Archives du Colloquium
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2025
16 janvier 2025 - Simon Chioini - Exploration-Collecte-Assemblage : méthodologie relationnelle
30 janvier 2025 - Mélanie Frisoli - Pensée spatiale et typologie de l'espace dans la composition acousmatique : une démarche de recherche-création
6 février 2025 - Caroline Traube - Comment se situer dans l'écosystème montréalais de la recherche et de la recherche-création en musique?
13 février 2025 - Frédéric Roverselli - Les scénarios de traitement : Un système à explorer
20 février 2025 - Tom Mays - Composition et performance de la musique mixte temps réel - philosophies, stratégies, gestes, outils
27 février 2025 - Jean-Louis Agobet - Articuler le son dans le temps et l'espace
13 mars 2025 - Jean-Félix Lagahe - De l’interprétation jazz aux horizons électroacoustiques en passant par la collaboration et la multidisciplinarité
20 mars 2025 - Gabriel Geneau - L'expérience pré-réflexive à travers la composition d'ambiances
27 mars 2025 - Kassandra Lara Picazo - Musique à l'image : création et collaboration
3 avril 2025 - Yue Wang - Guo Qili Tan: Exploration de la création musicale basée sur les signaux EMG
10 avril 2025 - Alexandre Amat - Composer la matière sonore : du timbre instrumental à l'imaginaire matériel
12 septembre 2025 - Annie Darveau - L'entreprenariat à l'Université de Montréal
19 septembre 2025 - Christiane Melançon - L’IA générative en milieu académique : enjeux et bonnes pratiques
26 septembre 2025 - Nicolas Bernier - Stratégies contre-intuitives pour synthétiseurs modulaires
3 octobre 2025 - Jacob Desjardins - Vers une puissance sensible désœuvrant - La composition sans fonction
10 octobre 2025 - Rémy Jannelle - Les décors interactifs en performance électroacoustique : vers une scénographie musicalisée
17 octobre 2025 - Marco Donnarumma - Serial Experiments - From biophysical music to human-machine configuration
31 octobre 2025 - James O'Callaghan - La peur du noir : l'objet sonore et la désincarnation dans la musique électroacoustique
7 novembre 2025 - Stephanie Moore - Dematerializing et Reconfiguring: L'emploi d'une musique instrumentale dans un contexte acousmatique
14 novembre 2025 - Alexander Bridger - L’intégration des traditions folkloriques de Terre Neuve dans l’art lyrique contemporain
21 novembre 2025 - Edwin Ng - Composition instrumentale et paysages sonores : un projet de recherche-création sur l’écologie sonore en musique contemporaine
5 décembre 2025 - Matteo Tomasetti & Consuelo Donati - Immersive Territories: Audiovisual Performance and Narrative Today
Simon Chioini
Exploration-Collecte-Assemblage : méthodologie relationnelle
Jeudi 16 janvier 2025 à 12h - local laboratoire B-325
Tandis que la transition écologique actuelle mène à repenser nos habitudes de vie, le monde des arts assiste lui aussi à une évolution de ses pratiques. Pour les musiques contemporaines et électroacoustiques, le courant de l’acoustic ecology initié durant les années 1970 déclenche un renouvellement de l’écoute et de la perception du paysage. Plus récemment, les recherches sur l’écologie du son démontrent qu’une pensée écologique large, intégrant les dimensions sociales et mentales à la réflexion environnementale, peut mener à de nouvelles relations avec l’autre et avec le sensible.
Dans le cadre d’un projet de recherche-création au doctorat en composition et création sonore, il sera ici question d’un axe méthodologique intitulé Exploration-collecte-assemblage pour définir des modes de créations relationnels et situationnels. Cette méthodologie sera exemplifiée à l’aide de quelques performances, ateliers et créations, incluant l’installation vidéo Assemblage… Chabanel, présentée cette semaine au Laboratoire Forme · Ondes de la Faculté de musique de l’Université de Montréal.
Simon Chioini est artiste-chercheur et compositeur. Son travail de recherche-création intègre la composition sonore à une approche théorique interdisciplinaire. Il est actuellement étudiant au doctorat en composition et création sonore à l'Université de Montréal, où ses recherches explorent les relations entre le son, l'environnement et les dynamiques sociales. Inspiré principalement par la philosophie et l'anthropologie, son travail cherche à élargir la compréhension de la composition sonore à travers des perspectives écologiques et relationnelles. Dans le contexte de la crise climatique actuelle, la pratique de Chioini remet en question l'opposition traditionnelle entre nature et culture en explorant comment l'art sonore peut servir d'outil de médiation et de transformation de ces relations. Sa méthodologie combine la recherche théorique avec des pratiques créatives in situ, incorporant souvent des éléments performatifs et participatifs.
Mélanie Frisoli
Pensée spatiale et typologie de l’espace dans la composition acousmatique : une démarche de recherche-création
Jeudi 30 janvier 2025 à 12h - local B-399
Mélanie Frisoli présentera, lors du Colloquium d’études supérieures en composition et création sonore, le cheminement de ses recherches et la création des œuvres qui en sont issues. À mi-parcours de son doctorat, elle exposera une approche renouvelée de l’espace en musique, dépassant les trois dimensions physiques généralement abordées : la spatialisation, les perspectives et les espaces acoustiques, qu’ils soient réels ou simulés. Elle s’appuiera pour cela sur le développement d’une typologie de l’espace en musique acousmatique et sur un prototype de schématisation intégrant les multiples significations de l’espace, tout en ouvrant de nouveaux horizons perceptifs.
