. L’ambivalence de cet objet cinématographique, qui préfigure le réalisme poétique, m’a donné le gout de m’en emparer et de faire redécouvrir à ma manière le cinéma muet.
J’ai voulu proposer une musique originale qui fasse la synthèse des deux approches a priori contradictoires que j’ai évoquées. Je présenterai ainsi les enjeux de traitement musical qu’implique pour moi cette synthèse, notamment esthétiques, au travers de la conception du matériau compositionnel et de la structure musicale.

Compositeur et pianiste, Romain Camiolo intègre en 2013 la classe de composition pour l’image du CNSMD de Lyon en France. Fort de cette formation, il compose pour différents types de films : courts métrages d’animation, de fiction, documentaires, chorégraphiques. Il obtient son Master en juin 2018. Depuis 2019, il poursuit son apprentissage au doctorat en composition à l’Université de Montréal, codirigé par Ana Sokolovic et Serge Cardinal. Son travail se partage aujourd’hui entre la musique pour l’image et la musique de concert, accordant une place importante à l’interaction entre les différents médiums artistiques.

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28 janvier 2021 - Alexis Langevin-Tétrault - La corporalité en musique électroacoustique : une approche

Cette présentation synthétise les concepts et outils centraux à la démarche de recherche qui a mené à la création des œuvres audiovisuelles Interférences (String Network), Falaises et Hypercube. Dans ces projets, Alexis Langevin-Tétrault développe des stratégies afin de pouvoir interpréter et incarner physiquement sur scène les musiques numériques. Ces performances tendent vers une corporalité de l’œuvre électroacoustique, par la recherche d’adéquation entre la nature des outils utilisés, l’attitude corporelle de l’interprète, la symbolique des éléments visibles, et le contenu de la composition musicale. Les notions de risque, de collaboration ainsi que les concepts de réseau et de dramaturgie seront abordés. Des outils de synthèse seront aussi présentés.

Alexis Langevin-Tétrault est un artiste interdisciplinaire qui combine dans sa démarche la composition musicale, les technologies numériques, les arts plastiques et la performance. Il a participé à la fondation de différents projets de musiques électroniques et d’art numérique dont Alexeï Kawolski, les collectifs Falaises, DATANOISE, QUADr, ILEA, BetaFeed et Recepteurz, en plus de présenter ses performances solos telles que Hypercube (one) et Interférences (String Network). Ses oeuvres actuelles explorent le concept de corporalité et se caractérisent par le design de dispositifs audiovisuels, la performance physique, le travail scénographique et dramaturgique, l’utilisation critique et approfondie des technologies audionumériques, l’exploration du timbre sonore ainsi que par une réflexion conceptuelle et sociale Il a complété une maitrise en composition audionumérique à l'UdM sous la direction de Nicolas Bernier. Il est membre invité du centre Perte de Signal de Montréal, et il est aussi secrétaire du conseil d’administration du Regroupement des Arts Interdisciplinaires du Québec (RAIQ). Ses œuvres ont été présentées dans plus d’une centaine d’événements internationaux, dont Ars Electronica (AT), ISEA (KR)(CA), L.E.V. (ESP), Transart (IT), ADAF (GR), MUTEK (CA)(ES)(JP), Biennale NÉMO (FR), BIAN-Elektra (CA), Akousma (CA), Mois Multi (CA) et Espace du son (BE). Son travail a été récompensé par la fondation Destellos (AR) en 2014 et en 2015, par la fondation SOCAN en 2015 (CA), puis par la fondation Musiques et Recherches (BE), par la Semaine Internationale de la Musique Électroacoustique (FR) ainsi que par le festival Exhibitronic (FR) en 2016.

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4 février 2021 - Erin Gee - Feminist materialist frameworks for music composition through biofeedback

Inspired by the work of feminist, anti-colonial, posthumanist and queer scholars that describe affect as an essential ground for experience, my doctoral research concerns how feminist-materialist and posthumanist theory can translate into musical composition. Traditional approaches to musical composition emphasize the composer as a subject, one that works upon musical materials/objects to express a personal and subjective inner world. My work emerges from a material field of vocality inspired by my experiences as a soprano, whereupon my creative expression emerges from and through the material of my own body as instrument. Through my music, compositional methods highlight the body of the human listener as material itself, flattening ontological hierarchies between listening subject and musical materials/objects. Key strategies in this approach include developing electroacoustic music inspired by Autonomous Sensory Meridian Response (ASMR), coupled with the use of affective biofeedback devices.

Erin Gee is an artist and composer whose artworks emphasize sensuality, affect, haptics, communication, and presence in sonic and digital architectures. Inspired by the human voice as a conceptual object, she likens the vibration of vocal folds to electricity and data across systems, or vibrations across matter. Using her own physiological sensors to promote “embodied algorithmicity,” she is a DIY expert in affective biofeedback, implicating the body of the listener as part of her cybernetic systems in place. Her work in choral composition, networked performance, ASMR, virtual reality, AI and robotics has been shown internationally.

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11 février 2021 - Valentin Stip - Exploration phénoménologique du son électrique et acoustique

Ma démarche créative est née de mes études en philosophie. Je présenterai donc les idées qui m'ont inspirées à creuser dans ma réalité sonore, et comment j'en suis arrivé à favoriser la synthèse, et l'approche du son comme signal électrique, acoustique, et psycho-physiologique.

Né en France, Valentin Stip a grandi à New York et est basé à Montréal. Pianiste classique de formation, il s'intéresse depuis à l'acoustique et à la production électroacoustique. Son travail explore la création de sons par synthèse, ainsi que la diffusion sonore dans l'espace.

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18 février 2021 - Showan Tavakol - Exploration contemporaine du concept de mode oriental: vers la notion d’amodalité

Tout en explorant et en analysant les éléments esthétiques importants des modes orientaux (systèmes du Maqam et du Dastgah) issus de la musique modale d’Orient (et particulièrement du Moyen-Orient), j’aborderai les différentes formes d’adaptation et de transformations de ces éléments esthétiques dans mes compositions contemporaines occidentales.

Pour illustrer la modification du langage traditionnel oriental vers le langage contemporain occidental, j’aborderai les motifs stéréotypes, les nucleus et les morphèmes modaux, à travers :

- les formes spécifiques orientales et l’herméneutique des concepts musicaux
- de courtes études pratiques pour des instruments occidentaux qui appartiennent à la même famille que leur équivalent oriental, ce qui mettra en évidence certains modes de jeu inusités provenant des instruments orientaux
- certaines tendances communes entre ces deux langages
- l’exploration du concept d’amodalité à travers l’atonalisme et le sérialisme
- la mélodie de longue durée, les modes rythmiques d’Orient (iqa et osul), et la mesure rythmico-temporelle
- l’infra-chromatisme

Showan Tavakol est un musicien polyvalent Canado-Iranien, né à Téhéran (1979). Ses œuvres ont été exécutées en concert en Europe, en Asie et en Amérique du Nord et du Sud, et il a aussi composé pour le cinéma, notamment pour le film Manuscripts Don’t Burn (Mohammad Rasoulof) présenté au Festival de Cannes en 2013. En tant qu’interprète, il a été soliste pour plusieurs de ses compositions incluant le Concerto pour Kamancheh et orchestre symphonique qui a attiré l’attention du jury du Festival international de la musique Fajr. Hétérotopie, sa pièce pour Kamancheh et orchestre, a été interprétée à Montréal par le Nouvel Ensemble Moderne avec le compositeur comme soliste. Il a également participé à l'enregistrement de trois albums de ses œuvres musicales (en Iran et en Allemagne) : On trolley of time, Parallax view, Suge sarv ainsi que l’album Écho des montagnes, une co-composition publiée par Analekta au Canada. Showan détient une licence en musique et une maîtrise en interprétation du Kamancheh de l’Université de Téhéran. Au Québec, il a obtenu une maîtrise en composition de l’Université de Montréal. Intéressé par l’ethnomusicologie et la composition pour la musique du monde, il a aussi suivi des cours qui lui ont permis d’acquérir une grande expertise des instruments traditionnels de cultures variées. Il est aussi membre de la SOCAN, de la ligue canadienne des compositeurs; et il est professeur de Kamancheh et violon au centre des musiciens du monde à Montréal. Il est récipiendaire du 2e prix de composition du Prix collégien de musique contemporaine 2019 (Québec), ainsi que du 3e prix de composition du Classic Pure Vienna International Music Compétition 2019 (Autriche).

