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Archives

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2020

16 janvier - Zhuosheng Jin - Multiple Dimensions, Sound and Texture
23 janvier - Romain Camiolo - Retour vers le ciné-concert
30 janvier - Xavier Gagnon - Le folklore québécois dans la composition musicale
6 février - Alex Tibbitts & John Sullivan - Augmenting Harp Performance - Harp and Live electronics, design for expanded musical practices
13 février - Andrew Stewart - x1: Performance Principles of a T-Stick Instrumentalist
13 février - Salomé Perli - Tsunami, une performance électroacoustique à vocation écologique
20 février - Gabo Champagne - Musique théâtrale ou interdisciplinarité?
20 février - Charlie Beaulieu - Une recherche sur forme articulée en improvisation électroacoustique
27 février - Snežana Nešić - operas, works for the theatre and the contemporary accordion
12 mars - Josselin Viricel - La musique interactive dans les jeux de combat
12 mars - Estelle Schorpp - Environnements sonores interactifs : une approche écosystémique et écologique
26 mars - Gabriel Schwartz - Mélodies du Brésil: L'utilisation des éléments de la musique populaire brésilienne dans la composition contemporaine
2 avril - Tomás Díaz Villegas - Le déploiement du temps musical
9 avril - Danaë Ménard-Bélanger - Tacet
16 avril - Louis-Olivier Desmarais - Sombres clartés

10 septembre 2020 - Nicolas Bazoge - Vis Insita / Transdisciplinarité
17 septembre 2020 Matthew C. Lane - Lost From You
24 septembre 2020 - Denys Bouliane, Frédéric Baril - Atelier OrchPlay
1er octobre 2020 - Nicola Giannini - Composition de la musique immersive, vers une primauté de la perception
8 octobre 2020 - Frédéric Dallaire - Les pratiques collectives d'écoute: composer l'espace et la musique à l'aide du cinéma
15 octobre 2020 - Richard Bégin - Le domaine
29 octobre 2020 - Eliazer Kramer - Virtual Orchestration: A New Aesthetic
5 novembre 2020 - Andrea Gozzi - Listen to the theatre! Exploring Florentine performative spaces
12 novembre 2020 - Émilie Girard-Charest - Une approche ergonomique des langages micro-intervalliques au violoncelle: perspective d’interprète-compositrice, exemples du répertoire et pistes d’analyse
19 novembre 2020 - Frédéric Lémelin - L’aléatoire, les erreurs et l’indécision en composition audiovisuelle
26 novembre 2020 - Jason Noble - La simplicité par la complexité par la simplicité : La « complexité paradoxale » des masses sonores
3 décembre 2020 - Mirtru Escalona Mijares - Passerelles entre la musique électroacoustique et la musique instrumentale
10 décembre 2020 - Philippe Aubert-Gauthier, Ana Dall'Ara-Majek & Georges Roussel - AuXauralités: métamatériaux et environnements sonores

 
 

16 janvier - Zhuosheng Jin - Multiple Dimensions, Sound and Texture

I will talk about two of my pieces, ...and I placed my arm around your shoulder... (15-16, string quartet) and A Piece of Watermelon (17-18, female voice and 6 musicians). They will be using as examples presenting my two basic compositional ideas:
1) Composition is about the relationships between sound and texture.
2) The form of a piece can be designed and understood to have multiple dimensions.

With his music which has been described as “powerful” and “haunting” (The New York Times), Zhuosheng Jin is a Chinese composer and writer. Throughout his works, Jin has been interested in relationships between texture and sound. Jin's music has been programmed in four continents, seventeen countries in several major music festivals. He writes for Tokyo Philharmonic Orchestra, Beijing Symphony Orchestra, Zhejiang Symphony Orchestra, Ensemble Intercontemporain (soloists) Klangforum Wien (soloists), Meitar Ensemble, Les Métaboles, Ensemble Multilatérale, Quatuor Béla, Ensemble Mdi, Syntax Ensemble, Mivos Quartet, JACK Quartet, and Ensemble Mise-en, etc., and works with conductors such as Pierre-André Valade, Jean-Philippe Wurtz, and Guillaume Bourgogne, et al.

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23 janvier - Romain Camiolo - Retour vers le ciné-concert

Retour vers le ciné-concert:
Le ciné-concert connait une renaissance populaire depuis les années 1980. Ce phénomène contemporain, qui prend des formes très variées et plébiscitées, est peu étudié dans la littérature scientifique aujourd’hui.


Dans son travail, Romain Camiolo s’attache à montrer les spécificités de la composition pour le ciné-concert, et comment ces caractéristiques contribuent à en faire un spectacle vivant à part entière. S’inscrivant dans une démarche de recherche-création, Romain présentera son projet académique, ainsi que l’ébauche de sa propre composition pour le film la fille de l’eau de Jean Renoir.

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30 janvier - Xavier Gagnon - Le folklore québécois dans la musique contemporaine

Dans le cadre du Colloquium d'études supérieures en composition et création sonore, Xavier Gagnon présentera quelques oeuvres (incluant des extraits de son poème symphonique La Chasse-galerie) qui témoignent de l'évolution de son langage au cours des dernières années. Il sera surtout question de l'apport que peut avoir le folklore québécois sur une musique classique traditionnelle.

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6 février - Alex Tibbitts & John Sullivan - Augmenting Harp Performance - Harp and Live electronics, design for expanded musical practices

Continuing their collaboration in augmented harp performance, digital luthier John Sullivan (PhD candidate in music technology) and independent artist Alex Tibbitts (CIRMMT community member) introduce a new project, the Bionic Harp. This collaboration introduces a digital interface to augment the concert harp with real-time controls for audio processing in live electro-acoustic performance. Their talk will present an overview of their past and current research in performer and instrument augmentation. The Bionic Harp will make its debut at live@CIRMMT on February 13th in the Elizabeth Wirth Music Building - MMR.

California native, Alex Tibbitts' sonic palette blends classical, contemporary and electronic nuances into harp performance. A sought-after experimental performer, she has premiered new works and dedications for the harp in San Diego (California), Montréal, Porto (Portugal) and Mexico City. With a curiosity in expanded harp practices, her research collaborations previously and presently develop novel approaches for gestural control and instrument augmentation. Tibbitts is an organizer for the Montréal Contemporary Music Lab, co-developer of the CIRMMT Student Outreach Award, and founding member of Ensemble ILÉA.

John Sullivan is a musician, music technology researcher and Ph.D. candidate at the Centre for Music Media and Technology (CIRMMT) and the Input Devices and Music Interaction Laboratory (IDMIL) at McGill University in Canada. His research focuses on user-driven methodologies for the design and evaluation of new instruments and technologies for music and multimedia performance. His current work includes projects relating to human-computer interaction, interface design, embedded computing, motion capture and movement analysis of live performance. As a musician, Sullivan has been a part of several independent rock groups from the northeastern US. He has released several albums under various names, and toured extensively in the US, Canada, and Europe.

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13 février - Andrew Stewart - x1: Performance Principles of a T-Stick Instrumentalist

D. Andrew Stewart offers colloquium participants an introduction to the digital musical instrument, known as the t-stick, whose origin story includes being a centrepiece of Stewart's formal training as a composer and digital instrumentalist dating back to 2006. Stewart will describe over a decade of development and creative activities, leading to a set of principles for digital music creation and performance with the t-stick and other gestural controllers. Providing some hands-on experience to colloquium participants, Stewart will invite members to try out the sopranino t-stick, which is the latest model of this digital instrument currently being produced and tested by developers at the Input Devices and Music Interaction Laboratory at McGill University.

