Nouvelles du Colloquium
Le Colloquium d'études supérieures en composition et création sonore est une série de conférences ouvertes à tout public qui a lieu tous les jeudis de 12h30 à 14h au local B-399 de la Faculté de musique de l'Université de Montréal - 200 avenue Vincent-d'Indy. L'entrée est libre, vous êtes les bienvenu·e·s!
Gabriel Schwartz
Illustrations du Brésil à travers le rythme et les couleurs sonores
Jeudi 30 novembre à 12h30 - B-720
La démarche artistique de Gabriel Schwartz porte sur l’intégration d’éléments de la musique populaire brésilienne dans la composition de musique contemporaine, de façon à les resignifier dans ce nouveau contexte. L’idée de son projet de doctorat est de composer une série de pièces pour des ensembles variés, afin d'explorer les caractéristiques de certains instruments traditionnels issus de différents styles de musique brésilienne. À partir de l’appréciation de la sonorité générale de ces instruments et styles, notamment les rythmes traditionnels, l’idiomatisme et les timbres particuliers de chaque instrument, l'objectif est d’en créer une représentation sonore non réaliste et originale, mettant l'accent sur la transformation des rythmes et l'utilisation des nouveaux modes de jeu à l'orchestration.
Musicien depuis plus de vingt-cinq ans, Gabriel Schwartz, né à Curitiba-Brésil, est diplômé de l’École de Musique et des Beaux-Arts de l’état du Paraná et du Conservatoire de Musique Brésilienne de Curitiba. En 2020 il accomplit le programme de Maîtrise en Composition et Création Sonore à l’Université de Montréal sous la direction de recherche la compositrice Ana Sokolović. En 2023 il débute le doctorat afin d’approfondir sa recherche en composition. En tant que multi-instrumentiste, il joue plusieurs instruments comme la flûte, le saxophone, la batterie, la percussion brésilienne, la guitare. Actuellement Gabriel présente son Projet Solo, un concert où il interprète seul des morceaux du répertoire brésilien au moyen de ses instruments et d’un appareil d’enregistrement en boucle (le loop station). Investi sur la scène musicale montréalaise, Gabriel donne également des cours de pandeiro (tambourin brésilien) e Choro (style de musique brésilienne) au Centre des musiciens du monde.
À propos
Le Colloquium consiste en des
présentations faites par les étudiants, les chargés de cours, les professeurs,
ainsi que des conférenciers invités en musicologie, composition et interprétation.
Il met l’accent sur
les processus de la composition de musiques électroacoustiques, instrumentales, mixtes et interactives
ainsi que l’improvisation et l’interprétation de ces musiques, les nouveaux médias,
la vidéomusique, l’informatique musicale, l’acoustique, la psychoacoustique et les technologies de la musique.
Le Colloquium d'études supérieures en composition et création sonore
est également un cours-année qui peut être suivi par les étudiants de 2eme cycle pendant la scolarité,
et par les étudiants de 3eme cycle pendant la scolarité et la rédaction.
Le cours est siglé:
-MUS 6411,
MUS 6412,
MUS 6413,
MUS 6414
à la Maîtrise et au DESS
-MUS 7411,
MUS 7412,
MUS 7413,
MUS 7414
au Doctorat.
Responsable: Ana Dall'Ara-Majek, professeure invitée à la Faculté de musique - contact: ana.dallara@umontreal.ca
Auxiliaire d'enseignement: Matthieu Galliker, étudiant au Doctorat en musicologie à la Faculté de musique
Calendrier - AUTOMNE 2023
14 septembre La musique du dialecte : composition basée sur les modes d'élocution à Terre-Neuve et au Québec |
21 septembre About Nothing but music |
28 septembre Faire crier la musique : De Schrei à Broken Voices: électroacoustique, voix et mixage |
|
5 octobre Arborescence de trajectoire spatio-temporelle,
ramification des différentes branches esthétiques à travers mes réalisations artistiques |
12 octobre Les manifestations de l’espace en musique expérimentale : une démarche de recherche-création |
19 octobre
|
26 octobre De l'entropie à l'harmonie : Création sonore et apprentissage machine |
2 novembre Everyday Intimacies: Exploring the (Im)perceptible Aliveness of Places and Things |
9 novembre Orion: The turning-point of Vivier’s compositional oeuvre
|
16 novembre Le concert augmenté : nouveaux espaces acoustiques pour la performance musicale |
23 novembre « Fragments d’un rêve sans fin », le mystère et le lointain dans ma musique |
30 novembre | 7 décembre |
Jason Noble
La musique du dialecte : composition basée sur les modes d'élocution à Terre-Neuve et au Québec
Jeudi 14 septembre à 12h30 - en ligne (inscriptions: ana.dallara@umontreal.ca)
Les mélodies, les rythmes et les couleurs de la parole nous entourent de musique en permanence.
