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Le Colloquium d'études supérieures en composition et création sonore est
un cours donné à l'Université de Montréal, sous la forme d'une série de conférences ouvertes à tout public,
et qui a lieu tous les jeudis de
12h à 13h30 à la Faculté de musique.
Pour chaque conférence, les informations pratiques sont précisées dans le calendrier du site web ainsi que dans les annonces
hebdomadaires sur la liste de diffusion composition-création sonore
(inscription ici) et sur la page facebook
du groupe des musiques numériques UdeM.
L'entrée est libre, vous êtes les bienvenu·e·s!
Cette semaine
Estelle Schorpp
A Conversation Between a Partially Educated Parrot : processus de création d'une performance musicale pour ordinateur et gramophone augmenté
Jeudi 21 novembre 2024 à 12h - local B-399
A Conversation Between a Partially Educated Parrot and a Machine est une performance musicale pour
ordinateur et gramophone augmenté. Grâce à l'utilisation d'archives d'enregistrements d'oiseaux
originaux et numérisés datant des années 1930, cette performance explore les relations historiques
entre les oiseaux, les humain-es et les technologies de reproduction sonore.
Lors de cette présentation, l'artiste expliquera les différentes stratégies conceptuelles
techniques et esthétiques qui ont menées à la réalisation d'un projet qui propose une expérience
sonore immersive dans laquelle les oiseaux, les machines et les humain-es font de la musique ensemble.
Estelle Schorpp est une artiste sonore et compositrice basée à Montréal, active dans le domaine de la musique expérimentale et de l'écologie sonore.
Elle utilise les outils et les méthodes de la recherche-création pour mettre en place des projets
qui posent un regard critique et créatif sur notre relation avec l'environnement sonore.
Intégrant des concepts issus de disciplines telles que l'écologie sonore, les sound studies,
la théorie des médias, l'histoire des sciences, l'acoustique et la psychoacoustique,
son approche polymorphe combine la performance, l'installation sonore et la composition
algorithmique, ainsi que la communication académique et la rédaction d'articles scientifiques.
À propos
Le Colloquium d'études supérieures en composition et création sonore est une série de conférences hebdomadaires
qui consiste en des présentations faites par les étudiants, les chargés de cours et les professeurs de toutes les institutions ;
ainsi que des conférenciers invités en musicologie, composition et interprétation.
Le Colloquium met l’accent sur
les processus de la composition de musiques électroacoustiques, instrumentales, mixtes et interactives
ainsi que l’improvisation et l’interprétation de ces musiques, les nouveaux médias,
la vidéomusique, l’informatique musicale, l’acoustique, la psychoacoustique et les technologies de la musique.
Le Colloquium d'études supérieures en composition et création sonore
est également un cours-année qui peut être suivi par les étudiants
de 2eme cycle pendant la scolarité, et par les étudiants de 3eme cycle pendant la scolarité et la rédaction.
Le cours est siglé:
-MUS 6411,
MUS 6412,
MUS 6413,
MUS 6414
à la Maîtrise et au DESS
-MUS 7411,
MUS 7412,
MUS 7413,
MUS 7414
au Doctorat.
Responsable: Ana Dall'Ara-Majek, professeure invitée à la Faculté de musique - contact: ana.dallara@umontreal.ca
Auxiliaire d'enseignement: Matthieu Galliker, étudiant au Doctorat en musicologie à la Faculté de musique
Calendrier - AUTOMNE 2024
12 septembre L’Envers et l’endroit du monde : perdurer, s’adapter, s’émerveiller
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19 septembre Processus d’adaptation de la maladie chronique par l’exploration des technologies de création sonore
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26 septembre Automated Sound Design
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3 octobre Fondamentale absente - phénomène psychoacoustique et utilisations conceptuelles
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10 octobre The Proximity Effect. Listening closely in the more-than-human world
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17 octobre Water memory
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24 octobre Semaine de lecture Pas de conférence |
31 octobre Le médium c'est l'espace
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7 novembre L'intelligence artificielle générative en musique : craintes et espoirs
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14 novembre Émilie Fortin & Marilène Provencher-Leduc Émanants : une expérience sonore immersive
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21 novembre A Conversation Between a Partially Educated Parrot : processus de création d'une performance musicale pour ordinateur et gramophone augmenté
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28 novembre séance privée
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5 décembre . . .