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13 février - Salomé Perli - Tsunami, une performance électroacoustique à vocation écologique

Violon, No-input, Synthétiseur, Hydrophones & Drum Machine ? Voilà une instrumentation bien contrastée, à l’image du parcours artistique de Salomé Perli, musicienne multi-instrumentiste qui a définitivement plongé dans l’océan de la texture sonore électroacoustique. Après une formation classique au conservatoire de Toulouse (FR) ainsi que l’obtention de son bacc en interprétation des musiques actuelles et amplifiées à l’isdaT, elle entame un DESS en composition et création sonore à l’UdeM. Sa démarche s’articule autour de la recherche d’une forme aboutie de performance sonore en temps réel, dans laquelle le geste instrumental et les outils numériques communiquent et se complètent de façon harmonieuse.

C’est donc à travers un « Tsunami » sonore qu’elle commence sa recherche de convergence entre le monde organique, acoustique et électronique. D’abord un exercice sonore, cette pièce finira par trouver sa consistance dans sa thématique environnementale : le tsunami nous rappelle que malgré la volonté intrinsèque à l’homme de contrôler la nature, celle-ci finira toujours par reprendre sa place.

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20 février - Gabo Champagne - Musique théâtrale ou interdisciplinarité?

Comment définir mon approche de la création musicale et quelles sont les implications d’une telle définition? Ma démarche, initiée par mon expérience des autres arts vivants (danse, théâtre, art performance), pose certaines problématiques en ce qui a trait au milieu dans lequel je m’inscris. Est-ce que j’œuvre plutôt dans la composition musicale ou dans la création théâtrale? Y existe-t-il une avenue tierce? En exposant mon parcours, mes influences et les créations marquantes de mon catalogue d’œuvres, je présenterai l’évolution de mes réflexions sur la nature de mon travail.

Gabo Champagne est un.e artiste multidisciplinaire œuvrant dans les milieux du théâtre, de l’art performance, de la danse et de la musique sur la scène montréalaise. Ayant poursuivi des études en danse, en théâtre et en musique, ses premiers pas dans le milieu professionnel se sont faits en tant que codirecteurice artistique d’un collectif théâtral interdisciplinaire. Avec le groupe, ul signa trois créations indépendantes dont l’une fut présentée en tournée en Europe, organisa une trentaine d’événements mettant en vedette des artistes de la relève et se forma auprès de divers groupes reconnus, dont l’Odin Teatret. Souhaitant approfondir sa démarche musicale, ul se lança dans des études en composition instrumentale à l’Université de Montréal avec Ana Sokolovic et Denis Gougeon. Loin de laisser de côté ses anciennes amours, ul resta actis dans ses autres champs de pratique, tant à travers des collaborations que par le biais d’organisation d’événements artistiques. À l’été 2016, dans le but de parfaire tous ses domaines de prédilection, Gabo alla au Japon étudier la musique gagaku, le théâtre noh et la danse butoh auprès de six institutions culturelles nipponnes. Ul poursuit dorénavant une carrière plus centrée sur la composition de musique de par la nature de ses études universitaires. Ainsi, sa musique fut interprétée lors du Bozzini Lab, du LMCML, du WRMCS, au Banff Center for the Arts, en plus de commandes d’œuvres au Canada, aux États-Unis et à Singapour. Gabo est maintenant étudians à la maîtrise en composition et création sonore auprès de Pierre Michaud. Ses futurs projets incluent un opéra de chambre, un cycle de pièces pour instruments solos inspiré des Sequenza et une pièce de musique in situ qui sera interprétée à Darmstadt à l’été 2020.

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20 février - Charlie Beaulieu - Une recherche sur forme articulée en improvisation électroacoustique

Mon projet vise à établir un cadre ou « framework » de réflexion qui entoure la pratique d’improvisation de la musique électroacoustique. Pour présenter ce projet, je compte diviser ma présentation en trois grands points, soit un premier concernant mon parcours musical menant à mon projet d’étude pour la maîtrise.
1) Je parlerai de mes formations scolaires et hors circuit académique simplement pour me contextualiser dans l’arène électroacoustique.
2) En deuxième lieu, je parlerai de la partie développement de mon logiciel d’improvisation musicale où j’expliquerai mes choix, issus de décisions personnelles ou par contraintes techniques le cas échéant. J’y intégrerai des exemples sonores en direct pour une mise en contexte musical. Je parlerai aussi de Pyo, le langage que j’utilise pour développer mon logiciel, ainsi que les interfaces de contrôles que j’utilise pour interagir avec le logiciel.
3) En dernier, j’expliquerai le contexte derrière mon projet, soit mes motivations sous-jacentes qui l’oriente et mes objectifs futurs. Je ferai aussi mention des pistes de recherche qui me semblent pertinentes, en plus des auteurs et compositeurs qui me serviront de tremplin vers une formalisation de mon cadre de travail d’improvisation électroacoustique en direct.

Originellement focalisé sur le développement web, Charlie Beaulieu a débuté son parcours en musique numérique avec des créations musicales contenant des éléments aléatoires, comme son battement de cœur comme moteur rythmique. Pour sa maîtrise, il fait le saut en improvisation électroacoustique comme vecteur de chaos.

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27 février - Snežana Nešić - operas, works for the theatre and the contemporary accordion

During the colloquium I will present several examples of my instrumental, orchestral and vocal compositions and analyze their formal construction and instrumentation. And especially regarding my operas and works for theatre I will speak about my artistic concept in general. At the end of this first part of the colloquium I would like to discuss with the audience few aspects of contemporary music theatre (tendencies, social and artistic meanings, site-specific infrastructures in Canada and Germany etc.), in order to exchange experiences/ideas and to motivate the students/audience to articulate their thoughts about this very important topic.
In the last third of the colloquium I would like to present contemporary accordion, which is a very popular and often used instrument in modern music. Relating to this, I will show several works (orchestral and vocal) by other composers as well as my own compositions, in order to demonstrate the sound characteristics of this instrument and different ways of its use by contemporary composers.

Snežana Nešić is a Serbian composer, conducter and accordionist based in Germany. After her studies in the P. I. Tschaikowsky Conservatory (Kiev) and at the University for Music and Drama in Hannover, she became university lecturer in composition and modern music at the Hanover University of Music, Drama and Media. Since 2018 she also teaches at the University of Music in Leipzig. In 2015 she was visiting professor of composition on the university Skopje.
She won inter alia the Molinari Quartet’s international Composer Competition and the Award of the “1st International Eisenach Composition Prize Johann Sebastian Bach” and was awarded with a DAAD Scholarship, with prestigious scholarship of German Academy of Rome and was composer residence in Wilhelm-Kempf House, in Goethe-House Rome, in German Academic Center in Venice and in Montréal.
Past composition commissions include those from the Gewandhaus zu Leipzig, Philharmonie Luxembourg, Hanover State Opera and Chamber Opera Cologne. Her compositions have been performed inter alia at the Salzburg Biennale and the Musik der Jahrhunderte Stuttgart.
As accordion player Snežana has won many international competitions and has received frequent invitations as a soloist with orchestras and ensembles including NDR Sinfonieorchester Hamburg. She also directs ensembles “incontri” and “ur.werk”, which are specialized for contemporary music.

