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2019
12 septembre 2019 - Matthew Lane - Composition assistée par ordinateur
19 septembre 2019 - Martin Marier - l'éponge
26 septembre 2019 - Caroline Traube - Présentation des activités du partenariat ACTOR
3 octobre 2019 - Philip Pinard McManiman - ALTER-É(E)GO ou les voies de la déliquescence
10 octobre 2019 - Thais Montanari - Moi___espace public - The Mass Media Machine
17 octobre 2019 - Panayotis Kokoras - Composing sound – sound sculpting, space and the arrow of time
31 octobre 2019 - Alessandro Garino - Inventions and Dimensions : mimesis, analyse, création
7 novembre 2019 - Dominic Thibault - 5 piasses de gas : sculpture sonore performative
14 novembre 2019 - Eliazer Kramer - Survivance. Témoignages de guerre
21 novembre 2019 - Elinor Frey - Commandes de nouvelles oeuvres pour violoncelle baroque
28 novembre 2019 - Barry Truax - Interacting with Inner and Outer Sonic Complexity: from Microsound to Soundscape Composition
5 décembre 2019 - Pascal Bard - Blues d'un brayon bâtard
12 décembre 2019 - Showan Tavakol - L'alliage de divers systèmes musicaux: Exploration, en composition musicale, des rencontres entre musiques de l'Occident et du Moyen-Orient, particulièrement d'Iran
12 septembre 2019 - Matthew Lane - Composition assistée par ordinateur
Le générateur harmonique contraint est un système d’algorithmes en stage de conception/programmation, qui permettra la génération d’enchainements harmoniques (et conduites de voix) avec la possibilité de contraindre les résultats selon les besoins de la composition.
Le système est écrit en OpenMusic, et comprend actuellement une dizaine de patchs, mais devrait éventuellement se répandre à une centaine pour permettre une variété de processus pour la génération harmonique à partir d’autres harmonies (pensez transposition, changement d’une note à la fois, modulation par fréquence) et de contraintes (pensez distance entre les voix, exclusion de certains intervalles harmoniques).
Cette série d’algorithmes est dérivée en partie de deux systèmes de Composition assistée par ordinateur déjà développés par Matthew Lane. Ces deux systèmes, dont le système de progressions modulaire conçu en OpenMusic, et le système ScoreScrub développé en Max avec bach, ont tous pour but de développer des enchainements musicaux à partir d’éléments existants, avec un niveau de contrôle configurable.
Le premier, conçu en OpenMusic, sert à prendre des sections musicales et les élaborer avec l’assistance d’enchainements modulaires. Le contrôle se fait à partir de BPFs et variables dans le logiciel. Dans le deuxième, une grande partie de ces paramètres étaient contrôlés à la vitesse de la pièce (temps réel simulé) pour permettre au compositeur de contrôler la direction musicale à partir d’un stylo numérique ou un contrôleur MIDI. La description de ces projets fera également partie de la présentation.
Matthew Lane, originalement de Kingston, Ontario a étudié la composition et l’orgue à Mount Alison University au Nouveau-Brunswick avant de poursuivre ses études de maitrise et de doctorat en composition à l’Université de Montréal. Sa recherche porte sur la composition assistée par ordinateur (COA) et sa relation la composition intuitive.
Ses pièces font régulièrement usage de COA, incluant parmi d’autres My Love Has Many Apples pour piano, Mutations I et II pour orgue, et Short Sketches on Falling pour quintette mixte. Ses projets technologiques tournent également de plus en plus vers la pédagogie et l’organisation musicale par biais de systèmes informatiques. Il est professeur invité en écriture, directeur de musique à l’église St Barnabas, directeur artistique de l’Ensemble Kô et la Chorale suédoise de Montréal, et enseignant de piano au privé.
19 septembre 2019 - Martin Marier - l'éponge
L'éponge, un instrument de musique numérique qui ressemble un peu à un coussin, existe depuis environ 12 ans. Je parlerai de ses principales caractéristiques, de la façon dont elle est jouée, et des moments clés de son évolution. Vous pourrez entendre des exemples sonores et l'essayer.
