Archives du Colloquium
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2024
18 janvier 2024 - Caroline Traube - Perspectives interdisciplinaires sur la composition et la création sonore au sein de l'écosystème de la recherche en musique à Montréal
25 janvier 2024 - Simon Grégorcic et Matthieu Galliker - Approche collaborative de la création musicale : Processus de recherche compositionnelle et d’analyse autour du projet EROC3
1er février 2024 - Mael Oudin et Benjamin Lavastre - Perception Audio-Visuelle d'une Pièce pour Karlax et Ensemble
1er février 2024 - Alithéa Ripoll - Une Maison dans la main: opéra en réalité augmentée, co-création interdisciplinaire
8 février 2024 - Giuseppe Masia - Rip The Needle
15 février 2024 - Quatuor Bozzini - Le Quatuor Bozzini présente Harmonies inouïes<
14 mars 2023 - Ana Sokolovic - Folklore imaginaire
4 avril 2023 - Eliazer Kramer - De l'acoustique au virtuel: Développement d'une pratique de composition idiomatique pour l'orchestre virtuel
11 avril 2024 - Amichai Ben Shalev - Modèles extra-musicaux : ma démarche pour définir la forme, le matériau sonore et les techniques compositionnelles
12 septembre 2024 - Marie-Pierre Brasset - L'envers et l'endroit du monde: perdurer, s'adapter, s'émerveiller
19 septembre 2024 - Simon-Luc Laporte - Processus d'adaptation de la maladie chronique par l'exploration des technologies de création sonore
26 septembre 2024 - Eric Lyon - Automated Sound Design
3 octobre 2024 - Geneviève d'Ortun - Fondamentale absente - phénomène psychoacoustique et utilisations conceptuelles
10 octobre 2024 - Ludwig Berger - The Proximity Effect. Listening closely in the more-than-human world
17 octobre 2024 - Manja Ristić - Water memory
31 octobre 2024 - Robert Normandeau - Le médium c'est l'espace
7 novembre 2024 - Philippe Pasquier - L'intelligence artificielle générative en musique: craintes et espoirs
14 novembre 2024 - Émilie Fortin & Marilène Provencher-Leduc - Émanants : une expérience sonore immersive
21 novembre 2024 - Estelle Schorpp - A Conversation Between a Partially Educated Parrot : processus de création d'une performance musicale pour ordinateur et gramophone augmenté
5 décembre 2024 - David Caulet - On tue les Variations Goldberg Quelque part entre Bach et Oswald
Caroline Traube
Perspectives interdisciplinaires sur la composition et la création sonore au sein de l'écosystème de la recherche en musique à Montréal
Jeudi 18 janvier à 12h30 - B-521
Conférence co-présentée avec le Vivier InterUniversitaire
Au fil des vingt dernières années, plusieurs institutions inter-universitaires de recherche et de recherche-création en musique ont vu le jour en territoire montréalais. En particulier, des regroupements stratégiques interdisciplinaires soutenus par les Fonds de recherche du Québec (FRQ) ont structuré la recherche en musique dans les trois grands secteurs des connaissances : (1) les sciences humaines et sociales à l’OICRM (Observatoire interdisciplinaire de création et de recherche en musique) - https://oicrm.org/, (2) les sciences et technologies au CIRMMT (Centre Interdisciplinaire de Recherche en Musique, Médias et Technologies) - https://www.cirmmt.org/fr et (3) les neurosciences et leur application à la santé au CRBLM (Centre de recherche sur le cerveau, le langage et la musique) - https://crblm.ca/fr/, et au laboratoire affilié BRAMS - https://brams.org/. À ces regroupements s’ajoutent d’autres structures, comme Hexagram - https://hexagram.ca/ , qui permettent d’établir des collaborations en recherche-création dans le domaine des arts visuels. Cette présentation sera l’occasion de dresser un portrait actuel de cet écosystème complexe et de discuter des possibilités qui s’offrent aux étudiantes et aux étudiants en composition et création sonore, notamment aux travers de collaborations interdisciplinaires au sein des différentes structures que sont les regroupements stratégiques, les chaires de recherche et les partenariats de recherche.
Caroline Traube est professeure titulaire à la Faculté de musique de l’Université de Montréal où elle enseigne et mène des recherches dans les domaines de l’acoustique musicale, la psychoacoustique, la musicologie numérique et l’étude de la performance musicale. En complément à sa formation en technologies de la musique (Ph.D., Université McGill) et en génie électrique et télécommunications (Eng., CCRMA/Université de Stanford, États-Unis; Ir. Faculté polytechnique de Mons, Belgique), elle a étudié le piano, ainsi que la composition électroacoustique au Conservatoire Royal de Mons en Belgique. Elle dirige le Laboratoire de recherche sur le geste musicien (LRGM) dont la mission est de soutenir l’étude interdisciplinaire des pratiques musicales ainsi que le transfert des connaissances entre les milieux scientifiques et artistiques. Ses recherches, portant sur l’expression musicale et l’interaction entre les musicien-nes et leur instrument des points de vue biomécanique, acoustique et perceptif, relèvent du domaine de la musicologie expérimentale et se situent à l’intersection des sphères d’activité de l’OICRM, du CIRMMT et du BRAMS. Elle se consacre aussi au phénomène de la production et de la perception multimodale du timbre instrumental ainsi qu’à l’orchestration et sa réalisation par les interprètes, dans le cadre du partenariat de recherche ACTOR - https://www.actorproject.org (Analysis, Creation and Teaching of ORchestration).