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12 mars - Josselin Viricel - La musique interactive dans les jeux de combat

Dans les jeux de combat, la musique est souvent utilisée pour ses fonctions les plus traditionnelles : donner une ambiance, établir une identité au jeu et aux personnages... Pourtant, les fonctions de la musique les moins exploitées sont celles qui se prêtent le plus au genre, qui se veut très dynamique : souligner l'action, tenir le joueur informé, le motiver ou encore le récompenser. Ce genre de système interactif peut être complexe à mettre en place. Je propose de montrer les faiblesses et les atouts d'une musique interactive pour les jeux de combat en m'appuyant sur un exemple de ma création.

Passionné de jeux-vidéos et de musique depuis toujours, je fais progressivement de ces deux matières mon domaine d'expertise. Mes études de la musique à l'image (Master MAAAV, CNSMD, Master InMICS) m'ont permis de participer à de nombreux projets de jeux et m'ont donné un bagage pour mettre en forme les idées dont je rêve depuis tout petit ! Quant aux jeux, ils ont également façonné une partie de ma vision du monde. A travers les thématiques de la vie, de la mort ou encore de l'écologie développées notamment par les jeux Final Fantasy, j'ai découvert qu'il était possible de partager des sentiments enfouis au plus profond de nous à travers un médium qui semblait autrefois un simple moyen de divertissement. Pour parvenir à cela en tant que musicien, il est selon moi important de saisir l'essence d'un jeu pour en sublimer le sens et l'expérience.

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12 mars - Estelle Schorpp - Environnements sonores interactifs : une approche écosystémique et écologique

Cette présentation vise à poser quelques pistes de réflexions autour de la notion d’écosystème dans la conception d’environnements sonores interactifs. En guise d’introduction, je présenterai l’installation sonore auto-interactive écosystème(s) que j’ai réalisé au printemps 2019. Je parlerai de mes sources d’inspirations et des différentes étapes de la réalisation. J’exposerai ensuite quelques problématiques conceptuelles et techniques autour de cette installation : l’approche écosystémique de l’interactivité ; l’esthétique du « presqu’inaudible » ; le choix d’une approche écologique et DIY des technologies numériques. Je présenterai quelques artistes dont la pratique se rapproche de la mienne (Agostino Di Scipio, Josue Moreno, Max Neuhaus, Maryanne Amacher, Dafne Vicente-Sandoval ou encore Espen Sommer Eide) Enfin je clôturerai en introduisant deux projets de création à venir.



Estelle Schorpp (1994, France) obtient son Diplôme National Supérieur D’arts Plastiques en juin 2018 aux Beaux-Arts de Paris. Elle étudie présentement à la maîtrise en composition et création sonore à l’Université de Montréal. Mettant à profit un bagage en arts visuels et en musique, elle conçoit des environnements sonores sensibles et épurés, en mettant l’accent sur l’écoute attentive et sur le presqu’inaudible. Dans un soucis d’équilibre entre concept, technique et sensibilité, elle propose des postures et des itinéraires d’écoute à travers des dispositifs technologiques qu’elle conçoit. Son travail se situe à la croisée du soundscape, de la musique algorithmique et de l’art conceptuel et minimaliste.

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26 mars - Gabriel Schwartz - Mélodies du Brésil: L'utilisation des éléments de la musique populaire brésilienne dans la composition contemporaine

Inspiré par les grands compositeurs brésiliens comme Heitor Villa-Lobos et Radamés Gnattali, et plus récemment, Egberto Gismonti, la recherche de Gabriel est un essai d’ajouter à la composition contemporaine les styles et les mélodies présentes dans la musique traditionnelle brésilienne, bien que les rythmes de la percussion que caractérisent les genres de différentes parties du Brésil, comme le « choro », « baião », « maracatu », « frevo », « valsa », etc. La recherche est basée sur l’essence du langage de la musique brésilienne à partir du découpage de mélodies traditionnelles très caractéristiques par son dessin mélodique et son rythme.

Musicien depuis plus de vingt ans, Gabriel Schwartz , né à Curitiba-Brésil, est diplômé de l’École de Musique et des Beaux Arts de l’état du Paraná et du Conservatoire de Musique Brésilienne de Curitiba. En tant que multi-instrumentiste, il joue plusieurs instruments comme la flûte, le saxophone, la batterie, la percussion brésilienne, la guitare. En août 2018, Gabriel a fait la première de son oeuvre « Concertino Brasileiro » pour Flûte et Orchestre de cordes, à Curitiba/Brésil avec l’Orchestre de Chambre de Curitiba. Actuellement, il est étudiant dans le programme de Maîtrise en Composition et Création Sonore à l’Université de Montréal sous la direction de recherche de Mme Ana Sokolovic.
Site-web : https://www.gabrielschwartzmusic.com

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2 avril - Tomás Díaz Villegas - Le déploiement du temps musical

Développées dans le domaine de la musique instrumentale, les œuvres de Tomás Díaz Villegas sont issues d’une réflexion continue sur la forme musicale. Plus concrètement, il s'intéresse à l'exploration des moyens d'organiser le temps musical par l'interaction de différentes structures formelles. Lors de sa présentation, Díaz Villegas décrira d’abord son style à la lumière de ces concepts et cherchera ensuite à contextualiser ses préoccupations par rapport à la pensée de certains des auteurs qui l’ont influencé. Enfin, il tentera de tracer le développement de son sujet de recherche et décrira l’état actuel de son projet. Le tout sera accompagné d’exemples musicaux.

Tomás Díaz Villegas (1990), compositeur et guitariste, développe actuellement son doctorat en composition instrumentale à l’Université de Montréal avec Ana Sokolović. Au fil des années, il a collaboré avec divers ensembles, tels que CG, Taller Sonoro, Periscopio et EMCUC, et a participé à plusieurs évènements, tels que le Festival CiMa (Manizales, 2019 et 2017), les Journées de composition CCMC (Bogotá, 2018), le Deuxième festival international des quatuors à cordes (Bogotá, 2016), un cours d’été à South Bend (É.-U, 2015), entre autres. Díaz Villegas a reçu des bourses de diverses institutions, dont la Faculté de musique de l'Université de Montréal (bourse d'études supérieures, 2019), Idartes (résidence artistique à Bogotá, 2017), Ibermúsicas (résidence artistique à la Ville de Mexico, 2016) et le Ministère de la culture de Colombie (stage à la Bibliothèque nationale, 2016). Il a étudié principalement avec Marco Alunno, Andrés Posada, Rodolfo Acosta et Leonardo Coral, et a suivi des cours de maître avec Marcos Franciosi, Hannah Lash, Javier Álvarez, P.Q. Phan, Snežana Nešić, Gabriela Ortiz, Leon Gurvitch et Georges Dimitrov.

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9 avril - Danaë Ménard-Bélanger - Tacet

Au fil d'extraits de ses oeuvres et des réflexions qui l’habitent, Danaë Ménard-Bélanger offrira un hublot sur son processus de création. Tacet réfère au besoin de silence de la compositrice, tant au sens propre que figuré. L’introspection occupe en effet une place importante dans sa façon d’aborder la création, et sous la thématique du silence, Danaë parlera de multiples formes que cela prend pour elle en ce moment.