Les dialectes régionaux distincts représentent des nuances particulières de musique parlée qui sont profondément ancrées dans
l'identité de la communauté. Dans cette présentation, le compositeur, nouveau membre du corps professoral
de l'Université de Moncton, ancien membre de l'Université de Montréal, et natif de Terre-Neuve,
Jason Noble, examine la musique de la parole - en particulier les dialectes de Terre-Neuve - et
décrit son processus de travail avec cette musique pour la composition de son prochain album pour
guitare, parole enregistrée et électronique, One Foot in the Past (Un pied dans le passé).
La première partie de la présentation se concentrera sur les modèles de parole eux-mêmes et
la musique qui leur est inhérente : leur phonétique, leur acoustique, leur généalogie et
le processus de transcription en notation musicale. La deuxième partie se concentrera
sur les processus de composition basés sur la musique de la parole : tisser des
fragments mélodiques, réaliser des implications harmoniques, et utiliser diverses
procédures électroniques et instrumentales pour créer des mondes sonores à partir,
à travers et autour de la parole.
Jason Noble est le nouveau professeur de composition de l'Université de Moncton. Il a obtenu son doctorat en composition et perception musicale à l'Université McGill, puis a été boursier postdoctoral dans le cadre du projet ACTOR (Analysis, Creation, and Teaching of Orchestration) et à l'Université de Montréal (FRQSC). Il a composé pour une grande variété de médias et de genres. Ces dernières années, il s'est particulièrement concentré sur la guitare : ses compositions pour guitare figurent sur cinq albums commerciaux, dont Focus de Steve Cowan et Adam Cicchillitti, qui a remporté le East Coast Music Award pour l'enregistrement classique de l'année (2021). Également un chercheur accompli, Jason a vu ses recherches publiées dans des revues à comité de lecture telles que Music Perception, Journal of New Music Research, Music Theory Online et Interdisciplinary Science Reviews. Il est rédacteur et auteur collaborateur de l'Oxford Handbook of Orchestration Studies, qui paraîtra prochainement.
Yuji Itoh & Sakoto Inoue
About 'nothing but music'
Jeudi 21 septembre à 12h30 - B-720
What is 'nothing but music', established by pianist Satoko Inoue and composer Yuji Itoh?
About Satoko’s annual recital - this year her 33rd - and 232 contemporary works including 45 her commissioned works.
What projects has ‘nothing but music’ realized and how?
What is the 'Lafcadio Hearn project’ that will be performed in Montreal?
About our life with contemporary works.
Yuji Itoh (composer). Born in Nagoya (Japan),1956. Studied composition and electro-acoustic music at the Tokyo Gakugei University and hold a postgraduate degree. While still a student, he made his debut in 1977 with ‘Furikaeri 1’ for violin and piano, and since then his works have been performed not only in Japan but also internationally at festivals such as the Bourges International Electroacoustic Music Festival (France), ASPEKTE International Festival fur Musik unserer Zeit (Austria), Distat Terra Festival (Argentina) and a lot of cities. In addition, he has given many lectures on contemporary music in Japan and on his own compositions. As director of 'nothing but music', he has organised and produced international concerts such as 'Hommage à Breccia', '4 days concerts and Symposium-Contemporary Music from Switzerland' and 'Lafcadio Hearn Project'. He served on the jury of the International Composer Competition "Città di Udine" (Italy). He has also been awarded the "Antonio Magnoni" prize. His portrait concert will be held in Tokyo in March 2024.