Simon Grégorcic et Matthieu Galliker
Approche collaborative de la création musicale : Processus de recherche compositionnelle et d’analyse autour du projet EROC3
Jeudi 25 janvier à 12h30 - B-521
Notre étude se penche sur le cas de la création d’Accords secrets pour sept instruments et électronique de Simon Grégorcic. S'inscrivant dans le cadre d'un séminaire associé à la troisième édition du projet Ensemble de recherche en orchestration contemporaine (EROC3) du regroupement scientifique Analysis, Creation, and Teaching Timbre and Orchestration (ACTOR), cette collaboration a réuni une équipe de sept étudiant·e·s en interprétation, Matthieu Galliker (musicologie) et Simon Grégorcic (composition) pour réfléchir, expérimenter et mettre en œuvre des problématiques liées au timbre et à l’orchestration, à travers un processus participatif de création ayant abouti sur un concert en avril 2023.
Ce processus a rapidement été canalisé autour des idées de paysage sonore et d’espace musical. Sur les suggestions de chaque membre à propos d'enjeux poétiques et techniques (modes de jeux instrumentaux, résonance et spatialisation, écriture instrumentale, technologie), l'œuvre a progressivement pris forme pour aboutir à Accords secrets. Tout au long de cette collaboration, un suivi musicologique a été réalisé afin de rendre compte des stratégies de création qui ont été empruntées. Notamment guidée à travers les concepts d'« atelier » et d' « espace », la présente communication visera à montrer ce contexte de travail, ses enjeux et limites et les mettra en perspective à l'aune d’une analyse de la pièce pour en faire ressortir le parcours collaboratif.
Après une formation de pianiste au Conservatoire de Versailles dans la classe de François Chaplin, Simon Grégorcic entame en France une carrière de pianiste accompagnateur et de professeur de musique. À partir de 2014 il poursuit une formation en composition instrumentale au Conservatoire de musique de Montréal, et poursuit actuellement un doctorat à l’Université de Montréal sous la direction de Caroline Traube et Jimmie LeBlanc. Il a collaboré dans des projets divers avec l’Ensemble Contemporain de Montréal (Véronique Lacroix), L’Orchestre symphonique de Montréal (Kent Nagano), Le Winnipeg Symphony Orchestra (Julian Pellicano), l’Orchestre de la francophonie (Simon Rivard) entre autres...
Après des études en musicologie et histoire du théâtre musical ainsi qu’en histoire de l’art effectuées à l’Université de Fribourg en Suisse, Matthieu Galliker entreprend en 2022 une thèse de doctorat à la Faculté de musique de l’Université de Montréal, portant sur l’imitation des chants d’oiseaux dans la musique humaine de 1950 à nos jours. Membre de l’Observatoire interdisciplinaire de création et de recherche en musique (OICRM), du regroupement Analysis, Creation, and Teaching Timbre and Orchestration (ACTOR) et du Centre for Interdisciplinary Research in Music Media and Technology (CIRMMT), ses centres d’intérêt s’étendent de la zoomusicologie – notamment à propos des relations entre cultures humaines et non humaines – à la sémiologie de la musique, et comprennent une attention particulière à l’intégration de réflexions touchant à la fois au processus compositionnel et à la perception de la musique.
Mael Oudin et Benjamin Lavastre (CIRMMT)
Perception Audio-Visuelle d'une Pièce pour Karlax et Ensemble
Jeudi 1er février à 12h30 - B-521
Conférence co-présentée avec le Vivier InterUniversitaire
Les performances mixtes impliquant des instruments de musique numériques (INM) et des instruments acoustiques sont rarement étudiées, et encore moins au niveau de la perception. Ce type de pièces soulève pourtant de nombreuses problématiques sur la perception des composantes acoustiques et électroniques, sur la relation sons/gestes, et sur l'identité sonore des instruments numériques. Cela est dû en partie à ce que les INM restent peu accessibles, ont des difficultés à dépasser le stade du prototype et les pratiques demeurent hautement individualisées. Le contrôleur gestuel Karlax s'appuie sur plus de dix années d'expérience et une communauté active de compositeurs et d'interprètes. Cette présentation porte sur une expérience de perception par les auditeurs d'une pièce écrite pour Karlax en interaction avec un ensemble d'instruments acoustiques. Nous avons demandé à des participants d'évaluer en temps réel le caractère soliste (proéminence perçue) de la partie de Karlax au sein de l'ensemble tout au long de la pièce. Les participants ont été divisés en deux groupes, l'un n'ayant accès qu'à l'enregistrement audio (AO) et l'autre l'enregistrement audio et l'enregistrement vidéo (AV). Les résultats montrent une cohérence dans l'interprétation de la partie Karlax pour les deux groupes. De plus, nous avons observé des réponses plus cohérentes pour le groupe avec la vidéo, confirmant les résultats sur l'influence de l'expression gestuelle sur la perception musicale (Davidson 1993, Schutz & Liscomb 2007 et Vines et al. 2006) . Les analyses des variations de réponses entre les auditeurs suggèrent des différences notables selon les moments où le Karlax joue, qui divergent également entre les deux modes de perception (AO vs. AV). Cette étude permet de mieux comprendre les mécanismes impliqués dans l'écoute (ou plus généralement dans le fait d'assister) à une pièce mixte avec des instruments de musiques numériques.
Mael Oudin est un théoricien de la musique, compositeur, orchestrateur, enseignant, contrebassiste et improvisateur. Il poursuit actuellement un PhD à l'Université McGill en théorie de la musique. Diplômé du Conservatoire national supérieur de musique de Paris en harmonie, contrepoint, fugue, orchestration et musique de film, Mael Oudin possède également un master en musicologie de l’université Paris-Sorbonne. Passionné par la rencontre entre la musique, la narration et l'image. Il a composé plusieurs dizaines de musiques originales pour le cinéma, la publicité et le spectacle vivant.