Mélanie Frisoli est une compositrice, conceptrice sonore et technicienne du son franco-canadienne. Pendant quinze ans, elle a interprété et chanté ses propres chansons sur des scènes françaises et internationales, totalisant plus de 700 concerts, tout en accompagnant divers artistes français et canadiens en tant que guitariste. Elle a publié six albums, écrit trois livres, et composé également pour la danse, le théâtre et le cinéma. Passionnée par le son, elle a commencé par se former en ingénierie du son avant de se tourner vers des études en Musiques Numériques à la faculté de musique de l’Université de Montréal. Actuellement, elle poursuit un doctorat en composition et création sonore sous la supervision de Dominic Thibault et Caroline Traube. Ses œuvres ont été diffusées au Canada, en Italie, en Allemagne et en Grande-Bretagne, obtenant plusieurs prix.
Caroline Traube
Comment se situer dans l’écosystème montréalais de la recherche et de la recherche-création en musique ?
Jeudi 6 février 2025 à 12h - local B-399
Au fil des vingt dernières années, plusieurs institutions inter-universitaires de recherche et de recherche-création en musique ont vu le jour en territoire montréalais. En particulier, des regroupements stratégiques interdisciplinaires soutenus par les Fonds de recherche du Québec (FRQ) ont structuré la recherche en musique dans les trois grands secteurs des connaissances : (1) les sciences humaines et sociales à l’OICRM (Observatoire interdisciplinaire de création et de recherche en musique) - https://oicrm.org/, (2) les sciences et technologies au CIRMMT (Centre Interdisciplinaire de Recherche en Musique, Médias et Technologies) - https://www.cirmmt.org/fr et (3) les neurosciences et leur application à la santé au CRBLM (Centre de recherche sur le cerveau, le langage et la musique) - https://crblm.ca/fr/, et au laboratoire affilié BRAMS - https://brams.org/. À ces regroupements s’ajoutent d’autres structures, comme Hexagram - https://hexagram.ca/ , qui permettent d’établir des collaborations en recherche-création dans le domaine des arts visuels. Cette présentation sera l’occasion de dresser un portrait actuel de cet écosystème complexe et de discuter des possibilités qui s’offrent aux étudiantes et aux étudiants en composition et création sonore, notamment aux travers de collaborations interdisciplinaires au sein des différentes structures que sont les regroupements stratégiques, les chaires de recherche et les partenariats de recherche.
Caroline Traube est professeure titulaire à la Faculté de musique de l’Université de Montréal où elle enseigne et mène des recherches dans les domaines de l’acoustique musicale, la psychoacoustique, la musicologie numérique et l’étude de la performance musicale. En complément à sa formation en technologies de la musique (Ph.D., Université McGill) et en génie électrique et télécommunications (Eng., CCRMA/Université de Stanford, États-Unis; Ir. Faculté polytechnique de Mons, Belgique), elle a étudié le piano, ainsi que la composition électroacoustique au Conservatoire Royal de Mons en Belgique. Elle dirige le Laboratoire de recherche sur le geste musicien (LRGM) dont la mission est de soutenir l’étude interdisciplinaire des pratiques musicales ainsi que le transfert des connaissances entre les milieux scientifiques et artistiques. Ses recherches, portant sur l’expression musicale et l’interaction entre les musicien-nes et leur instrument des points de vue biomécanique, acoustique et perceptif, relèvent du domaine de la musicologie expérimentale et se situent à l’intersection des sphères d’activité de l’OICRM, du CIRMMT et du BRAMS. Elle se consacre aussi au phénomène de la production et de la perception multimodale du timbre instrumental ainsi qu’à l’orchestration et sa réalisation par les interprètes, dans le cadre du partenariat de recherche ACTOR - https://www.actorproject.org (Analysis, Creation and Teaching of ORchestration).
Frédéric Roverselli
Les scénarios de traitement : Un système à explorer
Jeudi 13 février 2025 à 12h - en ligne
Utilisant une approche systémique de la composition et création sonore, dans laquelle nous ne cherchons pas à définir chaque partie de l’ensemble mais plutôt les interactions qui vont le composer, nous étudierons les possibilités offertes par l’écriture de scénarios de traitement jumelés à l’improvisation dans un contexte performatif. Il sera question d’en dégager des directions structurelles, compositionnelles, poïétiques et esthétiques. Nous aborderons autant la composition d’un système que la composition utilisant un système.
Tom Mays
Composition et performance de la musique mixte temps réel - philosophies, stratégies, gestes, outils
Jeudi 20 février 2025 à 12h - local B-399
Tom Mays présentera brièvement les classes de composition et création contemporaine au Conservatoire de Strasbourg et à la Haute École des Arts du Rhin : électroacoustique, temps réel, instrumentale/vocale, mixte et création sonore; puis se plongera dans la musique mixte temps réel, interactive et gestuelle.
Il explorera des aspects spécifiques du temps réel — traitements, transformations, synthèses, interactions, analyses, suivis, algorithmes — ainsi que le contrôle gestuel à travers le Karlax et la détection du mouvement par caméra.
Il parlera également des stratégies d’écriture en présentant quelques unes de ses compositions mixtes : la série des Patches Bien Tempérés, une œuvre vocale temps réel à 6 voix : Nonsense, et une installation sonore interactive : Acousmeaucorps.