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25 février 2021 - Tom Lachance - Synesthésie et composition

Do majeur est blanc, sol majeur est jaune, ré majeur est orange, la majeur est… bleu ciel? Où est la logique? Outre le fait que je n’ai pas de réponse à cette question, je vais vous présenter cette semaine l’apport de la synesthésie à ma démarche de compositeur! D’où cela vient, comment cela nourrit ma démarche et surtout… qu’est-ce que c’est vraiment, la synesthésie? Tout ce que je peux vous révéler pour l’instant, c’est qu’elle touche à beaucoup plus d’aspects de notre vie que l’on pense et qu’étonnamment, chacun.e d’entre-nous en vit quotidiennement…

Après avoir effectué des études collégiales au Cégep St-Laurent avec Michel Tétreault et Pierre-Marc Beaudoin, Tom Lachance termina un baccalauréat en composition instrumentale à l’Université de Montréal. Présentement étudiant à la maîtrise sous la direction d’Ana Sokolovic, il explore des concepts aussi variés que la synesthésie, l’improvisation, le théâtre musical, la relation entre l’homme et le végétal et la formation des étoiles. Il a composé pour plusieurs ensembles, de l’orchestre de cuivres au NEM, en passant par le piano.

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11 mars 2021 - Snežana Nešić - L’écriture du timbre de l’accordéon et son intégration dans l’ensemble de la musique contemporaine

Il y a toujours eu une disproportion évidente, d’une part, entre l’usage très répandu de l’accordéon moderne (surtout en Europe et en Asie, mais aussi de plus en plus aux États-Unis et au Canada) et d’autre part, très peu de recherches et de publications systématiques ost été menées sur cet instrument et son traitement dans les ensembles et orchestres contemporains.

Mon projet de recherche est consacré à ce sujet, que j'aborde à partir de plusieurs positions - en tant que compositrice, interprète et musicologue. J'illustrerai ma présentation par des exemples tirés de mon propre travail de composition et par des œuvres d'autres compositeurs et chercheurs.

Snežana Nešić a étudié la composition, l'accordéon et la direction d'orchestre au conservatoire de Kiev et à l'École supérieure de musique, de théâtre et médias de Hanovre (HMTMH). Depuis 2011, elle enseigne la composition et la musique contemporaine à l'HMTM de Hanovre. Elle a aussi enseigné à la HMT Felix Mendelssohn Bartholdy de Leipzig entre 2018 et 2020 et a été professeure de composition invitée à l'Université de Skopje (Macédoine) en 2015. Snežana Nešić a reçu des commandes de compositions notamment du Gewandhaus de Leipzig, de la Philharmonie du Luxembourg, de l'Opéra de Hanovre et du Kammeroper de Cologne. D'autre part, ses compositions ont également été jouées dans le cadre de la Biennale de Salzbourg et de la Klangwerkstatt Berlin. Snežana Nešić a notamment remporté le 1er prix du Concours international de composition du Quatuor Molinari ainsi que le prix de l'International Eisenach Bach Composition Prize. Elle a été compositrice en résidence à l'Académie allemande de Rome, à la Casa di Goethe Roma, au Centro Tedesco di Studi à Venise et à Montréal, à l'invitation du Groupe le Vivier et du Goethe Institut. Snežana Nešić a aussi remporté de nombreux prix internationaux en tant qu'accordéoniste. Elle est également directrice artistique des ensembles "ur.werk" et "Incontri" et a interprété et dirigé de nombreuses premières d'œuvres de compositeurs contemporains.

Site Web de Snežana Nešić: www.snezana-nesic.de

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18 mars 2021 - Alexandre Amat - De l’harmonie au son : évolutions techniques, structurelles et stylistiques de ma démarche compositionnelle

Au cours de mon parcours de compositeur, j’ai effectué, ces dernières années, un changement important dans ma manière d’imaginer, de concevoir et de structurer ma musique. Si, dans mes premières compositions, le discours musical était construit à partir d'une organisation harmonique sous-jacente, j’ai, au fur et à mesure, délaissé ce travail sur les hauteurs pour me focaliser sur une écriture basée sur le développement du son lui-même. Dans cette présentation, j’aborderai ainsi, en premier lieu, le rôle de l’harmonie dans mes premières compositions, en présentant notamment les techniques de génération d’accords, au cœur de l’organisation structurelle de ces pièces. Je présenterai ensuite comment, par l’influence de l’écoute des sons de la nature, je me suis détaché de l’organisation systématique du matériau harmonique pour privilégier une pensée musicale centrée sur le son et les textures sonores. Par la présentation d’esquisses préparatoires, j’illustrerai la façon dont j’organise des « images sonores » au sein d’une forme générale.   Enfin, je soulignerai les nouvelles problématiques qui irriguent aujourd’hui mes recherches musicales : la gestion des hauteurs dans une écriture centrée sur le son, les rapports entre l’écoute des sons naturels et la temporalité, et les relations entre notation et imaginaire musical.

 Alexandre Amat est un compositeur français né à La Rochelle. Il débute ses études musicales par la pratique du cor d’harmonie. En 2011, il intègre le cursus de musicologie à l’Université de Bordeaux, où il obtient une licence en 2014. Il poursuit ensuite ses études au Conservatoire de Bordeaux où il intègre le cours de composition instrumentale de Jean-Louis Agobet. Il obtient son DEM de composition en 2019 et poursuit actuellement une Maîtrise en composition instrumentale à l’Université de Montréal, sous la direction de François-Hugues Leclair.   Il compose des œuvres pour instruments solistes, pour divers groupes de musique de chambre, pour orchestre (πέρα, commande de l’Orchestre National de Bordeaux Aquitaine), pour instruments traditionnels (sho) ou pour instruments amplifiés (guitare électrique). En 2020, il reçoit le premier prix au concours de composition de l’ensemble Prisme (Gatineau). 


www.alexandreamat.com

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18 mars 2021 - Rasoul Morteza - Ambisonie d’ordres supérieurs et la musique des médias visuels : un aperçu

Alors que la technologie ambisonique existe depuis près de cinq décennies, ce n'est que récemment qu'elle a gagné en popularité en raison de son adoption comme format audio par défaut pour le contenu de réalité virtuelle. Mais qu'est-ce que l’ambisonie? Comment ça marche? Et comment améliorer l'immersion dans un contexte musical? Ce sont quelques questions parmi d'autres qui seront abordées dans cette présentation. Une courte composition spatialisée en ambisonie du troisième ordre sera fournie comme étude de cas.

Rasoul Morteza est un compositeur iranien autodidacte basé à Montréal, Canada. Ses intérêts incluent l'écriture pour des films et des jeux vidéo, l'audio 3D et l'orchestration expérimentale. Avant de se lancer sur la scène musicale, il a complété un BSc en physique à l'Université Paris-Sud (France, 2014), suivi d'un MASc en génie mécanique  à l'Université Concordia (Canada, 2016), où il a effectué des recherches sur l'acoustique musicale des coquilles de conque. Il possède de l'expérience supplémentaire en tant que consultant acoustique et instructeur en conception sonore et production musicale.

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25 mars 2021 - Jean Grünewald - Performance techno,installation immersive, rêves de planètes et dystopies

Ma pratique sonore est influencée par l’art conceptuel, et principalement orientée vers la performance. Mes inspirations récurrentes sont les phénomènes célestes, le post-humain et les dystopies.
Je réalise actuellement une maîtrise en recherche-création à l’UdeM, dirigée par Robert Normandeau et avec pour projet une installation sonore et immersive, à la croisée entre fiction spéculative et paysage sonore galactique.

Je suis artiste sonore et compositeur de musiques électroniques et expérimentales. Ma pratique sonore est influencée par l’art conceptuel, et principalement orientée vers la performance. Mes inspirations récurrentes sont les phénomènes célestes, le post-humain et les dystopies. Je m’intéresse au contexte d’écoute comme vecteur d’expériences communes : le rapport intime que l’on crée avec ce que l’on entend, ainsi que la dimension politique du « être ensemble ».
Mon travail artistique se focalise depuis 2017 autour du projet ottoman.grüw, se situant à la croisée entre musique Techno et musique expérimentale / industrielle.

Sous mon vrai nom, j’ai composé plusieurs œuvres électroacoustiques, dont un 1er EP sorti en mai 2020 ; une participation à une pièce sonore collective dans le cadre de Pop Montréal 2019 au Théâtre Rialto ; ainsi que des pièces pour des événements mêlant arts et sciences. J’anime depuis novembre 2019 l’émission musicale Planets Crossing Voices sur la radio montréalaise n10as, le premier dimanche de chaque mois.