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12 décembre séance privée
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19 décembre Remise des travaux Pas de conférence |
Marie-Pierre Brasset
L’Envers et l’endroit du monde : perdurer, s’adapter, s’émerveiller
Jeudi 12 septembre 2024 à 12h - local B-399
Cette rencontre sera axée principalement sur le questionnement du faire musical dans le monde, c’est-à-dire les répercussions de notre environnement sur la création musicale. J’illustrerai mon propos avec quelques exemples musicaux tirées d’œuvres produites ces dernières années, marquées par la fin de mon parcours académique et le travail en région éloignée.
J’aborderai aussi le concept de thaumazein (θαυμάζειν), ce terme grec ancien qui signifie la capacité de s’émerveiller et de s’étonner, notion fondamentale pour perdurer en tant qu’artiste.
crédit photo: Constantin Monfilliette
Marie-Pierre Brasset est une compositrice qui œuvre dans le milieu de la musique contemporaine depuis
plus d’une quinzaine d’années. Ses œuvres sont interprétées régulièrement un peu partout au Québec et au Canada et elle a
collaboré avec de nombreux ensembles et interprètes professionnels (Trio Fibonacci, NEM, Orchestre Métropolitain, Choros,
ECM+, Quatuor Bozzini, Fiolûtröniq, Ensemble Prisme).
Titulaire d’un doctorat en recherche-création portant sur l’opéra contemporain, Marie-Pierre Brasset a enseigné comme chargée de cours à l’Université de Montréal et a rédigé des articles sur la musique contemporaine pour différents médias (Circuit, PAN M).
Depuis quelques années, elle s’est installée au Saguenay, où elle compose et travaille à la diffusion et la promotion de la musique classique et contemporaine, notamment à la chapelle Saint-Cyriac au lac Kénogami.
L'oeuvre sera présentée le mercredi 11 septembre à 19h30 à l'Édifice Wilder dans le cadre de la saison du Vivier.
Cliquez ici pour plus d'informations.
Simon-Luc Laporte
Processus d’adaptation de la maladie chronique par l’exploration des technologies de création sonore
Jeudi 19 septembre 2024 à 12h - local B-399
La présentation portera sur mon projet de recherche dans le cadre de la maîtrise en Arts visuels et médiatiques, profil Recherche - Intervention à l’UQAM. Cette recherche qualitative et participative s’intéresse au processus d’adaptation centrée sur le sens, dit « meaning-centered coping », chez les jeunes adultes (18-30 ans) vivant avec une maladie chronique par l’exploration des technologies de création sonore. Dans le but de recréer les conditions menant à ma propre expérience d’artiste sonore face à l’adversité, l’intervention proposée explorera l’activité de co-création sonore, dans ce cas-ci, l’électrojam, comme moyen d’expression, de connexion, d’épanouissement ou de réponse aux questionnements existentiels chez l’individu.
Simon-Luc Laporte est un producteur, DJ, et artiste sonore et candidat à la Maîtrise en Arts visuels
et médiatiques à l’UQAM. C’est sous multiples alias et projets, qu’il explore les limites des technologies de création sonore.
C’est sous l’alias SIM ou Alta Familia (avec NAP et Ultima Esuna) que l’artiste repousse les frontières dans le domaine des
musiques Sound System. Son travail a été noté dans le monde entier, des États-Unis à la Jamaïque, jusqu'au Royaume-Uni,
mettant en évidence les éléments clés du Hardcore Continuum. En reprenant les théories de sonorisation Dub et Dancehall
de Lee ’Scratch’ Perry, King Tubby et Dave Kelly ou des pionniers de la Techno tels que Plastikman ou Jeff Mills,
SIM explore la relation entre l’espace, le corps et le son.
Sonic Malice est un duo d’art sonore expérimental composé de Simon-Luc Laporte et Giuseppe Masia.
Ce tandem artistique transgresse les frontières traditionnelles du son pour créer des écosystèmes auditifs.
Ils fusionnent leurs racines issues de l’ambient, du dub, du sampling et du noise dans une démarche
co-créative englobant l’entièreté de leurs pratiques respectives.
Eric Lyon
Automated Sound Design
Jeudi 26 septembre 2024 à 12h - local B-399
Sound design is a ubiquitous subject for electronic musicians working across a
staggering array of contemporary musical styles and practices. There is an extensive
literature covering the creation of Foley effects, and another body of literature
addressing domain-specific applications of sound design technique, e.g., how to make
bass sounds for Dubstep or how to produce drum sounds for Trap. There is also a computer
music literature that focuses on the mathematics of digital signal processing as it pertains
to implementing classic digital synthesis and processing techniques.