Pour conclure, il dévoilera son environnement patch Max : CRT - Composition in Real Time v1.0, téléchargeable et utilisable gratuitement.
Originaire de la Californie, installé depuis longtemps en France, Tom Mays est compositeur, musicien électronique, enseignant et chercheur, responsable de la classe de Composition électroacoustique à l’Académie supérieure de musique de la HEAR, Strasbourg – enseignant également pour l'Ircam et NYU-Paris. Il présente séminaires, master classes et ateliers et développe environnements de création temps réel. Il compose ou improvise musiques numériques et mixtes pour instruments, dispositifs temps réel, supports électroacoustiques, contrôleurs gestuels et nouvelles lutheries (comme le Karlax et des captations de mouvement par caméra). Il crée concerts, installations interactives, musique pour danse, théâtre et film – ses œuvres étant commandées et soutenues par divers studios, organisations et ensembles en France et à l’international tels les CNCM La Muse en Circuit et Césaré, le CIRM, Fabrique Nomade, Didascalie.net, Radio France, Voix de Stras’ et Les Percussions de Strasbourg.
Il collabore à la création du Centre national de création musicale Césaré à Reims, passe presque 10 ans à l’Ircam comme Réalisateur Informatique Musicale, enseigne 14 ans dans la classe de Nouvelles Technologies appliquées à la composition au Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris et développe plusieurs environnements de création temps-réel (plus récemment : CRT). Il est chercheur associé au centre de recherche CREAA à l’Université de Strasbourg et actuellement président de l’Association des enseignants et enseignantes de la musique en composition électroacoustique (Aecme) en France.
Jean-Louis Agobet
Articuler le son dans le temps et l’espace
Jeudi 27 février 2025 à 12h - local B-399
Qu'est-ce que la composition sinon l'ordonnance de la matière sonore ?
Edgar Varese
Le style, c’est l’oubli de tous les styles
Jules Renard
Pourquoi le temps et l’espace sont aujourd’hui les paramètres fondamentaux de la composition ? Comment envisager un langage au XXIème siècle, sans retour et sans compromis ?
A travers la présentation de quelques œuvres, instrumentales, orchestrales ou électroacoustique, Jean-Louis Agobet (compositeur, professeur de composition et d’orchestration au conservatoire de Bordeaux, France) apporte quelques réponses personnelles, esthétiques et techniques.
Compositeur français né en 1968, Jean-Louis Agobet a commencé à étudier la composition au début des années 80, en particulier au Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Lyon avec Philipe Manoury. Il a également suivi les cours de Luigi Nono au Centre Acanthes.
D’importantes commandes telles que Radio France, le Ministère de la Culture français et l’IRCAM ont lancé sa carrière au début des années 90. Ces débuts l'ont amené à être artiste en résidence à la Villa Médicis - Académie de France à Rome pendant deux ans (1996-1998).
Si son travail va initialement vers la musique de chambre et l’électroacoustique, il va se diriger dès les années 90 vers la musique symphonique, avec une vingtaine d’œuvres à ce jour.
Jean-Louis Agobet a été compositeur en résidence auprès de l'Orchestre National de Montpellier (1999-2001), de l'Orchestre Philharmonique de Strasbourg (2001-2005) et de l'Orchestre National de Lorraine (2013-2015). Ces relations ont donné naissance à un ensemble important d’œuvres orchestrales ; Phonal (1999), Ritratto Concertante (2000), Exo (2007), Concerto pour violoncelle (2009), Concerto pour violon (2013), Cantate (2014) ou encore le triptyque Oculus, Mabus, Nucleus (2014-2023) commandé par le San Antonio Symphony, l’Opéra National de Bordeaux et l’Orchestre Philharmonique de Radio France.
La pièce Génération (2002) concerto grosso pour trois clarinettes et grand orchestre, commanditée par Radio France et l'Orchestre Philharmonique de Strasbourg, le consacre comme l'un des plus importants compositeurs français de sa génération. Le CD de la pièce a été réalisé par Timpani en 2005 et a remporté une Victoire de la Musique du meilleur enregistrement de l’année 2006.
Lauréat de nombreux prix, ses œuvres sont jouées régulièrement en Europe, Amérique du Nord et en Asie. Il enseigne également régulièrement comme professeur invité, en particulier aux Etats-Unis et au Japon.
Son catalogue, environ soixante-dix œuvres à ce jour - qui comprend de la musique de chambre et vocale, des concertos, des œuvres pour orchestre ou pour ensemble - est publié par Jobert/Lemoine (Paris), Peermusic Classical (Hambourg, New-York) et Artchipel (en exclusivité depuis 2018).
Depuis 2011, Jean-Louis Agobet est professeur de composition au Conservatoire de Bordeaux. Il reçoit en décembre 2021 la Grand Prix de la SACEM pour sa carrière dans la catégorie Musique Classique Contemporaine.
www.jeanlouisagobet.com
Jean-Félix Lagahe
De l’interprétation jazz aux horizons électroacoustiques en passant par la collaboration et la multidisciplinarité
Jeudi 13 mars 2025 à 12h - local B-399
Jean-Félix présente ses dernières recherche-création performatives en analysant les interactions que peuvent apporter la collaboration tout en explorant son cheminement de composition influencé par ses pratiques de musicien interprète et sa démarche d'artiste sonore notamment avec l'improvisation.