Je réalise actuellement une maîtrise en recherche-création à l’UdeM, dirigée par Robert Normandeau et avec pour projet une installation sonore acousmatique et immersive, à la croisée entre paysage sonore galactique et fiction spéculative.

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25 mars 2021 - Benoît Charest - Prendre congé de la profession musicale pour réévaluer l'usage des capacités créatrices

"Prendre congé de la profession musicale pour réévaluer l'usage des capacités créatrices", phrase inspirée de l'Homme sans qualités de Robert Musil. Dans ma présentation je ferai un survol de mes travaux en cours dans le cadre de ma Maîtrise avec François-Hugues Leclair. Pandémie oblige ; mon projet initial a dû être fractionné en trois pièces durant lesquelles j'y intègrerai des éléments de diverses sources:

1# City Suite composé pour l'ensemble jazz de l'Université de Montréal qui inclut des concepts de l'improvisation "Coltranienne" et de l'harmonie moderne du 20e siècle présente dans le langage jazz.

2# Robot Portraits. Pièce pour Quintette à vent esquissée dans le cadre du cours de Techniques de Composition moderne 1 avec F-H Leclair dans laquelle j'y ai appliqué les techniques apprises et que je terminerai dans les prochains mois.

3# L'Opéra-burlesco-buffa-tragico-satirique (encore sans titre) qui sera le point culminant de ma thèse...


Guitariste professionnel et professeur au CÉGEP St-Laurent dans les années quatre-vingt-dix, il délaisse l’enseignement pour se consacrer à la musique de film. Il a depuis, composé plus d’une trentaine de bandes sonores de fictions et documentaires et des centaines de jingles publicitaires. Il a reçu de nombreux prix et accolades pour son travail et a donné des milliers de concerts et spectacles et a contribué à des dizaines d’enregistrements comme guitariste de jazz. Depuis 2013, il parcourt le monde avec un orchestre de 9 musiciens pour performer la musique du « Ciné-concert des Triplettes de Belleville » dont il est le compositeur. Il entreprend présentement une Maîtrise en composition à l’Université de Montréal pour parfaire des études trop souvent interrompues dans le but d’initier une nouvelle phase de sa vie de compositeur dédié à la création d’un corpus d’œuvres plus personnel.

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1er avril 2021 - Keiko Devaux - Traductions d'expérience: Le rôle de la mémoire dans le processus compositionnel

Comment se souvient-on du son ? Comment ces expériences transforment-elles nos expériences sonores et musicales actuelles ? Keiko Devaux s'intéresse principalement à l'expérience émotionnelle et à l'affect, ainsi qu'aux processus de " brouillage des genres " qui superposent et juxtaposent des éléments mélodiques et harmoniques contrastés provenant de sources sonores très contrastées. La distorsion des attributs temporels, de la hauteur et du timbre permet de brouiller les pistes entre les sons tonaux traditionnels et les gestes "bruitistes " d'inspiration plus électroacoustique. Profitant de son amour pour les sons et la méthodologie électroacoustiques, elle manipule et déforme le matériel acoustique à l'aide d'outils numériques, puis transcrit et recadre ces matériaux édités en notation musicale écrite, les renvoyant ainsi au domaine acoustique.

Keiko Devaux (1982) est compositeure de musique contemporaine basée à Montréal.
Ses œuvres ont été interprétées au Canada, en France, en Allemagne et en Italie par divers ensembles, dont le Nouvel Ensemble Moderne, l'Ensemble Musica Assoluta, l'Ensemble Arkea, le Quartetto Prometeo et l'Ensemble Wapiti, entre autres. Elle compose régulièrement pour divers ensembles et collabore avec des chorégraphes et des cinéastes.
Sa démarche embrasse un amour pour les sons et méthodologies électroacoustiques, manipulant et déformant des sons acoustiques à l’aide d’outils numériques. Elle rend ensuite ces transformations sous forme de transcriptions écrites, les traduisant à nouveau dans le domaine acoustique. Elle s’intéresse à l'expérience émotionnelle et affective, aux phénomènes auto-organisationnels dans la nature et chez les êtres vivants, ainsi qu’à l’estompage des frontières entre genres musicaux. Elle superpose et agence des éléments mélodiques ou harmoniques distillés de sources sonores très contrastées. La distorsion des attributs temporels, fréquentiels et timbraux permet de fusionner le langage tonal traditionnel et des gestes bruitistes d’inspiration plus électroacoustique.
Elle est lauréate de nombreux prix et distinctions, dont le Prix Jan V. Matejcek pour nouvelle musique classique (2019), une bourse d’études du Rotary Club de Sienne pour ses cours de maître avec Salvatore Sciarrino à l’Accademia Chigiana (2018), le Concours de composition de l’OUM (2016 et 2018) et les prix du jury et du public de la 5e édition du Concours Accès Arkea (2017). Sa composition Ebb créée par le Nouvel Ensemble Moderne était finaliste à la catégorie Création de l’année des prix Opus 2017-18. La même année, son œuvre Ombra a été finaliste du Prix du CALQ - Œuvre de la relève à Montréal. En 2019, elle a remporté la première toute commande Azrieli pour musique canadienne, au prix de 50 000 $, le plus important du genre au Canada et l'un des plus importants au monde.
Entre 2016 et 2018, elle a été compositrice en résidence au Nouvel Ensemble Moderne (Montréal). De 2020 à 2022, elle participe à la Résidence Carrefour auprès de l’Orchestre du CNA (Ottawa). Elle est compositrice agréée au Centre de musique canadienne, présidente du conseil d’administration de Codes d’accès et ancienne organisatrice du Laboratoire de musique contemporaine de Montréal.

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1er avril 2021 - Laurianne Bézier - Avril, ne te découvre pas d'un fil !

Lors de cette présentation, je vous parlerai de mon projet personnel de DESS: une courte pièce de théâtre d’objets ;  ainsi que de mes recherches, idées et conceptions sur le sujet.

Artiste sonore aux spécialisations douteuses, je cherche avant tout à servir les autres arts à l'aide de mes idées et connaissances en musique, bruitage, lutherie numérique et théâtre.Actuellement à la maîtrise en musicologie et au DESS en musiques numériques, mes recherches portent sur la place et l’intégration de la conception sonore au théâtre, et en particulier dans le théâtre d’objets québécois.

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8 avril 2021 - Tomás Díaz Villegas - Thématisme et réseau paramétrique

Dans cet exposé, je présenterai l’état actuel de mon projet de doctorat à partir de l’évolution en trois étapes du sujet de recherche au cours des deux premières années d’études. Après m’être intéressé à des aspects généraux liés au temps (continuité, changement) et à la forme (taux d’activité, directionnalité du discours), j’ai voulu mieux délimiter mon projet en le focalisant sur la recherche de temporalités spécifiques (flottante, interrompue, par exemple) pour finalement l’encadrer dans le thématisme. Ce sujet me permet de poursuivre la réflexion des intérêts initiaux (temps et forme) dans la perspective de la conception et du développement de gestes musicaux récurrents. Plus concrètement, je travaille avec le concept de réseau paramétrique comme un outil descriptif pour relativiser et diversifier la constitution des motifs dans ma musique. Cette présentation sera accompagnée d’exemples tirés de mes compositions de doctorat.

Tomás Díaz Villegas (1990), compositeur et guitariste, développe actuellement son doctorat en composition instrumentale à l’Université de Montréal avec Ana Sokolović. Sa musique a été interprétée par divers ensembles (comme le NEM, NEO, CG, Taller Sonoro, Periscopio et l’EMCUC) ainsi que par des solistes (comme Javier Vinasco et Stephen Eckert). De même, il a participé à plusieurs évènements, tels que l’Académie Orford (2020), le Festival CiMa (Manizales, 2019 et 2017), les Journées de composition du CCMC (Bogotá, 2018), le Deuxième festival international des quatuors à cordes (Bogotá, 2016), entre autres. Parmi ses futurs projets figurent une nouvelle pièce pour Emma Schmiedecke (violoncelle), une autre pour le Quatuor à cordes Cobalt et une résidence avec l’orchestre de l’Institut supérieur de musique de l’état de Veracruz (Mexique).
D’autre part, Díaz Villegas a été boursier de nombreuses institutions, dont la Faculté de musique de l'Université de Montréal (bourse d'études supérieures, 2019 et 2020), Idartes (résidence à Bogotá, 2017), Ibermúsicas (résidence au Mexique, 2016) et le Ministère de culture de Colombie (stage à la Bibliothèque nationale, 2016). Il a étudié avec Marco Alunno, Andrés Posada, Rodolfo Acosta et Leonardo Coral, et a suivi des cours de maître avec Marcos Franciosi, Hannah Lash, Javier Álvarez, Snežana Nešić, Gabriela Ortiz, Leon Gurvitch et Georges Dimitrov.