Satoko Inoue is a renowned leading interpreter of contemporary solo piano music.
She finished the master’s course of composition at Tokyo Gakugei University.
Since 1991, after her career as the member of “Musica Practica Ensemble,” she has
been engaged in solo activities. Her repertoires mainly include the works of Jo Kondo,
Morton Feldman, John Cage and Luc Ferrari as well as those of other Japanese composers.
Her activities have been worldwide, as she has played at international contemporary music
festivals; given solo recitals in Europe, North and South America, and the Middle East; and made
lectures for Master Classes of universities. From 2018 to 2022, she was involved in the ‘Experiment
of piano music to be handed down to the future’ on extended piano techniques project. She
has recorded solo CD albums on HatHut Records (Switzerland), Emec Discos (Spain), ALM Records
(Japan) among others. Satoko Inoue was Professor at the Kunitachi College of Music in Tokyo until March 2023.
https://www.n-b-music.com
Pierre-Luc Sénécal
Faire crier la musique
De Schrei à Broken Voices: électroacoustique, voix et mixage
Jeudi 28 septembre à 12h30 - B-187
Dans le cadre de ma carrière de compositeur professionnel, j'ai réalisé en septembre 2023 la pièce Broken Voice, une pièce sur support fixé alliant les musiques concrète, métal et noise. Cette œuvre s'inscrit dans le projet Schrei, que j'ai débuté à l'Université de Montréal lors de mon baccalauréat en 2012. Dans cette présentation, j'expliquerai comment Schrei, un projet acousmatique solo, est devenu un vecteur de développement artistique, incorporant à présent la performance, le no input et le mixage assisté par des professionnels. Accessoirement, j'espère montrer comment un projet étudiant au baccalauréat peut alimenter une vie professionnelle.
Pierre-Luc Senécal est reconnu pour sa curiosité et sa passion invétérée en vers le son.
Fondateur de Dremeka, il est compositeur, directeur artistique et artiste sonore.
Il réalise autant de la musique électroacoustique que des trames sonores pour la danse et l'image.
Profondément inspiré par les musiques rock, pop et heavy metal, il insuffle dans ses pièces électroniques
sa sensibilité pour le lyrisme, le poétique ainsi qu’une énergie débordante. Titulaire d'une maîtrise en Création
sonore de l’Université de Montréal (QC) et de University of Huddersfield (UK), il est l'auteur
d'un mémoire sur la composition, le mixage et le matriçage en musique électroacoustique. Il est le
fondateur et directeur artistique du reconnu Growler Choir, le seul ensemble vocal au monde formé exclusivement
de chanteurs heavy métal. Sa musique a été jouée au Canada, en Corée du Sud, aux États-Unis, en Italie, à Monaco,
en Russie et en Suède.
Ses réalisations notables comprennent la conception sonore pour le célébrissime jeu vidéo Resident Evil 7: Biohazard
et la fondation du vociférant et médiatisé Growlers Choir. Cet ensemble vocal formé exclusivement de chanteurs
métal a fait sensation en participant à America’s Got Talent, l'un des spectacles télévisés les plus médiatisés au monde.
Maxence Mercier
Arborescence de trajectoire spatio-temporelle, ramification des différentes branches esthétiques à travers mes réalisations artistiques
Jeudi 5 octobre à 12h30 - B-187
Depuis la réalisation intuitive de mes premières compositions électroacoustiques au début des années 2000
jusqu'à la formalisation des techniques d'écriture multimodale de mes dernières œuvres, je présenterai
l'évolution de mon travail à partir d'une sélection de pièces de musique électroacoustiques, mixtes et
d'installations interactives qui ont toutes participé à l'élaboration d'une lutherie expérimentale qui
débouchera plus tard sur la réalisation de mon logiciel Sound Trajectory, dédié à l'écriture de la spatialisation sonore.