Jean-Félix Lagahe est un pianiste, compositeur et artiste sonore français basé à Montréal. Après des formations en électronique et dans divers conservatoires de jazz, il étudie actuellement au DESS de musiques numériques à l’Université de Montréal, sous la direction de Myriam Boucher.
Gabriel Geneau
L'expérience pré-réflexive à travers la composition d'ambiances
Jeudi 20 mars 2025 à 12h - local B-399
Cette présentation interroge l’esthétique souvent neutre des arts numériques, où la technicité tend à prédominer sur l'affect. En explorant une approche de la composition sonore et lumineuse axée sur l’émotion, elle propose de mobiliser les technologies comme vecteurs d’expériences sensibles. L’ambiance y est envisagée comme un levier pour favoriser une perception immédiate et pré-réflexive, recentrant l’attention sur la profondeur de l’expérience plutôt que sur la mécanique des dispositifs.
Gabriel Geneau est un artiste polyvalent dont la pratique s’articule autour de la rencontre entre son, lumière et technologie. Il crée des œuvres où la musique et le visuel se nourrissent mutuellement, offrant des expériences sensorielles uniques. Toujours à la recherche de nouvelles voies créatives, il intègre les outils modernes pour enrichir son langage artistique, tout en restant fidèle à une approche intuitive et émotionnelle.
Kassandra Lara Picazo
Musique à l'image : création et collaboration
Jeudi 27 mars 2025 à 12h - local B-399
Explorez les processus créatifs derrière la musique audiovisuelle, la danse le cinéma et l'animation. Entre le contrôle total des visuels et la collaboration avec d'autres créateurs, Kassandra Lara Picazo partage son expérience de la création de mondes sonores qui dialoguent et transforment la narration visuelle et corporelle. Une réflexion sur l'équilibre entre le son, l'image et le mouvement dans des projets interdisciplinaires.
Kassandra Lara Picazo est compositrice et artiste audiovisuelle mexicaine avec une formation en piano classique, musique numérique et composition. Son œuvre explore l’interaction entre la musique, le son et l’image, couvrant des disciplines telles que la musique pour la danse, le cinéma et l’animation. Bien que sa formation initiale soit en musique classique, Kassandra commence à découvrir et à explorer le monde de la collaboration avec le cinéma et l’animation, développant une approche unique qui fusionne le sonore et le visuel. Elle a travaillé de manière autonome ainsi qu’en collaboration avec d’autres créateurs, composant pour des performances de danse et des projets visuels. Sa passion pour les projets interdisciplinaires l’amène à transformer la narration visuelle à travers sa musique, tout en partageant son expérience avec les nouvelles générations de musiciens.
Yue Wang
Guo Qili Tan: Exploration de la création musicale basée sur les signaux EMG
Jeudi 3 avril 2025 à 12h - local B-399
Adoptant une approche globale de la création musicale fondée sur l’exploitation des signaux EMG, cette présentation explore en profondeur le processus de création en se concentrant sur trois axes complémentaires : l’acquisition des signaux, leur conversion en paramètres audio et l’analyse des défis techniques et créatifs rencontrés. Nous mettons en lumière les dispositifs et techniques qui assurent une collecte en temps réel et stable des signaux EMG, ainsi que le mappage permettant de traduire ces signaux en paramètres modulant dynamiquement les sons instrumentaux. Par ailleurs, l’étude examine les problématiques inhérentes à l’utilisation des signaux EMG – notamment en termes de stabilité, d’étalonnage et d’interprétation – afin d’en dégager des perspectives sur le potentiel et les limites de cette approche innovante dans le processus créatif.
Yue Wang est un étudiant en composition et création sonore en première année de doctorat à l'Université de Montréal, où il détient également un diplôme de maîtrise. Ses créations combinent souvent musique électronique et performance instrumentale afin d'explorer les potentialités musicales. Toujours en quête d'innovation dans le domaine des technologies numériques musicales, Yue Wang s'attache à intégrer musique traditionnelle et musique électronique. Actuellement, il se consacre à la recherche sur la génération musicale et les instruments basés sur les signaux biologiques (BODY BRAIN DIGITAL MUSIC INSTRUMENTS, BBDMI).
Alexandre Amat
Composer la matière sonore : du timbre instrumental à l’imaginaire matériel
Jeudi 10 avril 2025 à 12h - local B-399
Le concept de matière sonore fait aujourd’hui partie du vocabulaire commun de la musique contemporaine. Les phénomènes musicaux sont fréquemment décrits et analysés par le biais de métaphores relatives au monde physique : le son posséderait une “épaisseur”, une “densité”, une “masse” qui lui est propre. Pourtant, si les analogies entre le son et la matière semblent largement influencer notre expérience musicale - du processus de création jusqu’à la conduite d’écoute - le rôle structurant de ce transfert métaphorique dans la conception d’un projet esthétique reste relativement peu abordé dans le discours sur la musique.
L’analyse sémantique de la notion de matière sonore permettra de définir un cadre théorique global articulant toutes les dimensions de mon langage musical. Cette présentation abordera, en particulier, l’impact de cette notion sur trois étapes de ma démarche compositionnelle : l’élaboration de matériaux musicaux épurés fondés sur le timbre et la corporalité du jeu instrumental ; l’organisation formelle et dynamique conçue à l’image de processus physiques naturels, comme la croissance ou l’érosion ; enfin, le développement d’une esthétique musicale reliée à l’imaginaire de la matière.