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15 avril 2021 - Barbara Finck-Beccaficco - Poésie de l'ADN: une traduction audio-visuelle du génome humain

L'orientation disciplinaire du projet Poésie de l’ADN trouve sa source dans une démarche créatrice pluridisciplinaire, mêlant l’art des logiciels appliqués à la création sonore, musicale et visuelle, ainsi que l’art performatif. Ce projet passe par plusieurs étapes, d’abord avec la création d’une Application comme outil de création, avec lequel il est possible de composer et performer, en traduisant en vidéo-musique des données puisées dans des profils ADN. Il y a quelques années les membres de ma famille ont fait une analyse ADN poussée, et l’idée d’utiliser le génome pour en faire un portrait audio-visuel a germé, et m’a mené à tenter de catégoriser les critères qui les constituent, dans un même ordre d’idée que l’empreinte génétique humaine. L'objectif est d'offrir une sorte de traduction poétique, audio-visuelle, de l'identité à la fois biologique et ésotérique induite par l’ADN.

Actuellement étudiante à la Maitrise en Composition et Création Sonore de l’Université de Montréal, Barbara Finck-Beccafico a depuis le début de son parcours académique, eu l’opportunité de travailler sous la tutelle d’artistes reconnus, à l’Université de Montréal (Nicolas Bernier, Martin Bédard), Université Paris 8 (Alain Bonardi, Anne Sedes) et Sogang University de Séoul (Jusub Kim, Yongsoon Choi). On a pu entendre ses compositions électro-acoustiques dans la pièce de théâtre Vacilando du collectif New Yorkais The Ephemeral Explorers, ainsi qu’au Toronto international Electroacoustic Symposium et Venice Electroacoustic Rendez-vous. Le travail de Barbara dont un corpus d’oeuvres de 6 installations multisensorielles engagées, ont été présentées à la Nuit Blanche de Montréal et de Paris. Elle collabore aussi avec des chorégraphes et réalisateurs afin de mettre en musique leurs oeuvres. Depuis 2017, elle travaille sur le projet Poésie de l’ADN, mêlant l’art des logiciels appliqués à la création sonore, musicale et visuelle, ainsi que l’art performatif.

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22 avril 2021 - Alithéa Ripoll - Interdisciplinarité mêlant musique & poésie

Depuis mes débuts en 2008 au CrLg (Belgique)en composition, nombreuses sont les collaborations avec des artistes autres que musiciens. Qu’il s’agisse de plasticiens, de comédiens, de metteurs en scène, de photographes, de chorégraphes ou de danseurs, les échanges interdisciplinaires ou multidisciplinaires m’ont notamment menée aujourd’hui à la réalisation de théâtres musicaux et de micro-opéras. Au-delà de la multidisciplinarité toujours présente, l’interdisciplinarité fait partie intégrante de mon travail actuel. Aujourd'hui, parmi les nombreuses possibilités que présente l'interdisciplinarité, j'ai décidé de vous présenter l'utilisation de la poésie mêlée dans mon travail de composition.

À 17 ans, Alithéa Ripoll est acceptée dans la classe de composition de Michel Fourgon au Conservatoire royal de Liège (CrLg). Elle y obtient un Master didactique en 2014 avec grande distinction et y enseigne à son tour en tant qu'assistante depuis lors. En 2017, elle intègre le Centre d'Art Vocal & de Musique Ancienne de Namur (CAV&MA) en tant que responsable pédagogique.

Alimentée par l'interdisciplinarité, elle développe divers projets en collaboration avec de nombreux artistes. Près d'une cinquantaine de compositions exécutées résultent des collaborations avec des ensembles tels que Musiques Nouvelles (BE), Quatuor Tana (BE/FR), Open Slide (BE), Laps (BE), Hopper (BE), Paramirabo (QC), Sepia (PL), le trio Spillaert (BE/FR), Fractales (BE), ... des solistes tels que Vincent Royer, Thérèse Malengreau, ... des troupes de théâtre telles que le DARPA Collectif, 4MM, ... et d'autres artistes extra-musicaux tels qu'Isabelle Linotte, Matthieu Litt, Julianne Decerf, Mami Kitagawa …

Elle a été jouée dans le cadre de plusieurs festivals belges et internationaux aux Pays-Bas, France, République Tchèque, Pologne, Espagne, Chili et Québec.

Elle reçoit les Prix André Souris [Loop 2015 – prix de la Sabam] et le Prix Pousseur en 2020.

site web: https://alithea6669.wixsite.com/alithearipoll/

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22 avril 2021 - Gabriel Couturier - Pluralité d’approches à la composition

La pluralité d’approches à la composition sert à souligner l’importance du processus entrepris menant vers une pièce musicale. Lorsque nous utilisons un outil, cet outil dans ses avantages et limitations influence les découvertes musicales. Cela dit, en abordant son parcours en musique et la discussion d’œuvres, Gabriel présente quelques idées et façons de faire qui ont nourri son imagination face à la création et qui lui ont permis d'arriver à certains résultats.

Gabriel Couturier est étudiant à la maîtrise en musique mixte sous la direction de Pierre Michaud, travaillant à intégrer à son travail plusieurs façons d’aborder le processus créatif. Originaire du Nouveau-Brunswick, il a terminé son baccalauréat en composition en 2019 à pour ensuite s’installer à Montréal afin de poursuivre son parcours académique. Il s'intéresse au timbre musical ainsi qu'aux espaces acoustiques et les inclus dans son travail par l’entremise de la tradition et de la technologie.

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22 avril 2021 - Miko Sabatino - Composer le temps: Une approche basée sur les unités sémiotiques temporelles

Au cours de cet exposé, je souhaite vous parler des unités sémiotiques temporelles, de leur place au sein de ma démarche et de leur application en tant qu’outil compositionnel. Le sujet sera abordé par l’analyse de pièces mixtes, électroacoustiques et instrumentales, composées pendant mon baccalauréat et au cours de mon premier semestre à la maîtrise.

Miko Sabatino (1996), étudiant à la maîtrise en composition et création sonore à l’Université de Montréal sous la direction de Pierre Michaud. Dans son projet de recherche à la maîtrise il vise à examiner la validité des unités sémiotiques temporelles en tant qu’outil compositionnel, en questionnant leurs limites et leur pertinence cognitive.

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Intervenants

Danaë Ménard-Bélanger - Savoir plaire aux muses; incursion dans la psychologie de la créativité en musique
Jeudi 9 septembre à 12h - B-399

Les artistes savent depuis longtemps se plier aux caprices de leurs muses sans pour autant s’en faire révéler les motifs. La créativité demeure à ce jour un domaine de recherche aussi riche de mystères qu’il est fertile aux découvertes. Son étude est pertinente à de nombreuses sphères de la société. La présentation est basée sur une revue de littérature incluant principalement des sources des domaines de la musicologie, de l’économie comportementale, et de la psychologie cognitive.

Danaë Ménard-Bélanger est une artiste-chercheuse dans le domaine musical. Présentement à la maîtrise en composition sous la supervision de Pierre Michaud, ses activités professionnelles l’amènent notamment à travailler en théâtre de marionnettes et en chant polyphonique a cappella. Sa recherche porte sur la perception de l’émotion en musique, la psychologie du processus de création, et la théorie musicale. Elle est soutenue pour son excellence aussi bien en recherche qu’en création par le CRSH, la FSAL, et la Faculté de musique de l’Université de Montréal.

Bibliographie sélective:
Castro, J. (2012). Sleep’s Secret Repairs. Scientific American Mind, 23(2), 42-45.

Csikszentmihalyi, M. (1996). Creativity : The psychology of discovery and invention (1st ed). HarperCollinsPublishers

Donin, N., & Theureau, J. (2008a). La coproduction des oeuvres et de l’atelier par le compositeur (À partir d’une étude de l’activité créatrice de Philippe Leroux entre 2001 et 2006). Circuit: musiques contemporaines, 18(1), 59-71.