Automated Sound Design addresses the topic from a different perspective, demonstrating the
power of sound design when enhanced by automated structures implemented with computer programming.
Through the techniques and projects developed in this book, the reader will learn how to create
sound design scenarios that generate classes of sounds with controlled unpredictability and
unlimited variety of output. This adventure will reveal new ways to work with additive synthesis,
frequency modulation, analysis-transformation synthesis, drum machines, Black MIDI,
and spatialization for binaural listening.
Eric Lyon is a composer and audio researcher. His software includes “FFTease” and “LyonPotpourri.” He is the author of “Designing Audio Objects for Max/MSP and Pd,” and “Automated Sound Design,” a book that presents technical processes for implementing oracular synthesis and sound processing across a wide domain of audio applications. Lyon’s work has been recognized with a ZKM Giga-Hertz prize, MUSLAB award, the League ISCM World Music Days competition, and a Guggenheim Fellowship. Lyon is Professor of Practice in the School of Performing Arts at Virginia Tech, and is a Faculty Fellow at the Institute for Creativity, Arts, and Technology.
On the following day, composers and performers from Viriginia Tech, USA, will present their work as part of the ICAT@CIRMMT concert, on September 27, 2024 at 7:30pm.
Geneviève d'Ortun
FONDAMENTALE ABSENTE - phénomène psychoacoustique et utilisations conceptuelles
Jeudi 3 octobre 2024 à 12h - local B-399
La rencontre comprendra une démonstration du phénomène des fondamentales absentes et quelques explications possibles quant à sa perception et aux conditions nécessaires pour provoquer des résultantes. La question de comment utiliser ce phénomène de psychoacoustique d’une manière conceptuelle pour générer du matériel compositionnel sera abordée. Une performance live de la pièce Amongst Your Shadows (saxophones soprano et ténor, dispositif électronique) est également au programme.
Geneviève D’Ortun est titulaire d’un doctorat en saxophone contemporain et musique mixte (Université de Montréal) au cours duquel elle s’est penchée sur les liens entre le théâtre et la musique de création. Elle s’intéresse à l’utilisation de la musique comme élément scénographique dans la composition d’environnements sonores, à l’expression de l’état d’un personnage en sons. Comment puiser dans l’éventail de techniques instrumentales étendues pour illustrer l’arc narratif d’un personnage, et comment incarner / déplacer un corps fictif tout en jouant d’un instrument? Sa démarche artistique et sa carrière s’articulent autour d’une connexion profonde entre l’improvisation, le public et l’amour de l’art. Par conséquent, sa pratique de multi-instrumentiste est diversifiée. Oscillant entre musique(s) contemporaine(s), folk, jazz, celtique, Geneviève D’Ortun signe également la conception et la réalisation d’environnements sonores pour le cirque, le théâtre ou la danse. Elle a d’ailleurs gagné un Prix Éloize en 2020 pour la musique et l’environnement sonore du spectacle de danse contemporaine en échasses Horizon vertical (Circus Stella et LaboKracboom). En marge de la composition et de la performance, Geneviève détient un baccalauréat en enseignement (Université de Moncton), et a partagé sa passion des instruments à vent dans plusieurs institutions du Québec et de l'Acadie.
crédit photo: Steven Lederman
Ludwig Berger
The Proximity Effect. Listening closely in the more-than-human world
Jeudi 10 octobre 2024 à 12h - local B-399
With his microscopic field recordings of plants, insects and geological phenomena, Ludwig Berger explores the effect of sonic proximity to non-human bodies in the landscape. How does the relationship between the recording and the recorded change on the smallest scale? What new connections emerge when we indulge in listening to slug ASMR, photosynthetic beats, singing lice and crying glaciers?
Ludwig Berger is a landscape sound artist, musician and educator from Germany, now based in Montreal. In his compositions, installations and performances, he enables sonic encounters with the more-than-human world. In his musical work, Berger produces sonic eco-fictions with processed and synthetic sounds. He studied electroacoustic composition at the University of Music Weimar and holds a teaching certificate from the Center For Deep Listening. As a sound researcher in Landscape Architecture at ETH Zurich from 2015-2022, Berger studied the sonic dimension of Japanese gardens, alpine glaciers and water infrastructures. His work has been presented at the Venice Biennale, GRM Paris and ZKM Karlsruhe, and received an honorary mention at Ars Electronica.