Alexandre Amat, né à La Rochelle (France) en 1993, est un compositeur de musique instrumentale. Après avoir étudié le cor d’harmonie et la musicologie, il suit les cours de composition de Jean-Louis Agobet au Conservatoire de Bordeaux, où il obtient son Diplôme d’Études Musicales en 2019. Il poursuit ensuite ses études à l’Université de Montréal où il obtient une maîtrise en composition et création sonore sous la direction de François-Hugues Leclair. Il est actuellement étudiant au Doctorat en composition à l’Université de Montréal sous la direction de Jimmie LeBlanc. Alexandre a également participé à l’académie de musique du Domaine Forget de Charlevoix (2023) et d’Orford Musique (2024). Il a collaboré avec des ensembles et des solistes tels que l’Orchestre National de Bordeaux Aquitaine, l’Ensemble PTYX, l’Ensemble Prisme, l’Ensemble Éclat, Okto-Relève, Sixtrum, le Quatuor Cobalt, Vanina Santoni et Ethan Hill.
Annie Darveau -
L'entreprenariat à l'Université de Montréal
Découvrez comment donner vie à vos projets créatifs et entrepreneuriaux avec Millénium Québecor
Vendredi 12 septembre 2025 à 12h - B-379
Marianne St-Pierre -
Une activité MCCQ s'invite au Colloquium
Vendredi 12 septembre 2025 à 13h - B-379
Vous souhaitez transformer vos idées créatives en projets concrets ?
Rejoignez-nous au Colloquium d'études supérieures en composition et création sonore.
Annie Darveau, coordonnatrice principale en sensibilisation à l’entrepreneuriat,
partagera les ressources et outils offerts par Millénium Québecor Université de Montréal (UdeM)
pour accompagner la communauté UdeM (étudiante, diplômée de moins de cinq ans, employée, professorale et de recherche)
dans le développement de compétences ou de projets entrepreneuriaux.
Au programme:
• Présentation des différentes façons dont Millénium Québecor peut soutenir vos initiatives.
• Découverte de nos 3 volets pour découvrir, apprendre et concrétiser vos projets.
• Séance de questions-réponses
Annie Darveau détient une maîtrise en psychologie (UdeM) et un diplôme de deuxième cycle en gestion (HEC Montréal). Elle travaille à développer l’esprit entrepreneurial dans la communauté universitaire pour Millénium Québecor.
Pour en savoir plus sur Millénium Québecor : https://millenium.umontreal.ca/
Christiane Melançon - L’IA générative en milieu académique : enjeux et bonnes pratiques
Vendredi 19 septembre 2025 à 12h - B-379
Cette présentation, qui s’appuie sur le tout nouveau Guide IA conçu par les bibliothèques de l’UdeM pour accompagner la communauté dans une utilisation réfléchie de ces technologies, propose une exploration des intelligences artificielles dans le contexte universitaire. À travers une approche critique, nous verrons comment ces outils fonctionnent, quels sont les enjeux liés à leur utilisation, et comment les intégrer de manière responsable dans nos pratiques académiques.
Au programme
Les intelligences artificielles : fonctionnement, défis, choix des outils
La rédactique (prompts) : comment rédiger les requêtes, évaluer les résultats
Balises : citer, déclarer, documenter
Des ressources pour aller plus loin
Christiane Melançon est bibliothécaire de référence à la Bibliothèque de musique
Nicolas Bernier - Stratégies contre-intuitives pour synthétiseurs modulaires
Vendredi 26 septembre 2025 à 12h - B-379
Suite à une décennie essentiellement consacrée à la création de projets audiovisuels, Nicolas Bernier a, dans les dernières années, recentré sa pratique autour du jeu instrumental sur synthétiseur modulaire. Suite à un article qu'il a publié cet été chez Patch & Tweak (http://patchandtweak.com), il présente quelques-unes de ses stratégies de composition performative.
crédit photo: @Isabelle Gardner
Nicolas Bernier est professeur en composition et création sonore à la Faculté de musique de l’Université de Montréal. Comptant plus d’une vingtaine de reconnaissances de prestigieux concours autant en musique qu’en arts contemporains, son œuvre frequencies (a) récolte en 2013 un Golden Nica décerné par Ars Electronica, une des plus importantes reconnaissances dans le domaine des arts numériques. En 2019, il publie aux Presses du réel le livre Sur le diapason qui clôt le cycle d’œuvres frequencies. Cette même année, son objet audiovisuel intitulé 'structures infinies' est nominée et exposée à Londres dans le cadre des Aesthetica Art Prize. Depuis mai 2025 et ce jusqu’en septembre 2026, son œuvre phare, l’installation frequencies (light quanta) est exposée au ZKM | Zentrum für Kunst und Medien en Allemagne. Une copie de cette même oeuvre fait également partie de la collection permanente du Musée national des beaux-arts du Québec (MNBAQ). Depuis plus de deux décennies, son travail en performances et installations sonores est d’ailleurs présenté aux quatre coins du monde dans des institutions telles que Ars Electronica (Autriche), Sónar (Espagne), Mutek (Canada), DotMov Festival (Japon), L.E.V (Espagne), ZKM (Allemagne) et Transmediale (Allemagne).