À l'occasion de mon doctorat de création/recherche à l'université Côte d'Azur, le code source de Sound
Trajectory est disponible sous licence GPL version 3 afin de permettre des développements alternatifs et
indépendants sous max et pure data. Ce code source demeure le framework numérique de mes travaux de recherche actuels.
J'exposerai mes collaborations artistiques et techniques récentes utilisant ce code.
La première pour la création du concert immersif du dernier album d'Arthur H. La seconde pour la réalisation d'une version
virtuelle du Cybernéphone de Christian Clozier, premier dispositif d'interprétation électroacoustique inauguré à Bourges au
début des années 70 et qui évoluera jusqu'en 2008. Le troisième cas pratique exposera mon utilisation des fonctionnalités de
Sound Trajectory dans le cadre de mes performances pour piano, électroniques et dispositif de spatialisation.
Je terminerai par présenter le couplage de ce logiciel avec Spat Gris pour composer mes prochaines pièces musicales
immersives en résidence dans les studios du Gris de l'Université de Montréal. Ce couplage met en œuvre les capacités
d'analyse par descripteur audio pour contrôler la position des sources sonores de Spat Gris. Ce projet concourt à
la composition de deux 2 pièces, l'une sous forme d'une pièce électroacoustique immersive, la pluralité des mondes et
l'autre à destination d'une performance pour piano, violoncelle et électronique, Umwelt, qui seront créées en France à
Reims à l'occasion du festival Fareway, organisé au centre de création musicale Césaré.
Sound Trajectory : https://www.tripinlab.com
Site perso : https://www.maxencemercier.com
Maxence Mercier est compositeur et artiste numérique. Né en 1982, avec une formation éclectique, des premières expériences musicales en groupe, puis pour le théâtre, il découvre la composition électroacoustique à Bourges auprès de Roger Cochini au conservatoire de Bourges et en travaillant au sein de l’IMEB. Depuis 2004, il se consacre à des projets de création entre arts numériques, musique et vidéo. Ses pièces ont été diffusées en France et à l’étranger : USA, Canada, Belgique, Pays-Bas, Chine, Brésil, dans le cadre de résidences et de prix de composition. Il aborde les problématiques de la transmission de l’information par une approche esthétique, sociologique et comportementale, au sein de dispositifs d'installation et de compositions musicales. C’est dans la multiplicité d’interactions sensibles qu’il tisse les motifs de son écriture. Il collabore avec de nombreux artistes, des scènes expérimentales aux scènes de la musique pop. Il soutient le projet Art/Science MUSES, qui valorise l'écoute passive des comportements des espèces animales dans leur milieu naturel. Pour le grand public, il développe une méthode de synthèse synesthésique permettant de transcrire les espaces sonores du monde sauvage dans des œuvres musicales. En 2015, il écrit un opéra multimédia: Iquisme, synthèse de toutes ses pratiques artistiques. En 2017, il diffuse son logiciel Sound Trajectory, dédié à l'écriture de la spatialisation sonore. Depuis 2022, il poursuit ses recherches sur les corrélations des dimensions de l'écriture sonore dans le cadre d'un doctorat de création/recherche à l'université Côte d'Azur, il performe régulièrement en solo avec piano et électronique tout en continuant à composer pour électroacoustique et instruments.
Mélanie Frisoli
Les manifestations de l’espace en musique expérimentale : une démarche de recherche-création
Jeudi 12 octobre à 12h30 - B-720
Pour sa présentation au Colloquium d’études supérieures en composition et création sonore,
Mélanie Frisoli offre un instantané de l’état actuel de ses recherches et de ses réflexions.
Malgré le flou et le chaos inhérents à un début de doctorat, elle s’efforcera de jeter un
pont entre ses travaux passés et présents sur la notion d’espace tout en explorant le
domaine complexe de la recherche-création.
Elle présentera la méthodologie originale qu’elle développe en tirant parti
de techniques empruntées à d’autres disciplines (sociologie, psychologie, etc.),
et dont la visée est de faire émerger des thématiques de plus en plus claires.
La présentation sera suivie d’une séance d’écoute de la pièce About Strings (2023) dans le studio B-188-2 (Studio Octo) à 14h.