Manja Ristić
Water memory
Jeudi 17 octobre 2024 à 12h - local B-399
In the lecture “Water Memory,” I would like to open the discussion about possible choreographies of listening to mnemosonic constructs – self-generative sound textures derived from spatial memory imprints deeply embedded in micro-environments. Do we have the means to listen to the past? I would like to talk about the power of intuitive composing and a field recording practice that involves gestures and site-specific intervention. Additionally, I would like to discuss the interpretation and/or poetic appropriation of the memory of a place by observing the intrinsic interrelatedness of ecological traits and the soundscape. From phenomenology to conceptual listening, can we really tap into Nature’s intelligence, and what could this process teach us about composing?
Manja Ristić, born in Belgrade in 1979, is a violinist, sound artist, published poet, curator, and researcher. She graduated from the Belgrade Academy of Music (2001), then awarded at the Royal College of Music, London, with PGDip Solo/Ensemble Recitalist (2004). As a classical solo and chamber musician, as well as a composer and an improv musician She has performed all across Europe and in the US, involving collaborations with established conductors, performers, multimedia artists, poets, and theatre/film directors.
Ristić’s sound-related research besides contemporary performance in the field of instrumental electro–acoustics, is focused on interdisciplinary approaches to sound and field recording as well as experimental radio arts.
Ristić has created commissions for major broadcasting companies across Europe, and many independent media platforms. She co-curated sonoAdriatic Tales at Ars Electronica 2020, and in the last 20 years curated and developed a distinctive number of cultural events across the Balkan region, including international projects, cultural conferences, and educational platforms in the fields of experimental sound-related arts, scene, and multimedia arts.
She is the winner of several distinctive awards for solo and chamber classical music, laureate of the Academy Charles Cros Sélection Musiques Expérimentales 2024, holds an honorable mention from the Phonurgia Nova Awards, and a Golden Award for the extended media from the Association of Fine Artists of Serbia. She is also a founding member of CENSE – Central European Network for Sonic Ecologies.
In the last decade, Ristić has published sound art independently as well as for labels and publishing bodies: LINE, Skupina, Kamizdat, DASA tapes, Unfathomless, Verdure Engraved, Naviar Records, Flag Day Recordings, Inexhaustible Editions, Radio Art Zone, Okla Records, and many more.
Works and lives on the island of Korčula, Croatia.
Robert Normandeau
Le médium c'est l'espace
Jeudi 31 octobre 2024 à 12h - local B-187
L'utilisation de l'espace comme paramètre de la composition en musique acousmatique devient de plus en plus prépondérant.
À tel point qu'on peut affirmer que le médium, c'EST l'espace.
En ce sens que l'espace composé devient un élément d'écriture fondamental et exclusif à cette pratique artistique.
Nous aborderons cette question avec ses fondamentaux théoriques d'une part.
Mais surtout avec des exemples tirés de mon répertoire des vingt dernières années.
Nous aborderons également la question des outils.
À la tête du Groupe de recherche en immersion spatiale (GRIS) fondé en 2009, j'ai conçu et produit plusieurs logiciels destinés à la composition de l'espace.
Le dernier en date, SpatGRIS, en est à 3e version et est utilisé un peu partout dans le monde surtout par des compositeurs, mais aussi par des artistes de différentes disciplines.
Nous regarderons les concepts qui ont présidé à sa conception ainsi que l'état actuel des lieux et les perspectives d'avenir.
Robert Normandeau: son travail de compositeur est principalement consacré à la musique acousmatique. Plus spécifiquement, par les sonorités utilisées et les choix esthétiques qui la tendent, sa démarche s’inscrit dans un «cinéma pour l’oreille» où le ‘sens’ contribue à l’élaboration de ses œuvres tout autant que le ‘son’. Plus récemment il a composé un cycle d’œuvres de musique immersive multicanal pour dôme de haut-parleurs. L'espace est devenu une caractéristique majeure de son travail musical.
L'espace est devenu une caractéristique majeure de son travail musical.
Il a aussi œuvré comme directeur artistique pendant plus de vingt ans, notamment pour les séries de concerts Clair de terre (Association pour la création et la recherche électroacoustiques du Québec (ACREQ)) de 1989 à 93 au Planétarium de Montréal, et Rien à voir et Akousma (Réseaux) de 1997 à 2006.