Martin Marier est né en 1975 dans une petite ville brune et horizontale. Bien qu’il ait quitté sa ville natale il y a longtemps, il demeure inspiré par les tavernes glauques, les immenses stationnements vides et le salon d'esthétique chez Électro-Lise. Il s’intéresse principalement au rapport entre le geste et le son en musique électronique, ce qui l'a amené à concevoir et fabriquer un instrument de musique numérique qu'il appelle l'éponge avec lequel il improvise et interprète ses oeuvres. Il a récemment composé et interprété (avec l'aide de quatre autres épongistes) le tout premier quintette pour éponges. Il travaille à l'Université de Montréal où il donne des cours sur l'enregistrement sonore, la lutherie numérique et les systèmes interactifs. Il a obtenu un doctorat en composition de l'Université de Montréal sous la direction de Jean Piché.
26 septembre 2019 - Caroline Traube - Présentation des activités du partenariat ACTOR
Le partenariat ACTOR — Analyse, création et enseignement de l’orchestration ( https://www.actorproject.org/ ), soutenu par une subvention du CRSH, rassemble des musiciens, musicologues, scientifiques et ingénieurs dans le but de mieux comprendre le rôle que joue le timbre instrumental en interaction avec tous les autres paramètres musicaux dans le contexte de l’art de l’orchestration.
Le terme « orchestration » est ici compris, au sens large, comme le choix, la combinaison et la juxtaposition de qualités sonores permettant d'atteindre un objectif musical spécifique. Le partenariat ACTOR vise notamment à relier la pratique et la pédagogie de l'orchestration nord-américaine et européenne et à soutenir le développement de nouveaux outils numériques stimulant la créativité pour apprendre, créer et étudier l’orchestration. Il est piloté par le psychologue de la musique Stephen McAdams à l’Université McGill et réunit 71 co-chercheurs et collaborateurs en Amérique du Nord et en Europe issus de 13 institutions académiques, 8 institutions du secteur privé et deux grands orchestres (OSM et OM).
L’Université de Montréal est une institution partenaire de premier plan et plusieurs professeurs de la Faculté de musique sont membres du partenariat dont les activités ont démarré en 2017 et se poursuivront jusqu’en 2025.
Au cours de l'automne 2018, le projet ODESSA —Orchestral Distribution Effects in Space, Sound and Acoustics ( https://www.actorproject.org/odessa ) a réuni une équipe de plus de 30 chercheurs et étudiants en acoustique musicale, psychoacoustique, prise de son et médiation de la musique et a été réalisé en collaboration avec Jean-François Rivest, co-chercheur au sein d’ACTOR et l’Orchestre de l’Université de Montréal (OUM) dans le but d’étudier le phénomène de mélange ou « blend » orchestral.
En 2019-2020, un autre projet d’envergure se met en place à la Faculté de musique, avec Jean-Michael Lavoie et Pierre Michaud. Cette fois-ci, il s’agit de mettre sur pied un Ensemble de recherche en orchestration contemporaine et d’amener des étudiants des cycles supérieurs en composition et en interprétation de la Faculté de musique à collaborer de manière interactive pour concevoir et résoudre des problèmes liés à l'orchestration de l’ensemble.