Présentement étudiante à la Maîtrise en composition à l’Université de Montréal sous la supervision de Pierre Michaud, Danaë Ménard-Bélanger se nourrit de curiosité, de silence, d’apprentissage, de questions, et de paradoxes. Elle poursuit ce qu’elle ose maintenant appeler une passion pour la composition, après avoir entamé sa formation musicale en 2014, au Cégep Lionel-Groulx, en piano, poursuivant avec un Baccalauréat en Écriture à l’Université de Montréal.

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16 avril - Louis-Olivier Desmarais - Sombres clartés

«Je crois qu’il est vital aujourd’hui de prendre le contrepied des tambours modernes; désenchantement, railleries, nihilisme. »
C. Bobin

Aux origines de Sombres clartés, il y a cette aspiration à créer des ponts entre vie artistique et vie intérieure, dans un désir de réenchantement de la vie de composition. Le tout dans une volonté poétique de mettre en son cette dialectique entre ombres et lumières pouvant être vécue dans un cheminement spirituel (ainsi que dans la vie artistique!). Ce projet est aussi porté par des réflexions sur la place des compositrices et compositeurs dans la société d'aujourd'hui, sur l’accessibilité du langage musical dans un contexte d'innovation et sur la question du sacré en musique.

Artiste sonore basé à Montréal, Louis-Olivier Desmarais se plaît à naviguer entre différents terrains de jeux créatifs sans, toutefois, quitter le médium sonore; que ce soit la radio, les musiques d'application, le rock ou la composition acousmatique. Son travail de compositeur s'ancre principalement autour des jonctions entre musique et spiritualité. Le tout, dans une posture où le jeu sur le sens sert de tremplin à l'élaboration d'une poésie par le son. Il a été récipiendaire du prix Découvertes Pierre Schaeffer remis par Phonurgia Nova (2017) et de la bourse Gulliver (RTBF, SADC Belgique/France). De plus, il a travaillé comme compositeur et designer sonore pour des productions de Moment Factory ainsi que du Cirque Éloize. Il est présentement candidat à la maîtrise en composition et création sonore de l'UdeM, sous la direction de Georges Forget.

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10 septembre 2020 - Nicolas Bazoge - Vis Insita / Transdisciplinarité

Diplômé en 2004 de l'Institut Supérieur des Techniques du Spectacle (ISTS) à Avignon (France), Nicolas Bazoge intègre l’année suivante l’équipe du Centre Dramatique National de Bretagne à Lorient (France) dirigé par Éric Vigner où il exerce pendant douze ans en tant que régisseur et créateur lumière. En parallèle de ce poste, il nourrit sa passion pour la musique et les technologies numériques à travers différentes collaborations sonores et performatives avec des compagnies de théâtre et de danse contemporaine, ainsi qu’à travers son propre projet Nola’s key. En septembre 2016, il reprend un cursus universitaire en master Arts et Technologies Numériques à l’Université Rennes 2 (France) durant lequel il travaille sous la direction de Bruno Bossis sur les questions d'intermédialité et d'hybridation dans la performance scénique et les arts vivants (domaine des digital performance studies). Dans le cadre de ce cursus, il propose en mars 2018 une performance musicale mettant un œuvre un dispositif de motion capture optique pour contrôler le son et la lumière grâce au mouvement. Ce projet donne lieu à une publication pour la conférence NIME (New Interface for Musical Expression) qu’il présente sur place en juin 2019 à Porto Alegre au Brésil. Au printemps 2019, il crée l’association EGZOA afin de poursuivre ces travaux, de porter le projet Vis Insita, et de permettre d’une manière générale la création, la promotion et la diffusion de ses projets artistiques.

A travers ses expériences variées dans le spectacle vivant, en particulier en tant que musicien performeur mais aussi éclairagiste et scénographe, Nicolas Bazoge abordera un principe cher à sa pratique et à ses recherches : la transdisciplinarité. Il reviendra en particulier sur sa dernière création, la performance musicale, visuelle et cinétique Vis Insita, mettant en œuvre différentes techniques appartenant à ces champs artistiques telles que la motion capture, le live sampling ou le pixel mapping. Par le biais de ses influences artistiques éclectiques (musique, cirque, danse contemporaine, théâtre, sculpture cinétique…) et de références scientifiques allant de la musicologie à la philosophie en passant parfois par la sociologie, Nicolas Bazoge nous fera part de sa démarche et tentera de faire apparaitre le fil conducteur qui relie ses projets à la complexité de notre monde contemporain.

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17 septembre 2020 Matthew C. Lane - Lost From You

Matthew Lane, originaire de Kingston, Ontario a étudié la composition et l’orgue à Mount Allison University au Nouveau-Brunswick avant de poursuivre ses études de maîtrise et de doctorat en composition à l'Université de Montréal, un projet de recherche qui a reçu une bourse de la FRQSC, et qui a été nominé pour un prix du gouverneur général. Ses recherches portent sur la composition assistée par ordinateur et sa relation avec la composition intuitive, spécifiquement l'utilisation des gestes physiques pour générer des partitions par le biais de logiciels interactifs. Ses pièces font régulièrement usage de systèmes informatiques lors de la composition, incluant parmi d'autres My Love Has Many Apples pour piano, Mutations I et II pour orgue, et Short Sketches on Falling pour quintette mixte. Il compte parmi ses influences la musique scandinave et la poésie québécoise, ainsi que les mouvements politiques et sociaux. Sa musique a été jouée régulièrement à Montréal, en Ontario et aux Maritimes.
Il est professeur invité en écriture à l'Université de Montréal, où il enseigne l'harmonie et d'autres cours d'écriture musicale. Il est directeur artistique de l'Ensemble Kô et de la Chorale suédoise de Montréal, ainsi que compositeur en résidence pour le chœur de femmes Aella à Ottawa. Jusqu'en 2020, il a été organiste et directeur musical d'église, ce qu'il a quitté pour laisser place à ses projets de création. Il est également enseignant au privé, où il est très sollicité pour des cours de piano, guitare, composition, et théorie musicale.

Matthew Lane parlera de son projet Lost From You, composition pour chœur en ligne qui a été réalisée pendant l'été 2020 avec le chœur Aella d’Ottawa. Il plongera dans les défis d'essayer de monter une pièce pour chœur en ligne (en temps réel), et les solutions et compromis technologiques pour y réussir. Il y aura également un regard sur les décisions artistiques qui ont été prises afin de faire le lien avec le médium technologique de la pièce, et surtout sur les éléments qui ont été intégrés dans la texture de la musique afin de chercher une uniformité sonore.

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24 septembre 2020 - Denys Bouliane, Frédéric Baril - Atelier OrchPlay

Présentation-Workshop(*) en ligne de 45 minutes par les concepteurs Félix Baril et Denys Bouliane suivie d'une période de discussion.

A - Vous enseignez des classes de musique, vous suivez des cours?
• Vous aimeriez avoir un accès direct à une grande variété d'enregistrements musicaux (stéréo ou multipiste, NAXOS en ligne) synchronisés avec la partition, les annoter avec précision avec des signets (no. de mesure ou horodatage), les trier par sujet et les préparer pour une diffusion efficace en temps réel?