Benjamin Lavastre est compositeur et guitariste. Dans le cadre de son doctorat en composition à l'Université McGill, il s'intéresse aux instruments de musique digitaux, en particulier le Karlax. Son article "Interaction Strategies in Compositions for Karlax and Acoustic Instruments" écrit en collaboration avec Marcelo Wanderley a été retenu pour la conférence Computer Music Multidisciplinary Research en 2021. Par ailleurs, il est diplômé d'un Master en composition mixte à la Haute École de Musique de Genève.
Alithéa Ripoll (OICRM)
Une Maison dans la main: opéra en réalité augmentée, co-création interdisciplinaire
Jeudi 1er février à 13h15 - B-521
Conférence co-présentée avec le Vivier InterUniversitaire
Le projet OpéRA de poche vise à développer des opéras pour la réalité augmentée et virtuelle par un processus de cocréation interdisciplinaire qui relie recherche académique, recherche et développement technologique et création artistique. Ces opéras, qui seront accessibles sur téléphones intelligents et tablettes, permettront au public d’assister à une représentation opératique à 360° dans leur espace domestique. Ce projet a pour but de renouveler et démocratiser l’opéra.
https://creationopera.ca/projets/projet-opera-de-poche/
C'est dans une vision interdisciplinaire, conçu par, pour et avec les nouvelles technologies que parmi les cinq opéras en réalité augmentée (AR), notre « équipe 3 » réalise l'opéra Une Maison dans la main. L’idée de départ du projet était de renouveler le genre de l’opéra en créant des œuvres conçues spécifiquement pour les technologies immersives. Un élément clé de ce processus de création consistait à délaisser le mode de création habituellement séquentiel de l’opéra (rédaction du livret, puis composition de la musique, création de la scénographie et enfin captation de l’œuvre sur caméra) pour favoriser plutôt un mode de création intégré dans lequel toutes les personnes impliquées collaboraient en continu. En découle un processus créatif original que chaque équipe a dû construire au fur et à mesure ; l’objectif des notes de terrain est de documenter ce processus (https://revuemusicaleoicrm.org/rmo-vol10-n2/). Les équipes de création rendent compte de leur expérience, tout en proposant une réflexion plus poussée sur la création artistique.
À la suite d’un master en Composition au Conservatoire de Liège en Belgique, Alithéa Ripoll y enseigne à son
tour comme assistante. Elle arrête momentanément ses activités d’enseignante et de responsable pédagogique
du Centre d’Art Vocal et de Musique Ancienne de Namur pour entamer un doctorat en Composition et Création sonore
sous les co-directions d'Ana Sokolović et de Pierre Michaud à l'Université de Montréal. En parallèle de ses études,
Alithéa Ripoll est assistante de programmation pour Le Vivier, diffuseur de musiques nouvelles à Montréal.
Alimentée par l'interdisciplinarité, elle développe divers projets en collaborant avec de nombreux artistes.
Plus d'une soixantaine de compositions exécutées résultent des collaborations avec de nombreux ensembles,
notamment Musiques Nouvelles (BE), Laps (BE), Hopper (BE), Paramirabo (QC), Sepia (PL), le trio Spilliaert (BE/FR),
Fractales (BE), Sixtrum (QC), le NEM (QC), Duo Airs (QC), Ensemble Cabestan (QC)... et d'autres artistes extra-musicaux de tout genre.
Elle est régulièrement jouée dans le cadre de plusieurs festivals belges et internationaux,
aux Pays-Bas, France, République Tchèque, Pologne, Espagne, Chili et Québec.
Giuseppe Masia
Rip The Needle
Jeudi 8 février à 12h30 - B-521
Rip The Needle est une incursion à travers les sillons des vinyles altérés. Giuseppe Masia présentera l'origine du projet, et parlera des tourne-disques préparés (DIY) et du dispositif d’installations et performances sonores. La présentation sera suivie d'une démonstration en direct où le public pourra voir de près les manipulations de vinyles altérés.
Giuseppe Masia: Originaire de Sardaigne en Italie, c’est à Bruxelles, où il grandit et fera ses études en arts visuels à l’École de Recherche Graphique. En 2023, il arrive à Montréal pour poursuivre une deuxième maitrise à l’UQAM en arts visuels et médiatiques. Sa pratique artistique est pluridisciplinaire, elle s’inclut dans des champs tels que le design graphique, la sculpture, les arts sonores et de l’espace. Ses recherches et expérimentations ciblent les questions des traces, du corps, du temps, de la mémoire, de la musique et de l’identité.
Quatuor Bozzini
Le Quatuor Bozzini présente Harmonies inouïes
Jeudi 15 février à 12h30 - B-521
En prévision du concert du 20 février présenté à l’Édifice Wilder, le Quatuor Bozzini discute de la résidence de recherche sur quatre créations mondiales de compositeurs canadiens travaillant avec des systèmes microtonaux, y compris l'intonation juste. Des mélodies folkloriques imaginaires de Francis Battah aux textures homophoniques de Bekah Simms, en passant par la recherche de densité de Paolo Griffin au sein d'une musique calme et l'approche liminale de Gabriel Dufour-Laperrière inspirée par le cinétisme. Harmonies inouïes est le résultat - à partir d’esquisses jusqu’aux pièces finales - des résidences d'atelier des quatre créateurs avec le Quatuor Bozzini pendant 2023.