Professeure agrégée à l’Université de Montréal, Caroline Traube est affiliée au secteur théorique et au secteur composition et création sonore de la Faculté de musique. Elle est actuellement responsable des programmes de mineure et majeure en musiques numériques. Ses recherches et son enseignement relèvent des domaines de l'acoustique musicale, de la psychoacoustique, de la musicologie numérique et de l’étude de la performance musicale. Diplômée en technologies de la musique (PhD, Université McGill), en génie électrique appliqué à la musique (Eng., CCRMA, Université Stanford, États-Unis) et aux télécommunications (Ir. Faculté Polytechnique de Mons, Belgique), elle a aussi étudié le piano et la composition électroacoustique au Conservatoire royal de musique de Mons en Belgique. Elle est membre active de trois centres de recherche en musique basés à Montréal : l’Observatoire interdisciplinaire de création et de recherche en musique (OICRM), le Centre interdisciplinaire de recherche en musique, médias et technologie (CIRMMT), y co-dirigeant actuellement l’axe de recherche « Cognition, perception and mouvement » et le Laboratoire international de recherche sur le cerveau, la musique et le son (BRAMS). Elle porte un intérêt particulier à la mise en œuvre de l'interdisciplinarité et à l’intersectorialité en sciences et technologies de la musique, et au transfert des connaissances entre les milieux scientifiques et artistiques. Elle travaille ainsi au développement d'une musicologie interdisciplinaire et expérimentale adaptée à l'étude des pratiques musicales en partant du savoir expérientiel des musiciens. Au sein du Laboratoire de recherche sur le geste musicien qu’elle dirige, ses recherches actuelles se consacrent au phénomène de la production et de la perception multimodale du timbre instrumental ainsi qu’à l’orchestration et sa réalisation par les interprètes. Elle est la représentante institutionnelle du partenariat ACTOR à l’Université de Montréal.
3 octobre 2019 - Philip Pinard McManiman - ALTER-É(E)GO ou les voies de la déliquescence
Prima le parole ou prima la musica?
Éternel débat relatif à la conception d'une oeuvre dramatique en musique.
Pour ceux prenant position pour la première, les mots ainsi que le livret doivent primer sur la musique ne servant que de support pour ces derniers. On pourrait être tenté par cette position; plusieurs livrets ont été si populaires qu'ils ont été repris par divers compositeurs.
Pour ceux partageant l'autre opinion, le texte n'est qu'un prétexte afin d'engendrer une oeuvre avant tout musicale devant faire primer l'art sonore. Cette querelle, on pourrait soupçonner qu'elle provient du fait qu'un certain livret ainsi qu'un opéra s'en étant inspiré sont dissociables de par leurs natures respectives... mais supposons qu'un livret ainsi qu'une musique soient créés conjointement avec une influence bidirectionnelle les rendant indissociables: un tel débat deviendrait-il impertinent?
Le Colloquium concerné portera sur la présentation d'une telle oeuvre. ALTER-É(E)GO ou les voies de la déliquescence: un opéra en quatre courts actes du compositeur Philip Pinard McManiman pour soprano colorature, narration, sept chanteurs, support audio et orchestre à cordes. Élaboré de 2017 jusqu'en 2019 et dédié à la soprano Lila Duffy, cet opéra fut créé le 11 juin 2019 par des membres du Collectif Nov | Art sous la direction du compositeur. Traitant de la thématique des sept péchés capitaux, le drame est ici une fervente critique du manichéisme et de la bigoterie.
10 octobre 2019 - Thais Montanari - Moi___espace public - The Mass Media Machine
Originaire du Brésil, d’où je suis diplômée d’un baccalauréat en composition, j’étais toujours intéressée par les possibles interactions entre la musique et les autres champs artistiques tels que la danse, le théâtre, le cinéma. Ma démarche est ancrée dans l’envie de créer et faire diffuser l’art dans différents contextes à des publics d’horizon multiple.
À travers ma recherche doctorale à l’Université de Montréal je propose des façons de stimuler les artistes de milieux divers à collaborer dans la création d’œuvres interdisciplinaires. Le but principal de ma recherche est de comprendre les situations, les méthodes, et les outils qui peuvent mener à bien ce genre de projet artistique.
Ce jeudi je présenterai ma recherche et je parlerai de deux de mes œuvres développées dans le cadre de mon doctorat :
Moi___Espace Public : Collaboration entre cinq musiciennes, une cinéaste et moi-même, cette œuvre mélange musique mixte et multiples projections-vidéo dans le but d’aborder l’aliénation à l’espace public dans notre société actuelle.
The Mass Media Machine : Collaboration entre moi et des musiciens provenant d’Argentine, de Colombie et du Brésil. L'œuvre invite des musiciens à dialoguer avec des extraits de télévision et créer une trame sur les situations politiques actuelles de chacun de leur pays.