Harford, T. (2018, novembre). A powerful way to unleash your natural creativity. TED; Ideas worth speading. https://www.ted.com/talks/Om_harford_a_powerful_way_to_unleash_your_natural_creativity

Hargreaves, D. J., Miell, D., & MacDonald, R. A. R. (Éds.). (2012). Musical imaginations : Multidisciplinary perspectives on creativity, performance, and perception. Oxford University Press.

Harmat, L. (2016). Flow experience : Empirical research and applications. Springer Berlin Heidelberg.

Kahneman, D. (2013). Thinking, Fast and Slow (2011). Anchor Canada.

Kahneman, D., & Klein, G. (2009). Conditions for intuitive expertise : A failure to disagree. American Psychologist, 64(6), 515-526. https://doi.org/10.1037/a0016755

Klahr, D., & Simon, H. A. (2001). What Have Psychologists (And Others) Discovered about the Process of Scientific Discovery? Current Directions in Psychological Science, 10(3), 75-79.

Klein, G. A. (1998). Sources of power : How people make decisions. MIT Press.

Thaler, R. H., & Sunstein, C. R. (2008). Nudge : Improving decisions about health, wealth, and happiness. Yale University Press.

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Robert Normandeau - SpatGRIS3 - logiciel de spatialisation sonore
Jeudi 16 septembre à 12h - B-187

SpatGRIS3 est un mélangeur
Un mélangeur externe: en utilisant ses deux algorithmes DOME ou CUBE, SpatGRIS3 mappe les sources - qui proviennent de n'importe quel logiciel audio - à une configuration d'enceintes. La position des sources est fournie par des messages OSC. La spatialisation se fait en dehors de SpatGRIS3, à travers un système de haut-parleurs dans un espace physique.
Un mélangeur interne: avec les fonctions STEREO et BINAURAL, SpatGRIS3 réalise un mixage de réduction à deux canaux, soit pour les enceintes de monitoring, soit pour le casque. Les sons spatialisés et les sorties directes sont inclus dans cette réduction. La spatialisation est toujours liée à la position du haut-parleur dans l'espace, quel que soit le mode choisi.

SpatGRIS3 fait de la spatialisation et de la localisation
La spatialisation donne à l'auditeur l'impression d'être entouré par le son. C'est une expérience immersive. La localisation est un moyen de placer un son à un endroit très précis de l'espace. Les deux concepts peuvent se superposer.
Spatialisation Les algorithmes DOME et CUBE spatialisent le son dans l'espace déterminé par la configuration des enceintes et la pièce dans laquelle elles sont installées. Les sources OSC sont spatialisées.
Localisation SpatGRIS3 localise les sons à des coordonnées spécifiques à l'aide de la fonction de sortie directe. Il existe deux types de sorties directes : spatialisées ou indépendantes. Les sorties directes sont localisées.

SpatGRIS3 est un enregistreur
SpatGRIS3 permet d'enregistrer les sorties des enceintes en modes spatialisés (DOME ou CUBE) ou en modes deux canaux (STEREO ou BINAURAL) sous deux standards - WAV, AIFF - et deux formats - MULTIPLE MONO ou INTERLEAVED.

SpatGRIS3 fait des configurations d'enceintes
La configuration des enceintes peut adopter la forme d'un DOME - avec une distance fixe de 1,00 entre chaque point de la surface au centre du DOME, ou la forme libre d'un CUBE virtuel, composé de deux zones - une zone intérieure - où le le son reste intact - et une zone extérieure - où le son est altéré en puissance et en spectre.

Les haut-parleurs peuvent participer à la spatialisation et à la localisation
Chaque enceinte possède un numéro unique — que ce soit en mode spatialisé ou en sortie directe — et peut être utilisée pour ces deux fonctions : spatialisation et localisation, grâce aux nouvelles fonctions de sortie directe. Il s'agit d'une différence conceptuelle majeure par rapport aux versions précédentes.

Les trois sections de SpatGRIS3
Il y a trois sections dans SpatGRIS qui sont enregistrées indépendamment : Projet, Configuration des enceintes et Paramètres.
• Sauvegarder le projet. Un projet est couplé à une œuvre qui contient un certain nombre de sources
• Enregistrer la configuration des enceintes. Une configuration d'enceintes est couplée à une installation placée dans un espace
• Enregistrer les paramètres. Les paramètres utilisateur sont liés à un poste de travail (ordinateur et interface audio), y compris les sorties stéréo.

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Joshua Bucchi - Worst Practices, and creative ethics, and stuff...
Jeudi 23 septembre à 12h - B-399

(Cette présentation ne sera pas en anglais)
Au fil de la réalisation d’une série de projets instrumentaux et mixtes, une forme de méthode du défaut et de l’accident a émergé. Différentes stratégies telles que l’auto- sabotage, l’imprécision, la lacération, le débordement ou encore la dégénérescence (et plus si affinités), sont devenus des éléments constitutifs d’une identité musicale qui cultive sa propre fragilité. C’est cette trajectoire (non-intentionnellement) auto- ethnographique, et ses conséquences artistiques, qui seront l’objet de cette discussion parfois thérapeutique.

D’origine franco-américaine, Joshua Bucchi est un musicien polyvalent qui partage ses activités entre la musique contemporaine et divers styles populaires. Il poursuit actuellement un doctorat en composition mixte à l’Université de Montréal sous la direction de Pierre Michaud. Il compose pour différentes formations instrumentales ou mixtes, pour des projets électroacoustiques ou en association avec l’image. Il est également arrangeur, bassiste, chanteur et percussionniste actif dans le Rock progressif, le Jazz, les musiques Afro-Cubaines, Caribéennes et Brésiliennes. Il s’implique activement dans les projets de création et développe un univers esthétique légèrement déviant et tendrement anarchiste, empreint d’autodérision et de second degré.

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Alexandre David - Dialogues avec l’extra-musical : développement de nouvelles stratégies compositionnelles
Jeudi 30 septembre à 12h - B-399

« Comment composer? »
Alors que l’éducation musicale occidentale gravite autour de l’étude d’une œuvre aboutie, nous parlons très peu de l’acte de création lui-même, qui est une partie centrale du travail d’un·e compositrice·teur. La pratique d’Alexandre David se définit principalement par l’emprunt constant de nouveaux chemins afin d’aboutir à un objet sonore fini. S’appuyant sur ses œuvres récentes, il démontrera en quoi il peut être pertinent d’intégrer de nouvelles étapes à son processus de création, notamment en s’inspirant de phénomènes extra-musicaux.

Alexandre David (1989; Montréal, Canada) est un compositeur, interprète et pédagogue québécois. Sa musique aborde la transdisciplinarité, la sociologie et la sémiologie musicale, souvent en collaboration proche avec des artistes d’origines diverses. Fasciné par la traduction et la transformation de sources extramusicales vers le médium sonore, il s’intéresse à la perception des auditrice·teur·s face aux objets musicaux et aux sens qu’il est possible de leur donner. Alexandre David enseigne la musique balinaise à l’Université de Montréal dans le cadre de l’atelier de gamelan. Il détient une maîtrise en composition de l’Université de Montréal où il a étudié avec François-Hugues Leclair et Denis Gougeon. À travers ses diverses formations, il a bénéficié du mentorat des compositrice·teur·s James Rolfe, David Lang, Edith Canat de Chizy, Sarah Kirkland Snider, Christopher Adler, Alexandre Lunsqui, Jukka Tiensuu, Tomi Räisänen, Ana Sokolovic, Jean Lesage et Nils Vigeland.

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Roxanne Turcotte - La composition multidimensionnelle, l’objet et la non-conformité
Jeudi 7 octobre à 12h - B-399

Le terme « multidimensionnel » est utilisé dans le sens de l’utilisation des différentes matières sonores (captures, sons électroniques, objets, voix, mots), formes du son, traitements, idées, structures, rythmes, disciplines diverses (éclairages, projections, poésie) et espaces (dôme, cube, diffusion traditionnelle, son binaural). La non-conformité se présente comme étant l’expression à l’état pur, sans les contraintes de la normalité et des règles compositionnelles établies, pour ne pas faire obstacle à l’inspiration. L’objet est le produit final, travaillé, façonné et que l’on peut toucher (partition, disque...). Note : Glen Gould ne voulait plus jouer sur scène car il voulait atteindre la perfection par l’enregistrement de ses interprétations. Ce qui m’a depuis toujours fascinée et orientée vers le travail de studio, pour ensuite interpréter les mouvements spatiaux en acousmonium.
La disposition légendaire sur scène est maintenant transgressée et l’histoire nous propose une variété de techniques à dépasser et inscrites dans la partition. Nous avons une sensibilité auditive propre à chacun(e) et une perception du son qui est variable selon son état psychologique et physique, ce qui doit servir l’instinct créateur pour en faire une œuvre ouverte, donc vivante.