Depuis 1999, le Quatuor Bozzini est une voix originale à la défense des musiques nouvelles, expérimentales et classiques. Moteur de la scène hyper créative de Montréal et au-delà, le quatuor cultive une approche qui fait la part belle au risque, à l’expérimentation et la collaboration, et s’aventure hors des sentiers battus. Par leurs critères de qualité rigoureux, ils ont contribué à la création d’un répertoire diversifié qui fait fi des tendances et des modes. Au fil des ans, ils ont commandé plus de 400 pièces et en ont créé près de 500. Leur approche ouverte, collaborative et dirigée par des artistes a permis la réalisation de nombreuses productions innovantes et très appréciées, y compris des projets interdisciplinaires avec la vidéo, le théâtre et la danse.
Ana Sokolovic
Folklore imaginaire
Jeudi 14 mars à 12h30 - B-521
Ana Sokolović parlera des influences des Balkans dans son langage musical ainsi que de son approche de la musique vocale.
Figure importante de la musique contemporaine, la compositrice Ana Sokolović est née à
Belgrade (Serbie) et vit à Montréal depuis 1992. Sa musique se distingue par son univers rythmé
du folklore des Balkans, coloré d’images ludiques et inspiré de différentes disciplines artistiques.
Son vaste répertoire est régulièrement interprété par de prestigieux orchestres, ensembles et
solistes, et ce, tant sur la scène canadienne qu’à l’international. Elle s’illustre en particulier dans
ses œuvres lyriques, comme en témoigne sa quatrième place parmi les compositrices d’opéras
les plus jouées au monde (source Operabase). Un succès auquel participe son opéra Svadba qui
« semble inventer une phonétique universelle du cœur humain » (Le Monde).
De nombreux prix et reconnaissances jalonnent son parcours de compositrice, dont deux JUNO
consécutifs dans la catégorie « Composition classique de l’année » (2019 et 2020). En outre, les
pièces de Sokolović ont fait l’objet de plus d’une vingtaine d’enregistrements.
En 2020, elle rejoint la prestigieuse maison d'édition Boosey & Hawkes. L’année suivante, elle
est nommée compositrice en résidence à l’Orchestre symphonique de Montréal pour trois
saisons. En 2022, Ana Sokolović obtient la première Chaire de recherche du Canada en création
d’opéra à l’Université de Montréal où elle est également professeure de composition.
Eliazer Kramer
De l'acoustique au virtuel: Développement d'une pratique de composition idiomatique pour l'orchestre virtuel
Jeudi 4 avril à 12h30 - B-521
Une orchestration virtuelle est généralement considérée réussie lorsqu'on croit entendre une performance d'un orchestre acoustique (live). Cependant, cette perspective limite l'orchestre virtuel à être utilisé comme un substitut de son homologue traditionnel. Étant donné qu'il n'est pas limité par la jouabilité humaine, l'orchestre virtuel ouvre des possibilités esthétiques et artistiques indisponibles pour l'orchestre acoustique. Cette présentation porte sur mes compositions pour l'orchestre virtuel et ma recherche sur l'orchestration virtuelle. Je discute de l'influence de l'orchestre acoustique sur mes compositions pour l'orchestre virtuel et je discute des techniques de composition que j'ai développé pour les instruments virtuels.
Eliazer Kramer est un pianiste et compositeur originaire de Montréal. Il a fait ses études de maîtrise en piano en Suède à l’Université de Gothenburg et à l'Académie Sibelius en Finlande. En 2015, il complète son D.É.P.A. en piano interprétation à l’Université de Montréal sous la direction de Paul Stewart. Eliazer a fait ses études de maîtrise en composition avec François-Hugues Leclair et Denis Gougeon. Il termine présentement son doctorat en composition avec François-Xavier Dupas et Caroline Traube. Eliazer travaille comme compositeur chez SIDE Montréal.
Amichai Ben Shalev
Modèles extra-musicaux : ma démarche pour définir la forme,
le matériau sonore et les techniques compositionnelles
Jeudi 11 avril à 12h30 - B-521
Comment une image, un concept ou tout autre élément peut-il se transformer en musique ? Et cette source d'inspiration doit-elle être perceptible pour l'auditeur ? Pour un créateur, cette question dépasse le simple cadre théorique pour devenir une préoccupation pratique. Dans cette présentation, je partagerai mon approche dans l'utilisation d'éléments extra-musicaux et les nombreuses questions qui en découlent...
Amichai Ben Shalev est compositeur et bandonéoniste. Diplômé du Conservatoire de Buenos Aires en interprétation, il s'installe à Montréal en 2020 et réalise sa maîtrise en composition à l'UdeM sous la direction d'Ana Sokolovic. Il poursuit actuellement des études doctorales en composition. Il est également membre du groupe Les Arrivants, qui a remporté le prix Opus dans la catégorie album de musique du monde en 2024.
Marie-Pierre Brasset
L’Envers et l’endroit du monde : perdurer, s’adapter, s’émerveiller
Jeudi 12 septembre 2024 à 12h - local B-399
Cette rencontre sera axée principalement sur le questionnement du faire musical dans le monde, c’est-à-dire les répercussions de notre environnement sur la création musicale. J’illustrerai mon propos avec quelques exemples musicaux tirées d’œuvres produites ces dernières années, marquées par la fin de mon parcours académique et le travail en région éloignée.