17 octobre 2019 - Panayotis Kokoras - Composing sound – sound sculpting, space and the arrow of time
The sound is the music, the compositional idea, the structure of the piece and a path to an even deeper connection among the composer the performer the audience and the space. The movements and the gestures that produce the various sounds are not disconnected from the sounds are not the reason for the sounds, they are the sound altogether. Each sound could be related to others, but it is also an autonomous unit independent from each other. The musical experience is not sequential it dissolves into a holistic sensation with multiple timelines.
Kokoras is an internationally award-winning composer and computer music innovator, and currently an Associate Professor of composition and CEMI director (Center for Experimental Music and Intermedia) at the University of North Texas. Born in Greece, he studied classical guitar and composition in Athens, Greece and York, England; he taught for many years at Aristotle University in Thessaloniki. Kokoras's sound compositions use sound as the only structural unit. His concept of "holophonic musical texture" describes his goal that each independent sound (phonos), contributes equally into the synthesis of the total (holos). In both instrumental and electroacoustic writing, his music calls upon a "virtuosity of sound," a hyper-idiomatic writing which emphasizes on the precise production of variable sound possibilities and the correct distinction between one timbre and another to convey the musical ideas and structure of the piece. His compositional output is also informed by musical research in Music Information Retrieval compositional strategies, Extended techniques, Tactile sound, Hyperidiomaticity, Robotics, Sound and Consciousness. His works have been commissioned by institutes and festivals such as the Fromm Music Foundation (Harvard), IRCAM (France), MATA (New York), Gaudeamus (Netherlands), ZKM (Germany), IMEB (France), Siemens Musikstiftung (Germany) and have been performed in over 800 concerts around the world. His compositions have received 80 prizes and distinctions in international competitions and have been selected by juries in more than 250 international calls for scores. He is a founding member of the Hellenic Electroacoustic Music Composers Association (HELMCA), and from 2004 to 2012 he was a board member and president. He currently serves as the Secretary of the International Confederation of Electroacoustic Music (ICEM).
31 octobre 2019 - Alessandro Garino - Inventions and Dimensions : mimesis, analyse, création
Au cours de ma présentation, j’illustrerai la démarche musicale et musicologique qui m’a poussé à concevoir mon projet de recherche interdisciplinaire et j’en expliquerai la structure, la méthodologie et les enjeux soulevés. Axé sur Inventions and Dimensions, un album enregistré en 1963 par le pianiste jazz étasunien Herbie Hancock, mon projet touche certaines questions épistémologiques cruciales des jazz studies, problématise le rapport entre analyse musicale et recherche historique et s’interroge sur la relation entre recherche et création.
Pianiste de formation classique, ethnomusicologue, improvisateur et compositeur dans le milieu avant jazz, Alessandro Garino essaie depuis quelques années de trouver un équilibre entre la pratique musicale et la recherche scientifique. Au présent, il est doctorant à l’Université de Montréal où il développe un projet interdisciplinaire de recherche-création aillant de la micro-histoire à la composition.
7 novembre 2019 - Dominic Thibault - 5 piasses de gas : sculpture sonore performative
Dominic Thibault (Howick, 1984) est un créateur audio aux multiples facettes: un musicien électronique, un compositeur, un enseignant, un mixeur, un programmeur audio. Il se produit en solo dans des performances live electronics, il est membre du duo Tout Croche et codirecteur du label The Silent Howl. Sa musique se situe à la croisée de la musique concrète, du noise, du techno minimal et du paysage sonore.
www.dominicthibault.com
Qu’est-ce qu’on peut faire avec 5$ d’essence? Apparemment, pas mal de bruit. C’est ce que je découvre dans la conception d'une nouvelle installation sonore.
Au coeur du projet, une génératrice à essence alimente un dispositif électroacoustique qui a pour but, justement, d’amplifier et de projeter le son de ladite génératrice. Lors de sa mise en marche, la génératrice a dans son réservoir 5$ d’essence. Elle s’éteindra lorsqu’elle n’en aura plus. Durant ce moment cataclysmique, le spectateur qui s’approche de l’objet vrombissant est confronté à une série de couches sonores. Ses déplacements changent sa perception du phénomène sonore, donnent une forme à l’oeuvre éphémère.