Des descripteurs, pictogrammes et des indications, servent à orienter l’écriture, le jeu d’instrumentistes (musique mixte) et les techniques qui ne sont que des moyens en soi. Ils laissent place à l’improvisation dirigée, en dualité avec le support électroacoustique acousmatique, qui lui, est peaufiné et fixé dans le temps. L’aspect muable de l’orientation multicanale dans l’espace est toujours présent, tout comme l’élément viscéral des interprètes préenregistrés ou en direct. Les mouvements de la spatialisation plongent le spectateur dans l’essence de l’œuvre, contrastant avec des éléments acoustiques (instruments, objets) à proximité du spectateur. L’auditeur complice devient la clé de l’immersion par son implication et ses réactions. Il en fait partie. La musique devient presque sculpturale, palpables et cinématographique avec une histoire, un sens, une passion à communiquer.

Compositrice, claviériste et conceptrice sonore depuis les années 80, son esthétique musicale repose sur un art d’intégration à caractère cinématographique. Roxanne Turcotte participe aussi à la création et à l’exécution de musique pour la télé, le cinéma, la radio, la scène, le web et les arts du cirque, ainsi qu’à la création d’installations sonores, musicales et visuelles. Elle est appelée à faire partie de jurys en composition et donne régulièrement des formations et des ateliers de composition. Roxanne Turcotte travaille aujourd’hui à la réalisation d’intégrations d’installations sonores au jeu en direct avec support multicanal en acousmonium. Après avoir fait des études en piano et écriture au Conservatoire de musique de Montréal et à l’Université de Montréal, Roxanne Turcotte se spécialise en composition et en technologie musicale et obtient, en 1988, une maîtrise en composition électroacoustique de l’Université de Montréal sous la direction de Marcelle Deschênes. Première femme à terminer dans le programme de composition électroacoustique de l’UdeM. Parmi ses professeurs de composition, mentionnons Francis Dhomont, ainsi que Serge Garant et José Evangelista (incursion dans les musiques du monde).
Roxanne Turcotte a à son actif une dizaine d’albums et quelques publications, de nombreux concerts acousmatiques, diverses formations musicales et de multiples tournées au Canada et à l’étranger. Sa musique s’est méritée plusieurs prix nationaux et internationaux. Roxanne Turcotte est membre du Comité artistique de la Société de musique contemporaine du Québec (SMCQ) depuis 2016 et membre du Conseil d’administration du Centre de musique canadienne au Québec (CMCQ).


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Estelle Schorpp - Un paysage sonore à l'ère de la computation
Jeudi 14 octobre à 12h - B-399

À l'ère des mappemondes sonores et de l'intérêt croissant de la documentation du territoire par le son, nous remarquons peu d'alternatives à une approche naturaliste du paysage sonore héritée de l'anthropologie du début du 20ème siècle et prise dans des processus d'exotisation des identités sonores (le "son de Tokyo", le "son de Paris"). Les villes sont pourtant prises dans des dispositifs de computation à l’échelle-monde (Bratton, 2019) qui les façonnent et les mettent en réseau avec d’autres dispositifs et échelles de perception. Nous proposerons dans notre communication de substituer le terme d’identité pour travailler celui de transidentité sonore, à la fois acoustique et médiatique. Comment alors penser et rendre compte de cette transidentité des territoires sonores à l’ère de la computation, tout en retranscrivant la complexité et la perpétuelle mutation du tissu urbain ? Nous tentons d'y répondre en empruntant les chemins de la recherche-création. La présentation se divisera en deux parties : la première sera consacrée à l'écoute d'une composition originale d'un paysage sonore transidentitaire à travers une conversation téléphonique trans-atlantique sur l'application Messenger. La deuxième partie commentera les réflexions sous-jacentes à l'oeuvre.

Diplômée de l'École Nationale Supérieure Beaux-Arts de Paris (ENSBA), Estelle Schorpp est une artiste sonore et compositrice française basée à Montréal. Son travail hétérogène comprend l’installation sonore, la composition électroacoustique, l’écriture et la performance. Elle s’intéresse aux environnements sonores, à l’hybridité entre la nature et les technologies, et à l’attention portée à ce qui est « non-remarquable ». Dans ses derniers projets, elle s’inspire d’écosystèmes sonores naturels et explore le potentiel des systèmes algorithmiques à travers des installations sonores autonomes. Son travail a notamment été présenté dans les festivals Prix Ars Electronica (AT), MUTEK (MX, CA, AR, JP), FIMAV (CA), Exhibitronic (FR, GER), MuTeFest (FIN) et dans des expositions collectives au Centre d'Exposition de l'Université de Montréal (CA), au Palais des Beaux-Arts de Paris (FR) et à Exhibition Laboratory (FIN). Elle a participé à des journées d'études au CIRMMT (CA) et à l'EHESS (FR).

Diplômé d’une licence de philosophie de l’Université Panthéon-Sorbonne (Paris I), de l’École nationale supérieure des Beaux-Arts de Paris et du master de création littéraire de l’Université Vincennes–Saint-Denis (Paris VIII), Allan Deneuville est aujourd’hui doctorant contractuel en cotutelle entre l’École universitaire de recherche ArTeC sous la direction de Yves Citton, et l’Université du Québec à Montréal (UQAM) sous la direction de Bertrand Gervais. Sa thèse de doctorat, intitulée « CTRL-C/CTRL-V : Écrire après les réseaux sociaux », porte sur l’appropriation et la circulation des textes sur et à partir des réseaux sociaux. Il est co-fondateur du projet de recherches et de créations « Après les réseaux sociaux » et il vient de co-diriger le numéro 22 de la revue Formules de l’université de l’état de New York à Buffalo portant sur les liens entre littératures, performances et technologies.

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Nicola Baroni - The hyperinstrument as an algorithmic composer
Jeudi 28 octobre à 12h - B-187

Nicola Baroni, cello performer and electroacoustic composer, was student of Alain Meunier and Siegfried Palm, and expanded his ideas on digital interaction following the stages on musical softwares at IRCAM. He fulfilled a PhD in Composition at the University of Edinburgh with a research on the Hyperinstruments, and teaches cello in Milano at the “G.Verdi” Conservatory. As a soloist he collaborated with the composers Bussotti, Donatoni, Malec, Stroppa, Harvey among others, and published the anthological solo cello CD Violoncello Italiano. XXI Secolo. As a composer he mainly develops generative interactive music environments based on performance-driven eco-systemic algorithmic processes.

Since the last years of XXth century hyperinstruments were developed as real-time technologies enabling traditionally-trained musicians to collaborate and interact with electroacoustic outputs responding to their performance musical gestures. Hyperinstruments are acoustic instruments augmented by sensing technologies which track on-stage the sound producing movements and the musical sounds of the performer, in order to collect gestural data able to influence and modulate the electroacoustic digital mappings.

Nicola Baroni develops an eco-systemic approach to composition involving self-regulating procedures embedded in the algorithms: by means of a gestural analysis oriented to extract intentional features from the performance techniques, the human/digital environments are codified to act as composing systems in real-time. These living musical systems are designed with MAX/Msp, they produce interactive scores and are based on a mutually evolving interaction of listening/performance/composition, intertwining digital and performance agencies. Some examples in action will be shown.

http://www.ems-network.org/spip.php?article405
https://drive.google.com/file/d/1xSwTffLwHAX48VTBYxyE_aShgSbIDfVW/view


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Véro Marengère - Performance et œuvre audiovisuelle : relations entre coprésence, néoanimisme et fiction spéculative
Jeudi 4 novembre à 12h - B-399

Artiste émergente connue pour son approche postmoderne et ses multiples collaborations, la pratique de Véro Marengère se définit principalement par la performance et l'art vidéo. Accompagnée par ses œuvres et lectures, elle illustrera comment ses performances, expérimentations et recherches l'ont menée au développement récent d'un cadre de création audiovisuelle qui s'inspire de l'intimité numérique, des non-humains et de la fiction spéculative. États des lieux et futurs possibles d'une démarche émergente en recherche-création.