Mélanie Frisoli est une compositrice, conceptrice sonore et technicienne du son franco-canadienne. Pendant quinze ans, elle a interprété et chanté ses propres chansons sur des scènes françaises et internationales, totalisant plus de 700 concerts, tout en accompagnant divers artistes français et canadiens en tant que guitariste. Elle a publié six albums, écrit trois livres, et composé également pour la danse, le théâtre et le cinéma. Passionnée par le son, elle a commencé par se former en ingénierie du son avant de se tourner vers des études en Musiques Numériques à la faculté de musique de l’Université de Montréal. Actuellement, elle poursuit un doctorat en composition et création sonore sous la supervision de Dominic Thibault et Caroline Traube. Ses œuvres ont été diffusées au Canada, en Italie, en Allemagne et en Grande-Bretagne, obtenant plusieurs prix.
Jean-Philippe Jullin
De l'entropie à l'harmonie : Création sonore et apprentissage machine
Jeudi 26 octobre à 12h30 - B-720
L'intelligence artificielle basée sur l'apprentissage automatique joue un rôle croissant dans les nouvelles technologies, en particulier dans le domaine sonore. Cependant, son utilisation se limite souvent à des interactions textuelles pour explorer de grands ensembles de données. Cette présentation se concentrera sur les recherches actuelles de Jean-Philippe Jullin dans le domaine de l'exploration perceptive d'espaces sonores latents, mettant en avant ses projets récents intégrant l'apprentissage machine pour collaborer avec notre environnement technologique.
Jean-Philippe Jullin, artiste sonore et audiovisuel, poursuit actuellement une maîtrise en composition et création sonore à l'Université de Montréal. Son parcours se situe à l'intersection de l'art et de la technologie, où il explore les possibilités de cocréation avec les machines à travers des systèmes interactifs et immersifs. Récipiendaire de bourses d'excellence de la Faculté de musique et financé par le FRQSC, Jean-Philippe a été récompensé pour ses compositions par Musicworks et le concours JTTP. Son travail a été présenté lors de conférences telles que AIMC et ICMC, et prochainement au festival Sound/Image. En dehors de ses réalisations académiques, Jean-Philippe collabore activement sur des projets artistiques qui explorent les technologies émergentes pour créer des expériences de contemplation active qui questionnent notre perception de l'espace et du temps.
Léa Boudreau
Everyday Intimacies: Exploring the (Im)perceptible Aliveness of Places and Things
Jeudi 2 novembre à 12h30 - B-187 (Grand Studio)
[Les intimités ordinaires : une exploration de la vitalité (im)perceptible des lieux et des
objets]
Cette recherche-création vise à explorer l'unicité, les particularités et les détails
(im)perceptibles d'un lieu et des objets qui le peuplent. Considérant le lieu comme un
être plus-qu'humain [1] , le projet souligne et amplifie ses caractéristiques à travers des 1
outils typiques de l'art sonore (microphones piezo, transducteurs de surface, capteurs
électromagnétiques, solénoïdes, etc.) afin d'en faire ressortir sa vitalité intrinsèque.
La présentation misera sur le cheminement artistique qui a mené l'artiste à
l'élaboration conceptuelle de son projet de recherche-création.
[1] « Plus-qu'humain » se réfère à des contextes dans lesquels plusieurs espèces et processus s'unissent 1
pour produire un résultat. [traduit de l'anglais] (Elton, S. (2022) More-than human. In Ballamingie, P. &
Szanto, D. (Eds), Showing Theory to Know Theory: Understanding social science concepts through
illustrative vignettes (pp. 283-289). Showing Theory Press.)
Léa Boudreau est une artiste sonore qui travaille avec l'électronique et l'installation.
Elle est aussi compositrice à ses heures. À travers ses œuvres, elle questionne les relations
inter-espèces (plus précisément entre les êtres humains et non-humains) en considérant la vie animale,
artificielle et non-organique comme terrains de réflexion sur les hiérarchies qui divisent notre monde.