Pour ce colloquium, j'exposerai l’avancement de mes recherches. Je ferai certainement un retour sur mon parcours de composition. Une présentation et une description technique du dispositif seront également de mise. On écoutera des résultats sonores préliminaires et regardera les perspectives de l’oeuvre. Enfin, je souhaite qu’une discussion sur l’éthique et l’esthétique de l’installation puisse avoir lieu.
14 novembre 2019 - Eliazer Kramer - Survivance. Témoignages de guerre
Survivance. Témoignages de guerre est une installation audiovisuelle qui cherche à donner vie aux souvenirs de cinq personnes (deux vétérans, deux réfugiés et un journaliste) qui ont été touchées ou ont survécu à la Seconde Guerre mondiale, à la guerre de Corée, à la guerre du Liban, à la guerre civile syrienne et au conflit armé du Pakistan. De l’expérience d’écoute des sons de guerre, il reste des fragments de mémoire. Réunis en polyphonie, les témoignages entrent en dialogue et recomposent les récits du passé et du présent. Le contrepoint souligne l’indépendance et l’égalité de chacune des voix en permettant de réfléchir la guerre sous une diversité d’expériences humaines.
Eliazer Kramer est un pianiste et compositeur de Montréal. Après avoir complété son DEC au piano et à la composition du Collège Vanier en 2007, Eliazer entreprend des études de baccalauréat en interprétation de piano au Conservatoire de musique du Québec à Montréal et les complète au Musikhögskolan de Piteå, en Suède. Il a ensuite obtenu une maîtrise en interprétation de piano à l'Université de Göteborg en Suède et une année d'études complémentaires à l'Académie Sibelius à Helsinki, en Finlande. En 2016, Eliazer a obtenu son Diplôme d'études professionnelles approfondies en interprétation piano de l'Université de Montréal sous la direction de Paul Stewart et, en 2017, il a complété sa maîtrise en composition sous la tutelle de François-Hugues Leclair et Denis Gougeon. En 2018, Eliazer a complété son diplôme d'études en sciences de la composition avec Denis Gougeon. En 2019, il a commencé son doctorat en composition avec François-Xavier Dupas.
21 novembre 2019 - Elinor Frey - Commandes de nouvelles oeuvres pour violoncelle baroque
En 2014, la violoncelliste Elinor Frey a commencé à commander des oeuvres pour violoncelle baroque à cinq cordes, afin de contribuer au développement du répertoire pour cet instrument. Son projet s’est ensuite élargi avec trois nouvelles oeuvres pour violoncelle à cinq cordes, deux oeuvres pour violoncelle à quatre cordes, et une pour violoncelle et clavecin.
Cette conference documente l’étroite collaboration de Frey avec six compositeurs – Scott Godin, Isaiah Ceccarelli, Linda Catlin Smith, Maxime McKinley, Ken Ueno et Lisa Streich – et réfléchit à la façon dont ses approches du style et de la pratique de l’interprétation ont joué un rôle dans l’interprétation de ces nouvelles oeuvres. Frey explorera également comment elle s’est inspirée de qualités stylistiques baroques telles que la dissimulation et l’illusion.
Elinor Frey est fascinée par les origines du violoncelle de même que par le processus créatif des musiques nouvelles. Elle a trois CDs sur le label belge Passacaille dont Berlin Sonatas (2015), avec Lorenzo Ghielmi (en nomination pour un prix Juno et a remporté un Prix Opus), La voce del violoncello (2013), et Fiorè (2017), avec la soprano canadienne Suzie LeBlanc. Son CD de nouvelles œuvres pour violoncelle baroque, intitulé Guided By Voices, est sorti sur le label Analekta en mars 2019. Elinor est professeure de violoncelles anciens à l'Université de Montréal, chargée de cours à l'Université McGill, et chercheur invitée en musique de 2019-2022 à Lady Margaret Hall, Université d’Oxford.