• Vous aimeriez profiter d'un logiciel d'intégration donnant accès à tout votre matériel de cours (tous formats) et le synchroniser avec un Système de Gestion en ligne comme Studium (UdeM) ou myCourses (McGill)?
> OrchPlay offre une GESTION OPTIMALE des ENREGISTREMENTS pour toute classe de musique (orchestration, littérature musicale, analyse, histoire, théorie, composition, pédagogie, etc.)

• Vous avez également accès à plus de 120 oeuvres (ou extraits) symphoniques en format OrchPlay multipiste de très haute qualité. Vous pouvez sélectionner un instrument ou toute combinaison d'instruments directement de la partition et en contrôler l'équilibre sonore: Un outil merveilleux pour les classes d’orchestration.

B - Vous êtes professeur/interprète de musique d'ensemble?
• Vous êtes intéressé par l'exécution et l'enregistrement de votre partie dans un “ensemble virtuel” de haute qualité en utilisant des enregistrements multicanaux ou stéréo avec une piste de chef vidéo.
• Vous aimeriez partager vos performances en multipiste avec vos collègues ou professeurs?

… cette présentation est pour vous!

•• Le nouvel OrchPlay 1.5 est mis gratuitement à la disposition des tous les étudiants et professeurs de la Faculté de Musique de l’UdeM et de l’École Schulich de McGill ••
•• Vous êtes entre temps conviés à télécharger le logiciel OrchPlay pour vous familiariser (suivez les instructions pour obtenir votre licence gratuite) •• Abonnement institutionnel - OrchPlay

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1er octobre 2020 - Nicola Giannini - Composition de la musique immersive, vers une primauté de la perception

Nicola Giannini est un artiste sonore et un compositeur de musique électroacoustique basé à Montréal. Sa pratique s'articule autour de la musique immersive, acousmatique et en direct.
Ses œuvres ont été présentées au Toronto International Electroacoustic Symposium (TIES), Akousma (Canadà), Cube Fest, ICMC, Nycemf (É.-U.), TEDxLondon, Sound-Image Colloquium, Serge Postgraduate Conference (R.-U.), Sound Spaces (Suède), File Festival (Brésil), Coloquio Internacional : Espacio-Inmersividad, Electroacoustic Music International Exhibition (Mexique), Museo Palazzo Strozzi, Audior, Tempo Reale (Italie), parmi d’autres. En juillet 2017, il a été compositeur invité à l'EMS de Stockholm.
Sa pièce Eyes Draw Circles of Light a obtenu le premier prix au concours Jeux de Temps / Times Play (JTTP) 2019 organisé par la Communauté électroacoustique canadienne et a reçu une mention d'honneur au Concours 2019 de la Fundación Destellos. Sa pièce For Hannah a été choisie comme finaliste au concours international de composition Città di Udine 2018.
Originaire d’Italie, Nicola est titulaire d'une maîtrise en composition électroacoustique du Conservatoire de Florence. Il est étudiant au doctorat à l'Université de Montréal sous la direction de Robert Normandeau et il est auxiliaire de recherche au Groupe de recherche en immersion spatiale. Il est l'un des coordinateurs de la communauté étudiante au CIRMMT pour l'Axe de recherche sur la pratique musicale élargie.

J'illustrerai mon travail en recherche-création axé sur la composition de musique électroacoustique immersive. La présentation comprendra une partie théorique et une partie pratique et sera réalisée à l'aide de diapositives et d’extraits audio binauraux, pour lesquels l'utilisation d'écouteurs est recommandée.
Par musique immersive on entend un art sonore caractérisé par une relation étroite entre le son et l'espace et par une expérience d'écoute immersive, grâce à la diffusion sonore tridimensionnelle sur des configurations d’enceintes, notamment les dômes de haut-parleurs.
En premier lieu, je présenterai les possibles retombées de la psychoacoustique vers le domaine de la composition, en donnant un aperçu de ma recherche sur le développement des stratégies de spatialisation inspirées par le domaine de la perception auditive spatiale. Ces stratégies concernent notamment :
• Le choix des matériaux sonores, leurs positionnements et leurs trajectoires 
• L'Interdépendance des paramètres spatiaux avec les autres paramètres musicaux
• Les sons qui évoluent sur l'axe vertical
Ensuite, j'approfondirai la spatialisation d'un point de vue technique en présentant SpatGRIS2, l'outil développé à la Faculté de musique de l'Université de Montréal en sein au Groupe de recherche en immersion spatiale, dirigé par Robert Normandeau. J'expliquerai les principales fonctionnalités, en illustrant comment ce système permet aussi de gérer plusieurs configurations d’enceintes 2D et 3D.
Enfin, je discuterai de certaines de mes œuvres immersives, par l'écoute de quelques extraits.

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8 octobre 2020 - Frédéric Dallaire - Les pratiques collectives d'écoute: composer l'espace et la musique à l'aide du cinéma

Dans Le rêve d'Ida, la musicienne Ida Toninato joue du saxophone baryton dans des espaces réverbérants, accompagnée de plusieurs preneurs de son. Les membres de ce groupe musical et cinématographique se promènent dans le son, dans l'espace, dans le temps. Ce film avec peu d'images et beaucoup de sons partage ces écoutes concrètes et fantasmées, de la cale d'un bateau à la cathédrale, en passant par un immense édifice en béton. Cette oeuvre s'attarde à la façon dont la musique modifie notre appréhension des espaces et renouvelle notre expérience du son au cinéma. Le saxophone et la voix d’Ida, mixés à partir de plusieurs prises de son (mono, stéréo, ambiophonique), invitent le spectateur à prolonger ce processus d'échange et d’improvisation. Lorsque l'image s'éteint et que le son nous enveloppe, la salle de cinéma se remplit de figures imaginaires. La musique est ici inséparable d'une interaction entre les lieux et les gens.

Frédéric Dallaire est professeur de cinéma en recherche-création à l'Université de Montréal. Co-directeur du laboratoire « La création sonore : cinéma, arts médiatiques, arts du son » et membre du réseau Hexagram, il a enseigné la pratique du son, de la vidéo et du montage, le cinéma expérimental et la philosophie du cinéma. Il réalise des films, des œuvres sonores et des projets musicaux, dont Dynamique de la pénombre (avec Félix Dufour-Laperrière, 2012), Le souffle court (avec Chantal Dumas, 2017) et Le rêve d’Ida (2019). Il termine la rédaction de son premier livre : La création sonore au cinéma. Pensée et pratique du mixage.

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15 octobre 2020 - Richard Bégin - Le domaine

Le domaine propose une série d’environnements sonores construits à partir d’un assemblage d’enregistrements composites. Il y a d’abord des enregistrements effectués à l’aide de divers dispositifs, appareils et supports technologiques, tous choisis en fonction d’une sonorité produite qui leur est propre. Il arrive parfois qu’un même événement sonore soit enregistré à l’aide d’un dictaphone, d’un magnétophone à cassette et d’un enregistreur numérique. L’objectif est alors de conjuguer les modalités techniques d’un dispositif (son usage, sa forme, son poids, etc) aux particularités acoustiques de l’événement sonore ainsi fixé. Ces enregistrements de terrain sont par la suite transformés, découpés et agencés à d’autres enregistrements issus cette fois-ci d’un échantillonnage de sources sonores tout aussi composites (ruban magnétique, radio, disque vinyle, VHS, CD). S’inscrivant dans la tradition expérimentale de la composition acousmatique, Le domaine ne cherche pas tant à travailler de manière exclusive la sonorité des timbres qu’à explorer l’écologie de la perception acoustique médiatisée; une perception constituée à la fois d’ambiance, de consistance et de texture. Cette exploration écologique se cristallise ici sous la forme de « figures » qui, chacune, tel un moulage, expose les traces d’un environnement sonore dont l’atmosphère révèle pour sa part la complexité acoustique d’un écosystème médial.