Léa a reçu de nombreux prix et bourses au cours des dernières années : bourse d'étude de maîtrise CRSH en 2022,
bourse Dora & Avi Morrow et bourse Concordia Fine Arts en 2021, 2e et 3e prix JTTP de la Communauté
électroacoustique canadienne en 2020 et 2019, etc. Ses projets ont été diffusés et performés dans le
monde entier, plus récemment en Autriche, Australie, Brésil, Canada et Irlande. En septembre 2023,
elle était artiste en résidence chez OTTOsonics (Autriche) où elle a entamé la création
d'une installation sonore multicanale interactive explorant les concepts d'interaction humain-machine,
d'anthropomorphisme et d'empathie. Elle sera également chargée de cours en art multidisciplinaire à
l'université Concordia pour le semestre d'hiver 2024. Elle est basée à Tiohtià:ke/Montréal.
Ross Braes
Orion: The turning-point of Vivier’s compositional oeuvre
Jeudi 9 novembre à 12h30 - B-720
I assert that Claude Vivier’s orchestral work, Orion, represents the turning-point of his compositional output in his ongoing efforts to create a new musical language based on chord-colours. I will begin by exploring astronomical data relevant to the constellation and nebula of the same name, that is, its salient numerical correlates, which I believe influenced Vivier’s musical choices. Next, I will endeavour to summarize pertinent theoretical points asserted in my doctoral dissertation, particularly regarding what I call his jeux de timbres. Finally, I will briefly discuss Lonely Child, written for soprano and orchestra, completed just five months later, to demonstrate how his musical language evolved beyond traditional chord constructs and theories.
Dr Ross Braes was born in North Vancouver in 1962 and studied as an undergraduate
at the University of Victoria. While a student there he played bassoon and contra-bassoon
with the Port Angeles Symphony Orchestra in Washington state and began teaching music
theory and history. He started his master’s degree soon after earning his Bachelor of
Music, supervised by the distinguished musicologist, William Kinderman, and received
his MA degree in musicology in 1995 (thesis: Formal Integration in the Finale of
Bruckner’s Eighth Symphony).
After moving to Vancouver, he enrolled in the doctoral program at the University of British
Columbia (UBC) and received his PhD in music theory in 2003 with a world-first dissertation
on the eminent Québécois composer, Claude Vivier
(dissertation: An Investigation of the Jeux de Timbres of Claude Vivier’s Orion and his Other Instrumental Works of 1979-80).
Since then, he has made frequent trips to Montréal to make further
investigations into Vivier’s sketches located in the Archives at the Université de Montréal.
From 2012-19 Dr Braes traveled to Hungary where he offered workshops and lectures at the KRE
(Károli Gáspár University of the Reformed Church) located in Budapest and at the British
Studies department at Debrecen University. His latest article,
“Exploring the Musical identity of the Canadian Arctic,” was published
by the KRE in their periodical, Orpheus Noster (2021: volume 13, no. 2).
Currently Dr Braes teaches all aspects of music theory and history,
including composition and piano accordion, for the World of Music and Arts School
in Richmond and the Alla Breve School of Music in Vancouver. As a professional
accordionist, prior to Covid, he organized public concerts and now participates
in community music groups such as the SqueezeBox Circle and, most recently,
the Vancouver Balalaika Orchestra.
Andrea Gozzi
Jeudi 16 novembre à 12h30 - B-720
ABCC – Augmented Bone Conduction Concert – se base sur une approche écologique de la réalité augmentée sonore (RAS). L’expérience d’écoute est enrichie par une utilisation transparente de l’électronique, dans le respect et la fusion avec l’environnement et les instruments acoustiques. Le concert prévoit un système de diffusion binaurale par casque à conduction osseuse : le public vit une expérience de réalité acoustique augmentée, en portant des écouteurs qui ne ferment pas le canal auditif, et qui permettent d’écouter naturellement les sons environnants en même temps que ceux provenant des écouteurs. Les musiciens peuvent aussi bénéficier d’une diffusion audio multicouche avec des cues et informations sonores pour la performance en conduction osseuse et écoutent les autres sources avec les "oreilles libres". À la fin de la présentation sera proposé une collaboration avec les compositrices et compositeurs intéressé.e.s pour écrire des œuvres pour le système.