Jacob Desjardins - Vers une puissance sensible désœuvrant - La composition sans fonction
Vendredi 3 octobre 2025 à 12h - laboratoire B-325
Agentivité, travail et propriété intellectuelle sont les enjeux de l’époque pour lesquels les créateur.trice.s sonores s'engagent dans une lutte pour la reconnaissance. Au Québec, on peut penser aux récentes campagnes menées par la communauté artistique pour décrier le manque de ressources. Bien que légitime, ce discours implique, d'une part, d'affirmer sa dépendance à l'État et, de l'autre, de défendre la valeur marchande des arts. Les pratiques artistiques sont réduites à être définies par ce qu'elles produisent, par le travail, même dans les cercles underground. Pouvons-nous imaginer un rapport aux arts sonores qui soit motivé par la collectivisation et la communisation des sensibles et non par leur réification?
Cette présentation fera l’état d’une méthodologie de recherche-création qui émerge du terrain vague de l'est d'Hochelaga, dont la continuité est menacée par un mégaprojet de développement urbain. Entre l’ethnographie et la prise de son terrain, la synthèse concaténative et ses cartes singulières, et l’installation in situ, décomposer la composition suppose d'ancrer nos pratiques musicales dans l'habiter et un territoire vague. Dans la continuité de l’indéterminisme, et inspiré par les concepts de potentialité et de désœuvrement, l’artiste propose d’imaginer une méthode compositionnelle qui bifurque de l’objet-produit de la musique électroacoustique.
Batteur de formation, Jacob Desjardins est compositeur et artiste-chercheur multi-instrumentiste. Détenteur d'une maîtrise en études urbaines de l'INRS, pour laquelle il s’est intéressé aux trajectoires des pratiques transgressives dans le contexte de la construction du nouvel aéroport de Mexico, il poursuit actuellement des études à la maîtrise en composition et création sonore à l'Université de Montréal. Son parcours musical s’est développé à travers la scène free jazz et expérimentale montréalais, notamment dans la formation Brick Trio, et son projet de composition solo sur synthétiseur modulaire, Errance. Durant les dernières années, il a composé la musique originale des documentaires 2012/Dans le cœur (2022), Évictions (2023) et tout récemment, L’odeur du diesel (à paraître en 2026).
Rémy Jannelle - Les décors interactifs en performance électroacoustique : vers une scénographie musicalisée
Vendredi 10 octobre 2025 à 12h - laboratoire B-325
Les technologies numériques transforment la performance artistique, notamment la musique électroacoustique, en rendant accessibles de nouveaux outils de création et d’interprétation. Plusieurs artistes-chercheurs ont ainsi développé des instruments de musique numériques qui prolongent ou réinventent le rôle de l’instrument traditionnel dans la performance. Ce projet de recherche-création s’inscrit dans ce champ, mais se distingue en explorant un autre point de rencontre : la scénographie comme instrument.
Autour du théâtre musical, de la scénographie, des instruments de musique numériques et de la composition, cette conférence-concert présentera l’avancement de son projet de recherche-création portant sur l’interprétation de la musique électroacoustique par le biais d’éléments scénographiques. L’artiste-chercheur y interprétera aussi À la recherche d’un sens, une œuvre performative jouée avec un IMN en cours de développement, qui permet de contrôler la musique à travers la scénographie.
Rémy Jannelle est un compositeur et artiste-chercheur basé à Montréal, actif dans les milieux de l’art numérique et de la musique expérimentale. Il commence ses études en musique au cégep comme batteur, puis obtient un baccalauréat par cumul comprenant une mineure en histoire de l’art et une majeure en anthropologie, avant de se tourner vers des études en musique. Son parcours universitaire l’amène à développer un intérêt pour la lutherie numérique et les performances interdisciplinaires. Grâce à la fabrication de décors interactifs, il explore des techniques d’interprétation musicale. Son parcours l’a amené à collaborer avec plusieurs artistes et compagnies, dont Brigitte Poupart, le cirque Éloize, Martin Messier et Tom Jacques, en tant que compositeur, arrangeur, programmeur et luthier numérique. Parallèlement, il évolue dans deux projets musicaux : désolé courage, un duo noise-ambient et Surcompensation, un collectif d’improvisation expérimentale.
Marco Donnarumma - Serial Experiments - From biophysical music to human-machine configuration
Vendredi 17 octobre 2025 à 12h - B-379
How can machines help understand the human body’s expressivity and, conversely, how can the body help understand machine agency? This question – central to contemporary human-machine relations – frames challenges in art, technology and music that will shape culture over the coming decade. In this talk I will present a research trajectory that through the past fifteen years brought me to explore questions of human and computational agency by integrating artistic research with methods and techniques from physiological computing, machine learning and AI, robotics, engineering, music and psychoacoustics. Transdisciplinary in nature, my practice manifests itself in multiple artistic formats, such as pieces for biophysical music, cyberarts installation and machine-mediated stage performances. In focus is the analysis and creation of alternative forms of human embodiment that rely on sound as affect. Here human bodies and machines are co-dependent: they attune to and influence each other, manipulate their respective materiality, and, in doing so, they both become active subjects in the process of artistic creation; a condition I call human-machine configuration. This approach unravels a new perspective on the relation of human embodiment and machine agency. On one hand, what is considered the ‘normal’ human body is revealed as a fictional construction, allowing thus the intrinsic multiplicity of corporeal experiences to rise to the foreground. On the other, machines are shown to not only aid a human body, but to be incorporated by it, driving changes in perception, expression and autonomy
Marco Donnarumma is an artist, inventor and theorist. His oeuvre confronts normative body politics with uncompromising counter-narratives, where bodies are in tension between control and agency, presence and absence, grace and monstrosity. He is best known for using sound, AI, biosensors, and robotics to turn the body into a site of resistance and transformation. He has presented his work in thirty-seven countries across Asia, Europe, North and South America and is the recipient of numerous accolades, most notably the German Federal Ministry of Research and Education's Artist of the Science Year 2018, and the Prix Ars Electronica's Award of Distinction in Sound Art 2017. Donnarumma received a ZER01NE Creator grant in 2024 and was named a pioneer of performing arts with advanced technologies by the major national newspaper Der Standard, Austria. His writings are published in Frontiers in Computer Science, Computer Music Journal and Performance Research, among others, and his newest book chapter, co-authored with Elizabeth Jochum, will appear in ‘Robot Theaters’ by Routledge. Together with Margherita Pevere he runs the performance group Fronte Vacuo.