J’aborderai aussi le concept de thaumazein (θαυμάζειν), ce terme grec ancien qui signifie la capacité de s’émerveiller et de s’étonner, notion fondamentale pour perdurer en tant qu’artiste.
crédit photo: Constantin Monfilliette
Marie-Pierre Brasset est une compositrice qui œuvre dans le milieu de la musique contemporaine depuis
plus d’une quinzaine d’années. Ses œuvres sont interprétées régulièrement un peu partout au Québec et au Canada et elle a
collaboré avec de nombreux ensembles et interprètes professionnels (Trio Fibonacci, NEM, Orchestre Métropolitain, Choros,
ECM+, Quatuor Bozzini, Fiolûtröniq, Ensemble Prisme).
Titulaire d’un doctorat en recherche-création portant sur l’opéra contemporain, Marie-Pierre Brasset a enseigné comme chargée de cours à l’Université de Montréal et a rédigé des articles sur la musique contemporaine pour différents médias (Circuit, PAN M).
Depuis quelques années, elle s’est installée au Saguenay, où elle compose et travaille à la diffusion et la promotion de la musique classique et contemporaine, notamment à la chapelle Saint-Cyriac au lac Kénogami.
L'oeuvre sera présentée le mercredi 11 septembre à 19h30 à l'Édifice Wilder dans le cadre de la saison du Vivier.
Cliquez ici pour plus d'informations.
Simon-Luc Laporte
Processus d’adaptation de la maladie chronique par l’exploration des technologies de création sonore
Jeudi 19 septembre 2024 à 12h - local B-399
La présentation portera sur mon projet de recherche dans le cadre de la maîtrise en Arts visuels et médiatiques, profil Recherche - Intervention à l’UQAM. Cette recherche qualitative et participative s’intéresse au processus d’adaptation centrée sur le sens, dit « meaning-centered coping », chez les jeunes adultes (18-30 ans) vivant avec une maladie chronique par l’exploration des technologies de création sonore. Dans le but de recréer les conditions menant à ma propre expérience d’artiste sonore face à l’adversité, l’intervention proposée explorera l’activité de co-création sonore, dans ce cas-ci, l’électrojam, comme moyen d’expression, de connexion, d’épanouissement ou de réponse aux questionnements existentiels chez l’individu.
Simon-Luc Laporte est un producteur, DJ, et artiste sonore et candidat à la Maîtrise en Arts visuels
et médiatiques à l’UQAM. C’est sous multiples alias et projets, qu’il explore les limites des technologies de création sonore.
C’est sous l’alias SIM ou Alta Familia (avec NAP et Ultima Esuna) que l’artiste repousse les frontières dans le domaine des
musiques Sound System. Son travail a été noté dans le monde entier, des États-Unis à la Jamaïque, jusqu'au Royaume-Uni,
mettant en évidence les éléments clés du Hardcore Continuum. En reprenant les théories de sonorisation Dub et Dancehall
de Lee ’Scratch’ Perry, King Tubby et Dave Kelly ou des pionniers de la Techno tels que Plastikman ou Jeff Mills,
SIM explore la relation entre l’espace, le corps et le son.
Sonic Malice est un duo d’art sonore expérimental composé de Simon-Luc Laporte et Giuseppe Masia.
Ce tandem artistique transgresse les frontières traditionnelles du son pour créer des écosystèmes auditifs.
Ils fusionnent leurs racines issues de l’ambient, du dub, du sampling et du noise dans une démarche
co-créative englobant l’entièreté de leurs pratiques respectives.
Eric Lyon
Automated Sound Design
Jeudi 26 septembre 2024 à 12h - local B-399
Sound design is a ubiquitous subject for electronic musicians working across a
staggering array of contemporary musical styles and practices. There is an extensive
literature covering the creation of Foley effects, and another body of literature
addressing domain-specific applications of sound design technique, e.g., how to make
bass sounds for Dubstep or how to produce drum sounds for Trap. There is also a computer
music literature that focuses on the mathematics of digital signal processing as it pertains
to implementing classic digital synthesis and processing techniques.
Automated Sound Design addresses the topic from a different perspective, demonstrating the
power of sound design when enhanced by automated structures implemented with computer programming.
Through the techniques and projects developed in this book, the reader will learn how to create
sound design scenarios that generate classes of sounds with controlled unpredictability and
unlimited variety of output. This adventure will reveal new ways to work with additive synthesis,
frequency modulation, analysis-transformation synthesis, drum machines, Black MIDI,
and spatialization for binaural listening.
Eric Lyon is a composer and audio researcher. His software includes “FFTease” and “LyonPotpourri.” He is the author of “Designing Audio Objects for Max/MSP and Pd,” and “Automated Sound Design,” a book that presents technical processes for implementing oracular synthesis and sound processing across a wide domain of audio applications. Lyon’s work has been recognized with a ZKM Giga-Hertz prize, MUSLAB award, the League ISCM World Music Days competition, and a Guggenheim Fellowship. Lyon is Professor of Practice in the School of Performing Arts at Virginia Tech, and is a Faculty Fellow at the Institute for Creativity, Arts, and Technology.
On the following day, composers and performers from Viriginia Tech, USA, will present their work as part of the ICAT@CIRMMT concert, on September 27, 2024 at 7:30pm.
Geneviève d'Ortun
FONDAMENTALE ABSENTE - phénomène psychoacoustique et utilisations conceptuelles
Jeudi 3 octobre 2024 à 12h - local B-399
La rencontre comprendra une démonstration du phénomène des fondamentales absentes et quelques explications possibles quant à sa perception et aux conditions nécessaires pour provoquer des résultantes. La question de comment utiliser ce phénomène de psychoacoustique d’une manière conceptuelle pour générer du matériel compositionnel sera abordée. Une performance live de la pièce Amongst Your Shadows (saxophones soprano et ténor, dispositif électronique) est également au programme.