Le domaine est disponible sur bandcamp: Album - Le domaine - Thesilenthowl

Richard Bégin est professeur agrégé en études cinématographiques au département d’histoire de l’art et d’études cinématographiques de l’Université de Montréal ainsi que directeur de la revue Cinémas. Il est également membre régulier du GRAFIM et cochercheur au sein du partenariat international de recherche TECHNÈS. Il a entre autres publié Impression, projection : une histoire médiatique entre cinéma et journalisme aux Presses de l’Université Laval, Figures de violence aux éditions L’Harmattan, et Baroque cinématographique : essai sur le cinéma de Raoul Ruiz aux Pressa voies de l’Université de Vincennes. Il a codirigé le numéro L’horreur au cinéma de la revue Cinémas et le numéro « L’imaginaire des ruines » de la revue Protée. Ses recherches portent sur la portabilité audiovisuelle, la mobilité médiatique, le documentaire sonore et sur les relations entre le corps, le savoir et la technique.

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29 octobre 2020 - Eliazer Kramer - Virtual Orchestration: A New Aesthetic

Composer pour un orchestre acoustique, comparativement à un orchestre virtuel, diffère d’une manière fondamentale: dans le cas d’un orchestre acoustique, on compose pour le son qu'on souhaite entendre, alors que dans le cas d'un orchestre virtuel, on compose pour le son qu'on peut produire de manière convaincante. Quand une orchestration virtuelle est censée être un produit final, l’absence de préoccupations, telle que le soucis de la jouabilité par exemple, ouvre de nombreuses possibilités esthétiques et artistiques inaccessibles par un orchestre acoustique. De même, certaines textures, impliquant souvent des modes de jeux contemporains, ne peuvent pas être fidèlement reproduites par un orchestre virtuel. Dans cette présentation, nous parlerons des timbres, des textures et des sonorités propres aux deux orchestres. Nous aborderons aussi le problème suivant: comment peut-on utiliser l’orchestre virtuel pour que cet outil devienne plus qu'une « alternative moins chère » à un enregistrement. Enfin, nous verrons comment l'écriture injouable et non idiomatique peut stimuler la créativité.

Eliazer Kramer est un pianiste et compositeur de Montréal. Après avoir complété son DEC en piano et composition au Collège Vanier en 2007, Eliazer entreprend des études de baccalauréat en interprétation de piano au Conservatoire de musique du Québec à Montréal et les complète au Musikhögskolan de Piteå, en Suède. Il a ensuite obtenu une maîtrise en interprétation de piano à l'Université de Göteborgen Suède et une année d'études complémentaires à l'Académie Sibelius à Helsinki, en Finlande. En 2016, Eliazer a obtenu son Diplôme d'études professionnelles approfondies en interprétation piano de l'Université de Montréal sous la direction de Paul Stewart et, en 2017, il a complété sa maîtrise en composition sous la tutelle de François-Hugues Leclair et Denis Gougeon. En 2018, Eliazer a complété son diplôme d'études professionnelles approfondies en composition avec Denis Gougeon. En 2019, il a commencé son doctorat en composition avec François-Xavier Dupas.

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5 novembre 2020 - Andrea Gozzi - Listen to the theatre! Exploring Florentine performative spaces

Musicien et musicologue; diplômé en musique de l’Université Paris 8 Vincennes-Saint-Denis et membre de l’équipe du Tempo Reale (centre de recherche, production et pédagogie musicale de Florence, fondé par Luciano Berio). Il est aussi professeur de sound design à l’Académie LABA de Florence, et chargé de cours d’histoire du rock et de sound design au DAMS (Université de Florence). Comme musicien, il a travaillé avec des artistes italiens et internationaux, en live et en studio. Participant à des événements comme le LIVE 8 en 2005, à Rome, il a aussi joué en France, en Angleterre, en Allemagne et au Canada. Il a publié des livres et essais consacrés à l’histoire du rock et des biographies musicales en Italie et au Canada. Il est PhD student en Digital Humanities au SAGAS, Université de Florence.

[FR] Un espace de performance musicale constitue à la fois le cadre et le contenu de l'expérience de l'auditeur. L'environnement acoustique est impliqué dans des négociations continues qui diffèrent selon le rôle et la position de l'auditeur en tant que compositeur, interprète ou membre du public. Mes recherches visent à étudier l’acoustique d’un espace performatif : le Teatro del Maggio Musicale Fiorentino à Florence, en suivant deux voies complémentaires basées sur un modèle interactif. La première offre une expérience de réponse impulsionnelle: l'utilisateur peut virtuellement explorer la salle d'opéra en choisissant entre les reproductions binaurales de 13 positions d'écoute différentes. La deuxième se penche sur la perception auditive et visuelle d’une représentation de la romance Una furtiva lagrima de l’opéra de Donizetti L’élisir d’amore., Grâce à l'ambisonique, les vidéos à 360 degrés, et la réalité virtuelle, l'utilisateur pourra expérimenter cette performance à partir de trois positions différentes dans le théâtre: sur scène, dans la fosse d'orchestre et dans les sièges du public.

[EN] Listen to the theatre! Exploring Florentine performative spaces A music performance space constitutes the frame as well as the content of the listeners’ experience. The acoustic environment forces continuous negotiations that differ according to a listener’s role and position as composer, performer or audience member. The aim of my research is to investigate the acoustics of a performative space, the Teatro del Maggio Musicale Fiorentino in Florence, following two complementary paths, both based on an interactive model. The first offers an impulse-response experience: the user can virtually explore the opera hall by choosing between the binaural reproductions of 13 different listening positions. The second is about the aural and visual perception of a performance of the romance “Una furtiva lagrima” from Donizetti’s opera L’elisir d’amore. The user, through ambisonics, 360 degree videos and virtual reality, will experience this performance from three different positions in the theatre: on stage, in the orchestra pit and in the audience seating.

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12 novembre 2020 - Émilie Girard-Charest - Une approche ergonomique des langages micro-intervalliques au violoncelle: perspective d’interprète-compositrice, exemples du répertoire et pistes d’analyse

La partition est toujours le crible faillible d’une réalité qui la dépasse.
• Jean-Paul Dessy

Dans cette présentation, j’aborderai la question de l’ergonomie dans l’écriture des répertoires micro-intervalliques au violoncelle, à travers le prisme de mon expérience en tant que violoncelliste et compositrice. J’y proposerai des pistes de réflexion permettant d’aborder cet aspect à partir de différents éléments d’analyse perceptive mettant en relation le son et la physicalité de l’instrumentiste.