28 novembre 2019 - Barry Truax - Interacting with Inner and Outer Sonic Complexity: from Microsound to Soundscape Composition
It is possible to think of the two extremes of the world of sound as the inner domain of microsound (less than 50 ms) where frequency and time are interdependent, and the external world of sonic complexity, namely the soundscape. In terms of sonic design, the computer is increasingly providing tools for dealing with each of these domains, such as granular synthesis, convolution and multi-channel soundscape composition. The author’s historical trajectory of interacting with the complexity of each of these domains and their eventual integration will be presented with sound examples.
Barry Truax is a Professor Emeritus in the School of Communication (and formerly the School for the Contemporary Arts) at Simon Fraser University where he taught courses in acoustic communication and electroacoustic music. He worked with the World Soundscape Project, editing its Handbook for Acoustic Ecology, and has published a book Acoustic Communication dealing with sound and technology.
As a composer, Truax is best known for his work with the PODX computer music system which he has used for tape solo works, music theatre pieces and those with live performers or computer graphics. In 1991 his work, Riverrun, was awarded the Magisterium at the International Competition of Electroacoustic Music in Bourges, France. Truax’s multi-channel soundscape compositions are frequently featured in concerts and festivals around the world.
Since his retirement in 2015, Barry has been the Edgard Varèse Guest Professor at the Technical University in Berlin, and Guest Composer at the 2016 BEAST Festival in Birmingham, as well as similar events in Hamburg, Lisbon, Milan, Korea, Salzburg and Venice. He has guest edited two theme issues on soundscape composition for the Cambridge journal Organised Sound, and is co-editor of the Routledge Companion to Sounding Art.
5 décembre 2019 - Pascal Bard - Blues d'un brayon bâtard
Est-ce qu'il y a un moyen de créer un langage unique qui combine les expériences d'un musicien dans la musique des Balkans, du Moyen-Orient, du jazz, du rock, de l'acousmatique, des mondes classiques et avant-gardistes, et beaucoup d'autres? Est-ce possible d'avoir quelque chose de cohérent avec tous ces langages très différents combinés ensemble ou faut-il accepter une impossibilité et mieux choisir ses batailles? Voici ce qui m'obsède musicalement parlant, et ce qui fera l'objet de ma présentation.
Le compositeur et saxophoniste Pascal Bard est un musicien polyvalent. Confortable dans une multitude de situations musicales, de l'improvisation contemporaine au funk, rock et blues, il cherche à représenter cette polyvalence dans ses compositions. Originaire d'un petit village du Nouveau-Brunswick, il reçoit une formation en interprétation classique et composition à l'Université de Moncton et The University of Western Ontario. Il se déplace ensuite pour se développer et se perfectionner en composition dans la grande ville de Montréal, auprès d'Ana Sokolovic.
12 décembre 2019 - Showan Tavakol - L'alliage de divers systèmes musicaux: Exploration, en composition musicale, des rencontres entre musiques de l'Occident et du Moyen-Orient, particulièrement d'Iran
Cette présentation portera sur l’analyse de deux œuvres que j’ai composées au cours de ma maitrise en composition instrumentale à l’Université de Montréal : Hétérotopie (2012), Le mouvement substantiel (2017), ainsi que trois autres pièces écrites et exécutées après 2012 d'après l’idée de l’alliage de divers systèmes musicaux. Chacune de ces pièces a été composée d'après un aspect particulier du métissage musical.
D'origine kurde et né à Téhéran, Iran, Showan Tavakol (1979) est co-directeur artistique, compositeur et interprète de l’Ensemble Kamaan dont le cœur du projet porte sur la musique contemporaine persane. Ses œuvres ont été exécutées en Europe, en Asie et au Canada, et il compose aussi pour le cinéma, notamment pour le film Manuscripts Don’t Burn réalisé par Mohammad Rasoulof et présenté au Festival de Cannes en 2013.
Il détient une licence en musique et un master en interprétation du Kamanché (la vièle à pique) de l’Université de Téhéran. Intéressé par l’ethnomusicologie, il a aussi suivi des cours qui lui ont permis d’acquérir une grande expertise des instruments traditionnels de cultures variées. Après s’être installé au Québec en 2015, il a obtenu une maîtrise en composition instrumentale à l’Université de Montréal, co-dirigée par Ana Sokolovic et François-Hugues Leclair.