Geneviève D’Ortun est titulaire d’un doctorat en saxophone contemporain et musique mixte (Université de Montréal) au cours duquel elle s’est penchée sur les liens entre le théâtre et la musique de création. Elle s’intéresse à l’utilisation de la musique comme élément scénographique dans la composition d’environnements sonores, à l’expression de l’état d’un personnage en sons. Comment puiser dans l’éventail de techniques instrumentales étendues pour illustrer l’arc narratif d’un personnage, et comment incarner / déplacer un corps fictif tout en jouant d’un instrument? Sa démarche artistique et sa carrière s’articulent autour d’une connexion profonde entre l’improvisation, le public et l’amour de l’art. Par conséquent, sa pratique de multi-instrumentiste est diversifiée. Oscillant entre musique(s) contemporaine(s), folk, jazz, celtique, Geneviève D’Ortun signe également la conception et la réalisation d’environnements sonores pour le cirque, le théâtre ou la danse. Elle a d’ailleurs gagné un Prix Éloize en 2020 pour la musique et l’environnement sonore du spectacle de danse contemporaine en échasses Horizon vertical (Circus Stella et LaboKracboom). En marge de la composition et de la performance, Geneviève détient un baccalauréat en enseignement (Université de Moncton), et a partagé sa passion des instruments à vent dans plusieurs institutions du Québec et de l'Acadie.
crédit photo: Steven Lederman
Ludwig Berger
The Proximity Effect. Listening closely in the more-than-human world
Jeudi 10 octobre 2024 à 12h - local B-399
With his microscopic field recordings of plants, insects and geological phenomena, Ludwig Berger explores the effect of sonic proximity to non-human bodies in the landscape. How does the relationship between the recording and the recorded change on the smallest scale? What new connections emerge when we indulge in listening to slug ASMR, photosynthetic beats, singing lice and crying glaciers?
Ludwig Berger is a landscape sound artist, musician and educator from Germany, now based in Montreal. In his compositions, installations and performances, he enables sonic encounters with the more-than-human world. In his musical work, Berger produces sonic eco-fictions with processed and synthetic sounds. He studied electroacoustic composition at the University of Music Weimar and holds a teaching certificate from the Center For Deep Listening. As a sound researcher in Landscape Architecture at ETH Zurich from 2015-2022, Berger studied the sonic dimension of Japanese gardens, alpine glaciers and water infrastructures. His work has been presented at the Venice Biennale, GRM Paris and ZKM Karlsruhe, and received an honorary mention at Ars Electronica.
Manja Ristić
Water memory
Jeudi 17 octobre 2024 à 12h - local B-399
In the lecture “Water Memory,” I would like to open the discussion about possible choreographies of listening to mnemosonic constructs – self-generative sound textures derived from spatial memory imprints deeply embedded in micro-environments. Do we have the means to listen to the past? I would like to talk about the power of intuitive composing and a field recording practice that involves gestures and site-specific intervention. Additionally, I would like to discuss the interpretation and/or poetic appropriation of the memory of a place by observing the intrinsic interrelatedness of ecological traits and the soundscape. From phenomenology to conceptual listening, can we really tap into Nature’s intelligence, and what could this process teach us about composing?
Manja Ristić, born in Belgrade in 1979, is a violinist, sound artist, published poet, curator, and researcher. She graduated from the Belgrade Academy of Music (2001), then awarded at the Royal College of Music, London, with PGDip Solo/Ensemble Recitalist (2004). As a classical solo and chamber musician, as well as a composer and an improv musician She has performed all across Europe and in the US, involving collaborations with established conductors, performers, multimedia artists, poets, and theatre/film directors.
Ristić’s sound-related research besides contemporary performance in the field of instrumental electro–acoustics, is focused on interdisciplinary approaches to sound and field recording as well as experimental radio arts.
Ristić has created commissions for major broadcasting companies across Europe, and many independent media platforms. She co-curated sonoAdriatic Tales at Ars Electronica 2020, and in the last 20 years curated and developed a distinctive number of cultural events across the Balkan region, including international projects, cultural conferences, and educational platforms in the fields of experimental sound-related arts, scene, and multimedia arts.
She is the winner of several distinctive awards for solo and chamber classical music, laureate of the Academy Charles Cros Sélection Musiques Expérimentales 2024, holds an honorable mention from the Phonurgia Nova Awards, and a Golden Award for the extended media from the Association of Fine Artists of Serbia. She is also a founding member of CENSE – Central European Network for Sonic Ecologies.
In the last decade, Ristić has published sound art independently as well as for labels and publishing bodies: LINE, Skupina, Kamizdat, DASA tapes, Unfathomless, Verdure Engraved, Naviar Records, Flag Day Recordings, Inexhaustible Editions, Radio Art Zone, Okla Records, and many more.
Works and lives on the island of Korčula, Croatia.
Robert Normandeau
Le médium c'est l'espace
Jeudi 31 octobre 2024 à 12h - local B-187
L'utilisation de l'espace comme paramètre de la composition en musique acousmatique devient de plus en plus prépondérant.
À tel point qu'on peut affirmer que le médium, c'EST l'espace.
En ce sens que l'espace composé devient un élément d'écriture fondamental et exclusif à cette pratique artistique.
Nous aborderons cette question avec ses fondamentaux théoriques d'une part.
Mais surtout avec des exemples tirés de mon répertoire des vingt dernières années.
Nous aborderons également la question des outils.
À la tête du Groupe de recherche en immersion spatiale (GRIS) fondé en 2009, j'ai conçu et produit plusieurs logiciels destinés à la composition de l'espace.