https://marcodonnarumma.com
https://scholar.google.com.hk/citations?user=qMV5UIAAAAAJ&hl=en
James O'Callaghan - La peur du noir : l'objet sonore et la désincarnation dans la musique électroacoustique
Vendredi 31 octobre 2025 à 12h - B-379
Lors de cette conférence, je présenterai ma nouvelle création acousmatique « Fear of the Dark » et aborderai la notion de matérialité dans la musique électroacoustique. Quels contextes favorisent l'abstraction de la source sonore, de ses contextes et de sa physicalité, et lesquels attirent l'attention ?
James O'Callaghan est un compositeur et artiste multimédia basé entre Berlin et Montréal. Son travail a été décrit comme «bien personnelle, qui possède sa propre couleur ancrée dans l’imprévisible». (Goethe-Institut) Ses œuvres comprennent de la musique de chambre, orchestrale, électroacoustique et acousmatique, des installations sonores, œuvres vidéos, des performances in situ, electronic dance music, et de la collaboration interdisciplinaire — plus récemment avec le chorégraphe Edouard Lock et l'artiste Lois Brown. En 2016, un album de ses œuvres acousmatiques, Espaces Tautologiques, est sorti chez empreintes DIGITALes, et sa collaboration prolongée avec l'Ensemble Paramirabo a donné lieu à un album portrait de ses œuvres en 2019, intitulé Alone and unalone.
Stephanie Moore - Dematerializing et Reconfiguring: L'emploi d'une musique instrumentale dans un contexte acousmatique
Vendredi 7 novembre 2025 à 12h - B-379
La compositrice montréalaise Stephanie Moore, diplômée de l’Université de Montréal, tracera l’évolution d’une série d’études en techniques de montage acousmatique, qui ont été à la base d’un projet de recherche et création subventionné par le Conseil des arts du Canada. Ce projet propose un album de style « concept » (comme on trouve dans la musique pop), tirant son inspiration à la fois de Bernard Parmegiani (De Natura Sonorum, 1975), et de techniques traduites de la cuisine d’avant-garde.
Avec la sortie imminente de la version complète de son album en stéréo, ainsi que la sortie de chaque pièce mixée en Dolby Atmos, elle présentera les grandes lignes conceptuelles du projet et rentrera en détail sur la composition de deux pièces en particulier : WaiMoRightTheForMentting / Dematerializing et Melody, Objects and Inlays / Reconfiguring. Celles-ci partagent comme source sonore commune, une pièce pour orchestre de chambre, Waiting For the Right Moment (2008), et Stephanie élaborera sur l’emploi d’un tel matériau sous une approche acousmatique.
La compositrice Stephanie Moore est aussi à l’aise dans l’univers de la musique instrumentale que dans celui de la musique électroacoustique, avec un intérêt particulier pour la musique mixte, qui combine les deux. Depuis son arrivée à Montréal en 2009, pour faire une maîtrise en composition à l'Université de Montréal, sa palette créative s’est élargie pour inclure le son enregistré (instruments et objets du quotidien), le paysage sonore environnemental, les enregistrements échantillonnés et le son électronique, en plus des instruments occidentaux standards. Elle a reçu des commandes de l’Ensemble Paramirabo, de New Adventures in Sound Art, du Cluster Festival + Plumes Ensemble, de l’Ensemble In Extensio et de Voces Boreales + Bradyworks, entre autres. Sa musique a été présentée au festival Sound Travels de New Adventures in Sound Art (Toronto), au New York City Electroacoustic Music Festival et au Cluster New Music and Integrated Arts Festival (Winnipeg). Stephanie a également composé et conçu des environnements sonores pour le théâtre, notamment pour I’m Not Here (SummerWorks Performance Festival à Toronto) et Zoom-Boom-Boom, un concert théâtral co-créé avec l’écrivaine Alexis Diamond et co-produit par les Jeunesses Musicales du Canada. Cette œuvre, qui propose d'initier le jeune public à la musique électroacoustique, a été présentée à la Place des Arts (Montréal), au Centre national des Arts (Ottawa) et à plusieurs reprises dans la région de Montréal de 2019 à 2023. Au cours des dernières années, Stephanie s’est concentrée principalement sur la composition de musique électroacoustique et la création d’un album concept de musique acousmatique, qui paraîtra en versions stéréo et audio immersif (Dolby Atmos) en décembre 2025.