Émilie Girard-Charest est une violoncelliste, compositrice et improvisatrice se consacrant activement aux musiques nouvelles. Tant comme soliste qu’au sein de différents ensembles, elle a participé à plus de soixante créations et collaboré avec de nombreux compositeurs dont Malcolm Goldstein, Maxime McKinley, Cecilia Arditto, Graciela Paraskevaídis, Enno Poppe and Jorge Diego Vazquez. Ses pièces ont été interprétées par différents ensembles dont Qhirqhiña, Quasar, Continuum, le Quatuor Molinari ainsi que dans le cadre de la série de concerts No hay banda. Elle se produit régulièrement en concert, tant au Canada qu’en Europe et en Amérique du Sud.

Elle a plusieurs enregistrements à son actif, dont Enthousiasme viscéral (en duo avec Sergio Castrillón, 2019, Mikroclimat), Uncanny Valley (en duo avec Marc Vilanova, 2017, audiotalaia), Émilie préfère le chant (2016, Ambiances Magnétiques), Race with time (en duo avec Mart Soo, 2016, Improtest Records), Avec (2016, Kohlenstoff Records) et Musica in camera (Quatuor d’occasion, 2014, &records).

Émilie est diplômée du Conservatoire de musique de Montréal et de la Hochschule für Musik und Theater Hamburg et poursuit présentement ses études au Conservatoire National Supérieur Musique et Danse de Lyon, où elle a entrepris en septembre 2016 un doctorat portant sur le développement d’une écriture ergonomique de la microtonalité au violoncelle.

Elle est lauréate de la bourse de développement de carrière de la Fondation du Conservatoire de Musique de Montréal (2014), du Prix d'Europe de Composition Fernand-Lindsay (2015) ainsi que du Prix Robert-Fleming du Conseil des Arts du Canada (2019).

Émilie joue sur un violoncelle d’Angel Alvarez Verde.

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19 novembre 2020 - Frédéric Lémelin - L’aléatoire, les erreurs et l’indécision en composition audiovisuelle

Frédéric Lémelin est un artiste audiovisuel travaillant principalement avec la synthèse d’images 3D et la création sonore. Il s’intéresse particulièrement à la vidéomusique et au système de projection vidéo. Frédéric travaille dans un laboratoire de fabrication numérique où il développe du contenu de médiation sur l'art numérique et le design. Ce travail lui permet aussi d'agrandir ses capacités de fabrication numérique dans la conception d'installations audiovisuelles.

Ma pratique artistique oscille entre deux volets : la composition de musique électroacoustique et la création d’œuvres visuelles. Incapable de séparer les deux pratiques, celles-ci se rejoignent dans plusieurs projets. Les sources sonores influencent mon processus de création visuelle et en parallèle, les sources visuelles influencent mon processus de création sonore. Le plus grand facteur dans mon processus de création est la découverte de nouveaux matériaux obtenus par le biais de paramètres aléatoires. En d'autres termes, la création de nouvelles matières résultant d'erreurs ou d'accidents. L'utilisation de ces facteurs est liée directement à mon problème de prise de décision dans l'idéation d'un projet. L'indécision est un facteur considérable dans mon processus créatif, étant du signe astrologique de la Balance, je suis prompt à être déchiré continuellement entre deux pôles créatifs. Ma recherche portera un regard sur mon processus de création en composition, sur les techniques et concepts employés résultant du hasard. À travers la réalisation d’une série de courtes installations audiovisuelles, j’expérimente sur les possibilités qu'offre cette démarche.

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26 novembre 2020 - Jason Noble - La simplicité par la complexité par la simplicité : La « complexité paradoxale » des masses sonores

De nombreux exemples de musique contemporaine, notamment dans la tradition de la masse sonore, exploitent ce que le compositeur et musicologue Lasse Thoresen décrit comme une « complexité paradoxale ». Il s’agit d’un cas spécifique de l’unité des contraires.

 « The very complex and the very simple meet in a paradoxical, ambivalent union » (Emergent Musical Forms, p. 457). 

La complexité acoustique et la complexité perceptuelle peuvent parfois fonctionner à contre-courant : après un certain point, les textures musicales peuvent devenir trop complexes pour que les auditeurs puissent les analyser, et elles deviennent alors simples sur le plan perceptuel. Cela ouvre la voie à un seuil d’exploration musicale fascinant entre textures musicales complexes et masses sonores simples, dans lequel les compositeurs doivent prédire la quantité de détails acoustiques nécessaires pour atterrir perceptuellement d’un côté ou de l’autre. 

Dans cette présentation, je discuterai de la manière dont l’idée de complexité paradoxale guide mon travail de compositeur, en commençant par des sons et des gestes simples, en les organisant en structures musicales complexes, et en aspirant finalement à des objectifs perceptifs simples. Je me concentrerai sur ma pièce Fantaisie harmonique (2019) pour deux orchestres de guitares (un classique et un électrique), qui n’utilise que des harmoniques naturelles et des cordes ouvertes. J’aborderai les systèmes d’accordage spécifiques à l’instrument, la notation musicale non linéaire, l’orchestration perceptuellement fondée et la spatialisation en tant qu’orchestration.

Jason Noble est compositeur et chercheur dont le travail se concentre sur le sens de la musique contemporaine. Il est actuellement titulaire d'une bourse postdoctorale à l'Université de Montréal (FRQSC). Auparavant, il a travaillé comme chercheur postdoctoral dans le cadre du projet ACTOR (Analysis, Creation, and Teaching of Orchestration). Son doctorat de l'Université McGill a été financé par la prestigieuse bourse Vanier (CRSH). Les recherches de Jason sont publiées dans Music Perception, Music Theory Online, Journal of New Music Research, Organised Sound, et le Routledge Companion to Interdisciplinary Studies in Singing, et il a fait des présentations à de nombreuses conférences nationales et internationales et des conférences invitées. Les compositions de Jason ont été jouées au Canada, aux États-Unis, au Mexique, en Argentine, en France, en Belgique, aux Pays-Bas, en Allemagne, au Danemark et en Italie, et ont fait l'objet de nombreuses publications et émissions. Son travail de composition cherche un équilibre entre innovation et accessibilité, motivé par la conviction que la musique contemporaine peut être véritablement progressiste et communicative en même temps.

Les intérêts de recherche de Jason comprennent la sémantique du timbre, la composition basée sur le timbre, les temporalités musicales et l'intemporalité, la narrativité musicale, la phonétique et la transcription de la parole en musique, les systèmes d'accordage spécifiques aux instruments, la notation musicale non linéaire, les aspects perceptifs et sémantiques de la musique de masse sonore, la sensibilisation des jeunes et du grand public par la musique contemporaine et, plus récemment, les relations entre la gammisation musicale, l'accessibilité et le bien-être. Parmi les compositions récentes, citons Cameron Chameleon : pour orchestre de chambre et narrateur (2020), Reunion pour chœur, électronique et vidéo socialement distancés (2020), we never told nobody pour guitare et électronique (2018), River and Cave pour duo de guitares (2018), Furiouser and Spuriouser pour 8 voix solistes (2018) et biome pour trombone et orchestre à vent (composition pour thèse de doctorat, 2017).

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3 décembre 2020 - Mirtru Escalona Mijares - Passerelles entre la musique électroacoustique et la musique instrumentale

Le compositeur Mirtru Escalona-Mijares (France-Venezuela) abordera les passerelles entre la musique électroacoustique et la musique instrumentale à travers la présentation de trois de ses œuvres:  
 L’ermitage au toit de chaume (2014-2015) pour bande numérique ; 
Ce qui vient n'est pas ce que l’œil peut entendre (2017-2018)
 pour quatuor à cordes et électroniques ; 
et Romances Séfarades (2019) pour Soprano et contrebasse.
 