Le dernier en date, SpatGRIS, en est à 3e version et est utilisé un peu partout dans le monde surtout par des compositeurs, mais aussi par des artistes de différentes disciplines.
Nous regarderons les concepts qui ont présidé à sa conception ainsi que l'état actuel des lieux et les perspectives d'avenir.
Robert Normandeau: son travail de compositeur est principalement consacré à la musique acousmatique. Plus spécifiquement, par les sonorités utilisées et les choix esthétiques qui la tendent, sa démarche s’inscrit dans un «cinéma pour l’oreille» où le ‘sens’ contribue à l’élaboration de ses œuvres tout autant que le ‘son’. Plus récemment il a composé un cycle d’œuvres de musique immersive multicanal pour dôme de haut-parleurs. L'espace est devenu une caractéristique majeure de son travail musical.
L'espace est devenu une caractéristique majeure de son travail musical.
Il a aussi œuvré comme directeur artistique pendant plus de vingt ans, notamment pour les séries de concerts Clair de terre (Association pour la création et la recherche électroacoustiques du Québec (ACREQ)) de 1989 à 93 au Planétarium de Montréal, et Rien à voir et Akousma (Réseaux) de 1997 à 2006.
Il a été professeur de composition électroacoustique à l’Université de Montréal entre 1999 et 2024 après y avoir obtenu le premier doctorat (1992) en composition électroacoustique, sous la direction de Marcelle Deschênes et de Francis Dhomont. Il y dirige le Groupe de recherche en immersion spatiale (GRIS), qui produit des logiciels de spatialisation sonore.
Philippe Pasquier
L'intelligence artificielle générative en musique : craintes et espoirs
Jeudi 7 novembre 2024 à 12h - local B-399
L’intelligence artificielle créative est le domaine scientifique qui étudie l’automatisation partielle ou complète des tâches créatives. Que ce soit par l’augmentation des logiciels créatifs existants ou par la génération en temps réel intégrée, ces algorithmes ont un impact croissant sur les pratiques créatives. Maintenant que les algorithmes génératifs ont des compétences et performances surhumaines pour de nombreuses tâches créatives et sont déployés pour les créateurs professionnels comme pour les amateurs, il est essentiel d’étudier, d’évaluer et de discuter les implications de tels développements.
Nous introduirons les défis et les opportunités découlant de ces nouveaux outils à travers une série d’exemples de systèmes développés au Metacreation Lab et d’expériences empiriques et scientifiques menées avec ces systèmes. Nous présenterons des interfaces et outils pour les arts de la scène, la composition musicale assistée par ordinateur, la conception sonore, l’informatique du mouvement, l’animation générative et les images en mouvement, et discuterons leurs évaluations en mettant l’accent sur l’acceptation technologique, culturelle et sociologique, que ce soit par les créateurs ou leurs publics.
Philippe Pasquier / Professeur en Intelligence Artificielle Créative /École des Arts Intéractifs et des Technologies (SIAT) / Simon Fraser University, Vancouver, Canada.
Philippe Pasquier est chercheur scientifique, artiste médiatique multidisciplinaire, et éducateur. Il est directeur du Metacreation Lab pour l’intelligence artificielle créative et professeur à l’école des Arts Interactifs et des Technologies l’Université Simon Fraser à Vancouver sur la côte Ouest Canadienne. Il y poursuit un programme de recherche-création multidisciplinaire axé sur les systèmes génératifs et l’IA appliquée aux tâches créatives.
Avec ses co-auteurs, Philippe a publié plus de 200 contributions évaluées par des pairs et présentées dans les conférences scientifiques internationales les plus rigoureuses. Philippe est membre du comité de programme de la conférence internationale d’intelligence artificielle (IJCAI). Il est également à l’origine de la série d’ateliers “Musical Metacreation”, qui est devenue la conférence AI Music Creativity (AIMC). Il a démarré la conférence ACM Movement Computation (MOCO) et a présidé l’édition 2015 de l’ISEA, le Symposium International d’Art Électroniques, à Vancouver. Son cours CLOM/MOOC (cours en ligne ouvert et massif) sur l’art génératif et la créativité assistée par ordinateur sur la plateforme Kadenze sert des dizaines de milliers d’étudiants.
Le travail artistique du Metacreation Lab a été présenté dans des forums artistiques de premier plan sur six continents, notamment à Ars Electronica , Ircam / Centre Pompidou, Eastern Block, Earzoom festival (Slovénie), plusieurs éditions d'ISEA, Mutek, Sydney Biennale, FRAME Biennale, Vooruit, ZKM, ICST, Akbank, Musicacoustica, et Kilele.
Les projets du Metacreation Lab trouvent également des applications industrielles dans l’industrie du logiciel créatif et ont obtenu le soutien et la reconnaissance de plus de 20 institutions scientifiques ou culturelles, dont le Conseil de recherches en sciences naturelles et en génie du Canada (CRSNG), le Conseil de recherches en sciences humaines du Canada (CRSH), MITACS, le Conseil des arts du Canada (CCA), l’Australian Research Council (ARC) et l’Australian Council for the Arts, le ministère français de la Culture et de la Communication et la Communauté Européenne.
Pour en savoir plus sur le Metacreation Lab : http://www.Metacreation.net
En savoir plus sur Philippe Pasquier : http://www.sfu.ca/pasquier
LinkedIn : https://www.linkedin.com/in/philpass/
Cours en ligne sur l'IA créative : https://tinyurl.com/ycvleqlm
Émilie Fortin & Marilène Provencher-Leduc
Émanants : une expérience sonore immersive
Jeudi 14 novembre 2024 à 12h - local B-399
En collaboration avec Innovations en concert, les ensembles Bakarlari et ILÉA présentent Émanants,
une expérience sonore immersive dans l’espace de la chapelle de la Cité-des-hospitalières.