Véro Marengère est une artiste audiovisuelle émergente basée à Montréal. Elle crée des œuvres qui évoquent le néo animisme, le storytelling, l'écosophie et l'intimité numérique. Inspirée par le non-humain et les communautés numériques, elle se spécialise dans la performance, la composition et la création d'œuvres vidéos. Elle a notamment performé pour MUTEK, Akousma, No Hay Banda et le OFF Jazz Festival. Sa dernière vidéomusique, Roserade (2021), a gagné le prix JTTP ainsi que le prix Micheline Coulombe Saint-Marcoux. Véro Marengère est actuellement étudiante au DESS en musiques numériques à l'Université de Montréal et elle travaille dans le milieu de la littératie numérique et des technologies de l'information.


Bibliographie sélective:

Coprésence, intimité numérique et ASMR

Campos-Castillo, C., « Copresence in Virtual Environments » Sociology Compass, vol. 6 no5, 2012.

Marks, L., Touch : Sensuous Theory and Multisensory Media, University of Minnesota Press, 2002.

Lomanowska, A., Guitton, M., « Online Intimacy and Well Being in the Digital Age », Elsevier, vol. 4 no2, 2016.

Smith, N., Snider, A-M., « ASMR, Affect and Digitally-Mediated Intimacy », Emotion, Space and Society, vol. 30, 2019.

Zhao, S., Elesh, D., « Copresence as “Being With” », Information, Communication and Society, vol. 11 no4, 2008.


Nouveau matérialisme et néoanimisme

Babin, Sylvette, « Conversation avec la matière », Revue Esse, vol. 101 no21, Montréal, 2020.

Bennett, J., Vibrant Matter : a political ecology of things, New-York, Duke University Press, 2010.

Browaeys, Christine, La matérialité à l’ère digitale : l’humain connecté à la matière, France, Presses Universitaires de Grenoble, 2019.

Dolphjin, R., van der Tuin, I., New Materialism : Interviews and Cartographies, Michigan, Open Humanities Press, 2012.

Marenko, B., « Neo-Animism and design : A New Paradigm in Object Theory », The Journal of the Design Studies Forum, vol. 6, no2, Angleterre, 2015


Fiction spéculative

Haraway J., D., A Cyborg Manifesto: Science, Technology, and Socialist-Feminism in the late Twentieth Century, Simians, Cyborgs and Women: The Reinvention of Nature, New-York, 1991.

Haraway J., D., Staying with the Trouble: Making Kin in the Chthulucene, Duke University Press, Durham et Londres, 2016.

Le Guin, U., The Carrier Bag Theory of Fiction, Ignota Books, 2020.

Thomas, P-L., Science Fiction and Speculative Fiction: Challenging Genres, Rotterdam, Sense Publisher, 2013.

Tsing Lowenhaupt, A., The Mushroom at the End of the World: on the Possibility of Life in Capitalist Ruins, New Jersey, Princeton University Press, 2017.

Woodrow, W., « Afrofuturism, Inclusion, and the Design Imagination » Interactions, vol. 25, no2, 2018.


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Simon Coovi-Sirois
Art de la réutilisation de données: trajectoires de données dans un corpus d’œuvres en réseau

Jeudi 11 novembre à 12h - B-399

D'après les travaux dirigés par Curty, la réutilisation de données se définit comme l’utilisation de données captées par un tiers ou son équipe de recherche. À la croisée des musiques numériques et des sciences de l’information, ce projet de recherche-création vise à répondre à la question suivante: de quelle manière le concept de réutilisation de données peut-il servir à penser et créer un corpus d’œuvres d’art numérique, reliées par les données qu’elles utilisent ? En envisageant l’acte de création comme une forme de création de données, il est possible de s’inspirer des principes de la réutilisation de données pour penser et créer un réseau d’œuvres reliées par ces données. Cette présentation cherchera à expliciter le cadre conceptuel et les enjeux soulevés par cette recherche-création. Elle permettra de faire le point sur la première œuvre de ce corpus, le balado Les envolées, mais aussi d’introduire les développements potentiels du projet de maîtrise.

Simon Coovi-Sirois est un compositeur et artiste en nouveaux médias basé à Montréal. Sa pratique s’intéresse aux relations entre son, image et voix parlée, à travers des œuvres qui investissent et interrogent le medium numérique. Son travail a été présenté au Canada, aux États-Unis, en Allemagne et au Royaume-Uni et s’est illustré au sein de concours nationaux (1er prix SOCAN 2020, 3e prix JTTP 2020). Candidat à la maîtrise en composition et création sonore à l’Université de Montréal sous la direction de Nicolas Bernier et Guillaume Boutard, sa recherche-création bénéficie du précieux soutien du Conseil de recherches en sciences humaines (CRSH). Son plus récent projet, le balado Les envolées, co-réalisé avec l’autrice Clara Lagacé, paraîtra en novembre 2021.


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Mélanie Frisoli
Jeux d'espace et spatialisation du son dans la composition musicale de paysage sonore.
Entre réflexions, créations sonores et développements d'outils numériques

Jeudi 18 novembre à 12h - B-187

Actuellement candidate à la maîtrise en composition et création sonore sous la direction de Robert Normandeau, Mélanie s’intéresse aux notions d’espaces virtuels et ressentis à travers la spatialisation du son et la création de paysages sonores multiphoniques. Réceptive aux théories de l’écologie sonore, elle tente de sensibiliser à une écoute consciente à travers des compositions musicales qui floutent volontiers les frontières entre réalité et fiction.

Mélanie Frisoli est une compositrice, technicienne de son et enseignante française basée à Montréal. Avant de se lancer dans la musique acousmatique, elle a sorti 6 albums en tant qu’auteure/compositrice/interprète, tourné dans le monde entier (environ 700 concerts), écrit 3 livres et collaboré avec des artistes issus des domaines de la danse, du théâtre ou du cinéma.


Bibliographie
Berthoz, Alain, « Fondements cognitifs de la perception d’espace », 1er congrès international sur les ambiances, Grenoble 2008, septembre 2008, Grenoble.

Blesser, Barry et Linda-Ruth Salter, Spaces Speak, Are You Listening?: Experiencing Aural Architecture [2007], Londres, The MIT Press, 2009.

Borges Moreira Filho, Amaro, An Original Composition, Diamundo, and a Historical Survey of Music Spatialization, Thèse de doctorat, Baton Rouge, 2007.

Guesde, Catherine et Pauline Nadrigny, The Most Beautiful Ugly Sound in the World : à l’écoute de la noise, Paris, Éditions MF, 2018.

Harley, Maria, “From Point to Sphere : Spatial Organization of Sound in Contemporary Music (after 1950)”, Canadian University Music Review / Revue de musique des universités canadiennes, no 13, 1993, p. 123-144.

Kant, Emmanuel, Critique de la raison pure [1871], Paris, Gallimard, 1990.

Nadrigny, Pauline, « Paysage sonore et pratiques de field recording, Le rapport de la création électroacoustique à l’environnement naturel »

Normandeau, Robert, « Timbre Spatialization : The Medium is the Space », Organised Sound, vol. 14, n° 3, 2009, p. 277-285.

Pottier, Laurent (dir.), La spatialisation des musiques électroacoustiques, Saint-Étienne, Publications de l’Université de Saint-Étienne, 2012.

Schafer, R. Murray, Le paysage sonore : Le monde comme musique [1977], traduit de l’anglais par Sylvette Gleize, Marseille, Wildproject, 2010.

Schumacher Ratti, Federico et Claudio Fuentes Bravo, « Space-Emotion in Acousmatic Music », Organised Sound, vol. 22, n° 3, 2017, p. 394-405.

Solomos, Makis, « Notes sur la spatialisation de la musique et l’émergence du son », dans Genevois et Orlarey (dir.), Le son et l’espace, Lyon, Aléas, 1998, p. 105-125.

Southworth, Michael, « The Sonic Environment of Cities », Environment and Behavior, n° 1, vol.1, 1969, p. 49-70.

Stockhausen, Karlheinz, Comment passe le temps : Essais sur la musique 1952-1961, Genève, Contrechamps éditions, 2017

Truax, Barry, « Composition and Diffusion : Space in Sound in Space », Organised Sound, vol. 3, n° 2, 1999, p. 141-146.

Westerkamp, Hildegard, « Linking Soundscape Composition and Acoustic Ecology », Organised Sound, vol. 7, n° 1, 2002, p. 51-56.

Zvonar, Richard, « A History of Spatial Music: Historical Antecedents from Renaissance Antiphony to Strings in the Wings », eContact!, vol. 7.4, 2005.