Alexander Bridger - L’intégration des traditions folkloriques de Terre Neuve dans l’art lyrique contemporain
Vendredi 14 novembre 2025 à 12h - B-379
Alexander Bridger est un compositeur, interprète et artiste multidisciplinaire originaire de Terre-Neuve. Son travail explore les liens entre la mémoire culturelle, le folklore et la création musicale contemporaine. Son approche expérimentale, qui mêle pop psychédélique et traditions musicales terre-neuviennes, lui a valu d’être nommé « l’auteur-compositeur le plus original de St. John’s » par Overcast Magazine, ainsi que des présentations à la Sound Symposium, Le Vivier, et au festival POP Montréal. Les lecteurs de CultMTL l’ont élu parmi les « Best Weirdos » de Montréal, saluant son approche singulière et iconoclaste de la composition et de la performance.
Actuellement à la maîtrise en composition à l’Université de Montréal, il poursuit une recherche-création portant sur l’intégration du folklore terre-neuvien dans la musique contemporaine, grâce au soutien du Conseil de recherches en sciences humaines du Canada (CRSH) et du Fonds de recherche du Québec (FRQ).
Sa présentation de colloque portera sur la genèse de son opérette Trumpeters of Old St. John’s (2025), une œuvre qui tisse les traditions folkloriques de Terre-Neuve dans un cadre opératique contemporain. À travers la figure médiatique et mystique de Geoff Stirling, le projet interroge la mémoire, la spiritualité et la transformation culturelle dans la musique d’aujourd’hui. Alexander Bridger y dévoile son processus de composition, les sources folkloriques et textuelles qui ont nourri l’œuvre, ainsi que les enjeux esthétiques et identitaires liés à la réinvention du patrimoine musical à l’ère contemporaine.
Edwin H. Ng - Composition instrumentale et paysages sonores : un projet de recherche-création sur l’écologie sonore en musique contemporaine
Vendredi 21 novembre 2025 à 12h - B-379
La présentation portera sur l'avancement du projet de doctorat du compositeur. Le projet explore une nouvelle forme de composition musicale engagée, en plaçant l’écologie au cœur de la création instrumentale contemporaine. Inspiré par la tradition canadienne du paysage sonore portée par R. Murray Schafer, Barry Truax et Hildegard Westerkamp, il propose d’élargir cette pratique, historiquement électroacoustique et fondée sur des enregistrements de terrain, vers une approche instrumentale capable d’évoquer l’environnement sans recourir à ses sons réels.
Alors que la musique électroacoustique capte directement la réalité sonore, sa diffusion par haut-parleurs peut limiter la connexion humaine. À l’inverse, la musique instrumentale, bien que plus abstraite, bénéficie de la présence scénique des interprètes, favorisant une interaction directe avec le public et une sensibilisation émotionnelle aux enjeux écologiques.
Edwin H. Ng est un compositeur basé à Montréal. Sa démarche artistique explore la création de compositions à base de paysages sonores dans le médium de la musique instrumentale. Ses oeuvres ont été interprétées en Autriche, au Canada, en Finlande et en Russie. Quelques prix et bourses reçues incluent un premier prix du concours SOCAN des jeunes compositeurs. Il poursuit actuellement un doctorat en composition à l'Université de Montréal.
Matteo Tomasetti & Consuelo Donati - Immersive Territories: Audiovisual Performance and Narrative Today
Vendredi 5 décembre 2025 à 12h - B-379
This seminar explores the evolving landscape of immersive live audiovisual performance, focusing on how contemporary technologies and artistic languages shape new forms of narrative and expression. Through a mix of presentation and open discussion concerning the audiovisual performance Ife, participants are invited to actively reflect on gesture, interactivity, live visuals, spatial sound, and current trends in multimedia art and electronic music. The session encourages open dialogue and exchange, fostering a shared exploration of emerging directions in immersive audiovisual performance.
Matteo Tomasetti (he/him) is an Italian sound artist and live performer creating immersive musical experiences where gesture-based interfaces and spatial audio play a central role. With a background in electronic music and audiovisual composition, and a Ph.D. in Music Technology from the University of Trento, his artistic practice spans acousmatic and electroacoustic music, techno, ambient and IDM productions, experimental electronics, as well as sound art and multimedia and interactive installations. His works have been performed at venues and festivals worldwide, including Ars Electronica, Venice Biennale, Gaudeamus Festival, ICMC, NIME, New York City Electroacoustic Music Festival, Videocittà Festival, Live Cinema Festival, and many others. Under the alias ShapeDaze, he performs IDM and experimental music, blending influences from ambient, acousmatic, glitch/noise, and techno/rave. Matteo is also the co-founder of the BitNet01 collective, which organizes electronic music and digital art festivals across Italy and Europe.
Consuelo Donati (she/her) is an Italian multimedia artist whose transdisciplinary practice spans audiovisual performance, interaction design, immersive installation, and scenography. She holds a Bachelor’s degree in Visual Arts from the Academy of Fine Arts in Bologna and a Master’s in Multimedia Arts and Interaction Design from the Rome University of Fine Arts (RUFA). Her work explores the intersections between the physical and digital realms, often focusing on interactivity and the relationship between body and technology. She has taken part in several artistic residencies across Italy, including Centrale Fies, Lavanderia a Vapore, Spazio 500, Garage Lab, and Fabbrica Urbana. She is the co-founder of BitNet01, a collective that curates festivals throughout Europe dedicated to audiovisual performances, immersive installations, and digital art. She is also co-founder of Clon_E, an art collective created in Bologna with multimedia artist Silvia Parolini, devoted to hybrid and interactive artistic research.