Ce concert in-situ mettra en vedette six nouvelles créations canadiennes entrecoupées
d’improvisations structurées et aura lieu les 29, 30 novembre et 1er décembre 2024. - Lien vers l'évenement -
Comment compose-t-on avec un espace précis en tête? Comment interagit-on lorsque le son devient membre à part entière de l'ensemble?
Le processus de création et d'improvisation d'Émanants sera abordé lors de cette discussion,
de même que l'historique ainsi que les défis inhérents à une production comprenant douze interprètes.
Marilène Provencher-Leduc: la flûtiste Marilène Provencher-Leduc est titulaire d’un doctorat en
interprétation de l’Université de Montréal et est également diplômée du Conservatoire de musique de
Montréal. Animée d’une grande curiosité pour un répertoire diversifié, la flûtiste se perfectionne
en musique contemporaine puis intègre la musique du monde et l’improvisation à sa pratique instrumentale.
Elle enregistre et monte régulièrement sur scène avec de nombreux artistes reconnus tels que Michel
Rivard, Philippe Brach, Alex Nevsky, Vincent Vallières, Plants and Animals, Félix Dyotte, Saratoga,
Ce qui nous traverse, Ludovic Alarie, etc. Comme soliste, elle est invitée par l’Ensemble contemporain
de Montréal en 2019 (ECM+), l’Orchestre symphonique de Trois-Rivières (2017), l’Ensemble contemporain
de McGill (2018), la Société de Concerts de Montréal (2017), etc.
Émilie Fortin: la pratique artistique d’Émilie Fortin tourne autour de trois axes : la création de nouveau répertoire via une étroite collaboration entre interprète et compositeur.trice, l’exploration de nouveaux sons à travers l’improvisation ainsi que la pédagogie.
Cherchant constamment à enrichir le répertoire de la trompette, elle a participé à la création de plus d’une cinquantaine d’œuvres. Ses collaborations incluent des éléments physiques, en lien avec ses diverses formations en mime corporel, danse et théâtre. Depuis 2018, elle est également la directrice artistique du collectif de solistes Bakarlari, qui se dédie à la musique contemporaine et de création en version solo en offrant des expériences de concert qui sortent du cadre traditionnel.
Comme improvisatrice, le jeu d’Émilie se caractérise “par sa clarté sonore et son phrasé asymétrique inventif”
(Scott Thomson, directeur artistique du FIMAV). Ses collaborations dénombrent des enregistrements et des
performances avec, entre autres, l’Ensemble SuperMusique, le Ratchet Orchestra et le GGRIL. Elle est
également membre de l’ensemble torontois Freesound, qui se consacre à la musique contemporaine sous toutes
ses formes, et du duo de mime sonore improvisé ék, avec le tromboniste Kalun Leung.
Estelle Schorpp
A Conversation Between a Partially Educated Parrot : processus de création d'une performance musicale pour ordinateur et gramophone augmenté
Jeudi 21 novembre 2024 à 12h - local B-399
A Conversation Between a Partially Educated Parrot and a Machine est une performance musicale pour
ordinateur et gramophone augmenté. Grâce à l'utilisation d'archives d'enregistrements d'oiseaux
originaux et numérisés datant des années 1930, cette performance explore les relations historiques
entre les oiseaux, les humain-es et les technologies de reproduction sonore.
Lors de cette présentation, l'artiste expliquera les différentes stratégies conceptuelles
techniques et esthétiques qui ont menées à la réalisation d'un projet qui propose une expérience
sonore immersive dans laquelle les oiseaux, les machines et les humain-es font de la musique ensemble.
Estelle Schorpp est une artiste sonore et compositrice basée à Montréal, active dans le domaine de la musique expérimentale et de l'écologie sonore.
Elle utilise les outils et les méthodes de la recherche-création pour mettre en place des projets
qui posent un regard critique et créatif sur notre relation avec l'environnement sonore.
Intégrant des concepts issus de disciplines telles que l'écologie sonore, les sound studies,
la théorie des médias, l'histoire des sciences, l'acoustique et la psychoacoustique,
son approche polymorphe combine la performance, l'installation sonore et la composition
algorithmique, ainsi que la communication académique et la rédaction d'articles scientifiques.
David Caulet
On tue les variations Goldberg - Quelque part entre Bach et Oswald
Jeudi 5 décembre 2024 à 12h - local B-399
On tue les Variations Goldberg est une pièce composée durant l’hiver 2024. Elle s’inscrit dans UKW, un projet en recherche-création mené dans le cadre du cursus de doctorat en musique, option Composition et création sonore de l’Université de Montréal. Durant cette rencontre, je propose d’expliciter les processus de création de cette pièce, basés sur le procédé d’échantillonnage de matériaux musicaux existants.
Saxophoniste de formation, le parcours artistique de David Caulet l’a
amené à explorer plusieurs cultures musicales. Ska, punk, salsa, funk
dans les années 1990, puis le jazz, les musiques improvisées et les
musiques électroniques au tournant des années 2000. Fortement guidé
par l’improvisation, son travail de création est influencé par ces divers
courants et navigue autour de cette croisée de chemins musicaux.
Aujourd’hui résident à Montréal, il suit le programme universitaire de
doctorat « Composition et création sonore » à l’Université de Montréal
et se consacre presque exclusivement à la musique électronique et à la
composition depuis ces dernières années.