Mirtru Escalona-Mijares 
est né en 1976 au Venezuela. Il a eu ses premiers contacts avec la musique dans sa ville natale, Duaca, dans « el Sistema », Fondation d'état pour un système national d'orchestres pour la jeunesse du Venezuela. Il achève sa première formation musicale dans son pays natal avec Rafael Saavedra et Gerardo Gerulewicz. Suite à l’invitation de José Manuel López-López et de Paul Méfano, il quitte son pays afin de poursuivre ses études en France. Dès l’an 2000 il poursuit donc sa formation auprès de Philippe Leroux, Ivan Fedele et Christine Groult, puis achève ses études avec un Master en composition (option électroacoustique et informatique musicale) au Conservatoire National Supérieur de Musique et Danse de Lyon, dans la classe de Robert Pascal, Michele Tadini et Denis Lorrain.



Pour Escalona-Mijares, la composition est sa façon très personnelle de se découvrir lui-même et de réagir par rapport au monde auquel il appartient, il essaie de faire en sorte que cela se reflète dans sa musique d’une manière authentique, poétique et spirituelle. L'un de ses principaux objectifs en tant qu'artiste est d'inviter et de stimuler le public à rêver avec la musique, à élargir ses limites d'écoute musicale et, si possible, à laisser la musique les rapprocher du « non tangible » qui nous relie tous ensemble. Il est également fortement attiré par l’incorporation de l’électronique comme une extension logique des instruments acoustiques, par l’art numérique appliqué à la musique et les musiques non-occidentales comme sources de réflexion et prise de conscience des diverses perceptions du monde.



Il est lauréat de plusieurs prix internationaux, ses œuvres sont interprétées régulièrement dans plusieurs festivals en Europe et aux Amériques, et elles sont éditées par BabelScores. 



En parallèle de son activité artistique, Mirtru Escalona-Mijares est professeur d’enseignement artistique à la Ville de Versailles et au Conservatoire à Rayonnement Départemental d’Évry.

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10 décembre 2020 - Philippe Aubert-Gauthier, Ana Dall'Ara-Majek & Georges Roussel - AuXauralités: métamatériaux et environnements sonores

AuXauralités
 est un projet qui aborde la notion d’écoute augmentée par l’exploitation des propriétés acoustiques très particulières des métamatériaux. Élaborés par la technologie d’impression 3D, les métamatériaux reproduisent des procédés de synthèse numérique et analogique en les matérialisant sous forme d’objets physiques. Ces objets sculptent un nouvel environnement sonore à l’intérieur duquel les auditeurs forment une communauté acoustique spécifique en accédant à une auralité jusqu’alors inaccessible.

Ce projet à la croisée entre recherche acoustique et art sonore est rendu possible grâce à une subvention du programme intersectoriel AUDACE du FRQ et à la collaboration entre le Groupe d’Acoustique de l’Université de Sherbrooke  (GAUS) de la Faculté de génie de l’Université de Sherbrooke, la Faculté des arts de l’Université du Québec à Montréal (UQAM) et Sporobole. Co-chercheurs: Nicolas Bernier et Julien Sylvestre.  

AuXauralités est une collaboration entre artistes et chercheurs en acoustique où chacun apporte son savoir-faire dans une optique d’hybridation d'expertises pour développer des œuvres-prototypes entre arts et sciences. Cette approche propose un lieu commun entre recherche scientifique et expression artistique, permettant à chaque domaine d’avancer en se nourrissant mutuellement. Cette collaboration vise à libérer les technologies du joug industriel tout en donnant aux arts de nouvelles possibilités d’expression. AuXauralités est composé d’Ana Dall’Ara-Majek (artiste sonore), Georges Roussel (chercheur post-doctoral), Philippe-Aubert Gauthier (professeur à l’UQAM), François Proulx (étudiant), Nicolas Bernier (professeur à l’UdeM), et Julien Sylvestre (professeur à l’UdeS).

Né à Chicoutimi (Canada), Philippe-Aubert Gauthier vit et travaille à Sherbrooke (Canada). Il est artiste sonore et numérique, musicien, ingénieur mécanique junior, M.Sc., docteur en acoustique et professeur. Le cœur de sa démarche artistique est basé sur les interactions des arts, cultures, sciences et technologies dans un programme de recherche intégré. Chacun de ces champs d’action et chacune des connaissances reliées sont utilisés pour le développement de pièces artistiques et musicales qui abordent les constructions sociales des technologies et des cultures qui en découlent. La plupart de ses travaux artistiques sont influencés par des lectures issues de la musique, des études culturelles, des communications et de l’histoire des médias. P.-A. Gauthier a réalisé plus de 40 œuvres et publié plus de 60 communications scientifiques. Il a été boursier du Conseil des arts et des lettres du Québec et du Conseil des arts du Canada.

Ana Dall’Ara-Majek est une compositrice et artiste sonore vivant à Montréal. Elle se consacre à l’étude de l’interaction entre les pensées instrumentale, électroacoustique et informatique dans la composition musicale. Ses œuvres ont été jouées dans de nombreux festivals internationaux. En 2014, elle sort son premier album solo Air (Kohlenstoff records) où elle explore l’hybridation entre souffles, voix, instruments et électronique. En 2018 elle sort Nano-Cosmos (Empreintes DIGITALes), un album rendant hommage aux insectes, aux petits arthropodes et aux micro-organismes qui a été sélectionné au Wire Tapper 47 et dans le best of du public de Toneshift. Elle a aussi collaboré dans des projets de danse tels que Habitat (Szabo), Crying in Public (Tafel), et Laborintus (Raffinot), ainsi qu’avec des ensembles de chambre tels que SuperMusique, Quasar, Ensemble AKA, Les Percussions de Strasbourg, Sixtrum, Trio Hoboken, Lunatics at Large et TM+, où elle explore l’interactivité entre les humains et les technologies pour créer des (éco-)systèmes. Elle enseigne présentement la composition à l’Université de Montréal et se produit régulièrement avec ses groupes Jane/KIN, ILÉA et blablaTrains en tant que musicienne électronique et Théréministe.

Georges Roussel est un jeune chercheur en acoustique spécialisé en audio spatialisé vivant à Sherbrooke. Il obtient sa maitrise en recherche acoustique de Le Mans Université en 2015 et son doctorat en 2019. Au cours de son doctorat en collaboration avec Orange Labs et Le Mans Université il travaille sur les zones sonores personnelles, permettant à plusieurs personnes d’écouter des contenus audios indépendants à des positions distinctes à l’aide de multiples haut-parleurs tout en se déplaçant. Ses travaux donnent lieux à deux brevets et rendent possible l’utilisation de tels systèmes en temps réel. Il s’intéresse par la suite à l’utilisation de ses compétences hors du champs de l’industrie et se tourne vers la création sonore afin de promouvoir l’accès aux sciences à un public plus large par le biais de l’art. Il réalise actuellement un post-doctorat par une collaboration entre le Groupe d’Acoustique de l’Université de Sherbrooke (GAUS), L’UQAM et le centre en arts actuels Sporobole basé à Sherbrooke. Cette collaboration donne une couleur artistique à ses travaux de recherche en acoustique en alliant l’art et les sciences dans un contexte de co-création artiste/chercheur.

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