Andrea Gozzi: Musicien et musicologue. Chercheur postdoctoral Mitacs à l'Université de Montréal – Faculté musique; Ph.D. en humanités numériques, musique et nouvelles technologies au SAGAS, Université de Florence; diplômé en musique de l'Université de Paris 8 Vincennes-Saint-Denis. Membre de l'équipe du centre de recherche Tempo Reale (Florence) et cofondateur de Mezzo Forte, société spécialisée en réalité augmentée sonore. En tant que musicien, il a collaboré avec artistes internationaux, live et en studio, participant à des événements tels que LIVE 8 à Rome (2005). Comme compositeur pour le théâtre, il collabore activement avec le Théâtre Français de Toronto. Il a publié des livres et des essais sur l'histoire du rock et des biographies musicales en Italie et au Canada.
Samuel Morency
« Fragments d’un rêve sans fin », le mystère et le lointain dans ma musique
Jeudi 23 novembre à 12h30 - B-720
La musique, encore plus que toute autre forme d’art, est pour moi le parfait médium pour illustrer mon univers mystérieux et lointain. En fait, cette fascination avec le mystère trouve son origine à ma découverte de la mythologie et de la littérature fantastique, de même que mon entrée dans l’univers des compositeurs impressionnistes tels que Debussy. Cette musique captivante a énormément influencé ma démarche, qui sera le sujet de cette présentation. Au cours de celle-ci, je détaillerai donc la manière dont le mystère et le lointain se reflètent dans ma musique, en mettant en avant certaines de mes compositions
Samuel Morency est un compositeur instrumental aux horizons multiples.
Même si son style peut paraître un peu traditionnel, surtout lorsque comparé à des musiques
plus modernes, il est marqué par une recherche de couleurs mystérieuses et lointaines pour renouveler
la fresque sonore.
Ayant commencé à composer à l’âge de 14 ans, en 2014,
il poursuit en ce moment même une maîtrise en composition à l’université de Montréal
avec François-Hugues Leclair. Sensible, lyrique, Samuel est un jeune homme très créatif,
constamment en quête de nouvelles palettes harmoniques, mélodiques et timbrales pour donner
vie à ses idées musicales.
Gabriel Schwartz
Illustrations du Brésil à travers le rythme et les couleurs sonores
Jeudi 30 novembre à 12h30 - B-720
La démarche artistique de Gabriel Schwartz porte sur l’intégration d’éléments de la musique populaire brésilienne dans la composition de musique contemporaine, de façon à les resignifier dans ce nouveau contexte. L’idée de son projet de doctorat est de composer une série de pièces pour des ensembles variés, afin d'explorer les caractéristiques de certains instruments traditionnels issus de différents styles de musique brésilienne. À partir de l’appréciation de la sonorité générale de ces instruments et styles, notamment les rythmes traditionnels, l’idiomatisme et les timbres particuliers de chaque instrument, l'objectif est d’en créer une représentation sonore non réaliste et originale, mettant l'accent sur la transformation des rythmes et l'utilisation des nouveaux modes de jeu à l'orchestration.
Musicien depuis plus de vingt-cinq ans, Gabriel Schwartz, né à Curitiba-Brésil, est diplômé de l’École de Musique et des Beaux-Arts de l’état du Paraná et du Conservatoire de Musique Brésilienne de Curitiba. En 2020 il accomplit le programme de Maîtrise en Composition et Création Sonore à l’Université de Montréal sous la direction de recherche la compositrice Ana Sokolović. En 2023 il débute le doctorat afin d’approfondir sa recherche en composition. En tant que multi-instrumentiste, il joue plusieurs instruments comme la flûte, le saxophone, la batterie, la percussion brésilienne, la guitare. Actuellement Gabriel présente son Projet Solo, un concert où il interprète seul des morceaux du répertoire brésilien au moyen de ses instruments et d’un appareil d’enregistrement en boucle (le loop station). Investi sur la scène musicale montréalaise, Gabriel donne également des cours de pandeiro (tambourin brésilien) e Choro (style de musique brésilienne) au Centre des musiciens du monde.