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Audiotopie: entendre le lieu / esprit coopératif
Jeudi 25 novembre à 12h - B-399

Entendre le lieu
La première posture qui s’impose en voulant composer pour un lieu donné est celle de l’écoute. Non seulement des différents éléments sonores qui caractérisent l’espace, ponctuels ou tramés, mais de leur évolution dans le temps, de leur récurrence et de leur causalité. Les activités du lieu, une des causes/effets des sonorités s’y dégageant, complètent l’analyse du “perceptible”. D’autres strates, du domaine du “non perceptibles”, sont aussi à considérer dans le processus analytique d’un lieu : son histoire, par exemple, ainsi que d’autres aspects, moins connus et ressentis comme des légendes, des histoires, des sentiments, des ambiances, qui le rendent unique.

En réalité, ces niveaux sont tous entrelacés et interconnectés et chaque personne peut les ressentir différemment. Le travail d’Audiotopie repose sur l’analyse et l’élaboration basées sur les intersections entre ces niveaux perceptifs, pour en dégager une dimension sonore et amplifier ainsi les caractéristiques du site. Ceci à travers l’élaboration non seulement de la facture des éléments sonores disponibles, mais aussi de leur évolution dans l’espace et dans le temps pour un environnement défini.

Les œuvres réalisées par Audiotopie s’appuient également sur des dispositifs de diffusion uniques, tels que le système d’enceintes acoustiques ESSAIM, qui forgent l’espace sonore autour du public et tissent avec le contexte des lieux investis.

ESSAIM: page web: https://www.audiotopie.com/essaim

Esprit coopératif
Organisme à but non lucratif, la coopérative regroupe des membres issus de pratiques artistiques variées. Des professionnels du son, du design et de la programmation sont actifs sur une base régulière au sein d’Audiotopie. Des collaborateurs d’horizons variés s’ajoutent ponctuellement en fonction des projets.

Le choix de structurer l’organisme comme une coopérative de travailleurs, formule atypique dans le panorama artistique, a été inspiré par les valeurs qui animent l’équipe: partage, souci de l’environnement, économie sociale et équité.

Audiotopie
Fondée en 2009, Audiotopie est une coopérative d’artistes ayant pour mandat la recherche, la création et la production d'œuvres médiatiques in situ autour du langage sonore et de l’art numérique.

Le travail de l’organisme se situe à la frontière de l’art sonore, de l’architecture de paysage, du design et des nouveaux médias et encourage la réflexion autour des notions de lieux et d’espaces. Il garde comme point d’ancrage l’objet sonore dans son rapport à l’environnement. Ses productions, majoritairement in situ, prennent diverses formes, telles le parcours, l’installation et la performance. Elles misent sur les qualités sensibles et sociales des lieux dans lesquels elles s’inscrivent tout en favorisant l’implication active du public à travers des expériences immersives.

Audiotopie a été lauréat de plusieurs bourses et prix depuis sa fondation, notamment le prix NUMIX et La plume de paon pour la conception sonore du balado La ruée vers l’autre, coproduit par Planète rebelle et La Quadrature, la bourse Phyllis Lambert Design Montréal ainsi que de bourses du Conseil des arts du Canada, du Conseil des arts et des lettres du Québec et du Conseil des arts de Montréal.


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Philippe-Aubert Gauthier - Réseaux modulaires spontanés
Jeudi 2 décembre à 12h - B-187

Synthèse modulaire : un monde riche et complexe, fascinant mais parfois en apparence difficile d’accès.

Pourtant l'essence du modulaire en synthèse ne tient pas dans le nombre de modules, ni dans leurs complexités, ou puissances, ou hypeness. On peut faire énormément avec peu de modules. Car tout l'art de la synthèse modulaire tient justement dans l'articulation et la modulation des choses entre les modules.

Avec des modules simples, nous verrons ainsi comment c'est essentiellement la logique de connexion qui donne le ton. Grâce à une petite matrice externe, nous explorerons rapidement et facilement la diversité et pluralité des possibles avec quelques items combinés à l'idée de contrôle macroscopique. D'un simple geste sur un seul bouton : retour sur toute la force et la fraîcheur des labyrinthes de la programmation analogique.

Philippe-Aubert Gauthier est ingénieur mécanique, maître ès sciences, docteur en génie mécanique (acoustique) et professeur à l'Université du Québec à Montréal, à l'École des arts visuels et médiatiques. Il travaille à la croisée des arts, sciences et technologies. Il a produit plus d'une cinquantaine d'œuvres en arts sonores et numériques. Son travail a été présenté au Québec, au Canada, aux États-Unis, au Mexique, en France, en Angleterre et en Allemagne. Depuis 2001, P.-A. Gauthier a été récipiendaire de bourses du Conseil des arts et des lettres du Québec, du Conseil des arts du Canada, du Conseil de Recherches en Sciences Naturelles et Génie du Canada, Fonds Recherche Québec, et du Fonds Nature et Technologies du Québec. Comme chercheur et artiste, il a publié plus de 80 articles et conférences en plus de 30 ateliers et conférences spécialisés sur les arts et technologies. Il est actuellement directeur associé du Centre for Interdisciplinary Research in Music, Media and Technology (CIRMMT) et président de Sporobole, un centre d'artistes à Sherbrooke.


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James O'Callaghan - Composer le multimédia
Jeudi 9 décembre à 12h - B-399

James O'Callaghan présente son travail en œuvres multimédia, où des cadres de cinéma, de théâtre, de danse et d'art de la performance ont influencé le processus de composition. En tirant parti d'une formation interdisciplinaire, il partage ses réflexions sur l'interaction particulière entre le contexte de musique de concert et la liberté possible en jouant avec ses rituels et conditions. En traversant des œuvres de performance d'objets (Reasons (2012), KNOWNS (2021)), musique de chambre avec pratique de performance étendue (AMONG AM A (2015), Alone and unalone (2019)), et œuvres vidéos (O Cocoon (2020), IMMATERIAL HOW (2021), il décrit une démarche fluide où le processus de composition change de manière élastique en réponse aux contextes différents.

James O'Callaghan est un compositeur et artiste multimédia basé à Montréal. Sa musique a été décrite comme «bien personnelle, qui possède sa propre couleur ancrée dans l’imprévisible». (Goethe-Institut) Son travail, qui appartient également aux mondes acoustiques et électroacoustiques, tire souvent son matériel sonore d’objets trouvés amplifiés ainsi que des sons de l’environnement naturel et urbain. Ses œuvres comprennent de la musique de chambre, orchestrale, électroacoustique et acousmatique, des installations sonores, œuvres vidéos, et des performances in situ. Sa musique a reçu presque quarante prix et nominations, incluant 2 nominations aux prix JUNO et le prix Gaudeamus, et le Prix Opus pour «compositeur de l’année» en 2021. En 2016 un album de ses œuvres acousmatiques, Espaces Tautologiques, est sorti par empreintes DIGITALes, et sa collaboration étendue avec l’Ensemble Paramirabo a abouti à un album de ses œuvres en 2019, intitulé Alone and unalone. Il est membre fondateur du Laboratoire de musique contemporaine de Montréal. Originaire de Colombie-Britannique, il a reçu son baccalauréat en beaux-arts de l'Université Simon Fraser et il est titulaire d’une maîtrise en musique de l’Université McGill.

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Saadi Daftari - From Composing History to Composing with history to…
Jeudi 16 décembre à 12h - B-399

Terminant actuellement son dernier trimestre en DESS en musiques numériques sous la direction de Nicolas Bernier, Saadi Daftari s’intéresse aux qualités physiques et épistémologiques du son dans des situations quotidiennes où le son est utilisé comme agent perceptuel des connaissances relatives à l’histoire d’un lieu et aux souvenirs qu’il accueille. Le flou temporel, la transformation spatiale du son, la fragmentation et la reconstruction de la mémoire, et l'esthétique de lost-and-found sont parmi les nombreux thèmes qu’il explore dans ses projets de recherche-création délimitant une pratique sonore qui se situe à l’intersection de l’écologie sonore, de la musique algorithmique, de l’histoire orale et de la soi-disant acoustémologie.

Saadi est titulaire d’un baccalauréat en génie aérospatial et d’une maîtrise en sciences. Musicien autodidacte et artiste sonore, il s’est lancé dans un voyage exploratoire en musique et en art sonore en 2018 avant de se joindre à la faculté de musique de l’Université de Montréal en janvier 2020 en cherchant à mettre ses aspirations artistiques et son bagage scientifique sous le même toit et à découvrir de nouvelles approches de la musique et de l’art sonore.

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