Il a été professeur de composition électroacoustique à l’Université de Montréal entre 1999 et 2024 après y avoir obtenu le premier doctorat (1992) en composition électroacoustique, sous la direction de Marcelle Deschênes et de Francis Dhomont. Il y dirige le Groupe de recherche en immersion spatiale (GRIS), qui produit des logiciels de spatialisation sonore.
Philippe Pasquier
L'intelligence artificielle générative en musique : craintes et espoirs
Jeudi 7 novembre 2024 à 12h - local B-399
L’intelligence artificielle créative est le domaine scientifique qui étudie l’automatisation partielle ou complète des tâches créatives. Que ce soit par l’augmentation des logiciels créatifs existants ou par la génération en temps réel intégrée, ces algorithmes ont un impact croissant sur les pratiques créatives. Maintenant que les algorithmes génératifs ont des compétences et performances surhumaines pour de nombreuses tâches créatives et sont déployés pour les créateurs professionnels comme pour les amateurs, il est essentiel d’étudier, d’évaluer et de discuter les implications de tels développements.
Nous introduirons les défis et les opportunités découlant de ces nouveaux outils à travers une série d’exemples de systèmes développés au Metacreation Lab et d’expériences empiriques et scientifiques menées avec ces systèmes. Nous présenterons des interfaces et outils pour les arts de la scène, la composition musicale assistée par ordinateur, la conception sonore, l’informatique du mouvement, l’animation générative et les images en mouvement, et discuterons leurs évaluations en mettant l’accent sur l’acceptation technologique, culturelle et sociologique, que ce soit par les créateurs ou leurs publics.
Philippe Pasquier / Professeur en Intelligence Artificielle Créative /École des Arts Intéractifs et des Technologies (SIAT) / Simon Fraser University, Vancouver, Canada.
Philippe Pasquier est chercheur scientifique, artiste médiatique multidisciplinaire, et éducateur. Il est directeur du Metacreation Lab pour l’intelligence artificielle créative et professeur à l’école des Arts Interactifs et des Technologies l’Université Simon Fraser à Vancouver sur la côte Ouest Canadienne. Il y poursuit un programme de recherche-création multidisciplinaire axé sur les systèmes génératifs et l’IA appliquée aux tâches créatives.
Avec ses co-auteurs, Philippe a publié plus de 200 contributions évaluées par des pairs et présentées dans les conférences scientifiques internationales les plus rigoureuses. Philippe est membre du comité de programme de la conférence internationale d’intelligence artificielle (IJCAI). Il est également à l’origine de la série d’ateliers “Musical Metacreation”, qui est devenue la conférence AI Music Creativity (AIMC). Il a démarré la conférence ACM Movement Computation (MOCO) et a présidé l’édition 2015 de l’ISEA, le Symposium International d’Art Électroniques, à Vancouver. Son cours CLOM/MOOC (cours en ligne ouvert et massif) sur l’art génératif et la créativité assistée par ordinateur sur la plateforme Kadenze sert des dizaines de milliers d’étudiants.
Le travail artistique du Metacreation Lab a été présenté dans des forums artistiques de premier plan sur six continents, notamment à Ars Electronica , Ircam / Centre Pompidou, Eastern Block, Earzoom festival (Slovénie), plusieurs éditions d'ISEA, Mutek, Sydney Biennale, FRAME Biennale, Vooruit, ZKM, ICST, Akbank, Musicacoustica, et Kilele.
Les projets du Metacreation Lab trouvent également des applications industrielles dans l’industrie du logiciel créatif et ont obtenu le soutien et la reconnaissance de plus de 20 institutions scientifiques ou culturelles, dont le Conseil de recherches en sciences naturelles et en génie du Canada (CRSNG), le Conseil de recherches en sciences humaines du Canada (CRSH), MITACS, le Conseil des arts du Canada (CCA), l’Australian Research Council (ARC) et l’Australian Council for the Arts, le ministère français de la Culture et de la Communication et la Communauté Européenne.
Pour en savoir plus sur le Metacreation Lab : http://www.Metacreation.net
En savoir plus sur Philippe Pasquier : http://www.sfu.ca/pasquier
LinkedIn : https://www.linkedin.com/in/philpass/
Cours en ligne sur l'IA créative : https://tinyurl.com/ycvleqlm
Émilie Fortin & Marilène Provencher-Leduc
Émanants : une expérience sonore immersive
Jeudi 14 novembre 2024 à 12h - local B-399
En collaboration avec Innovations en concert, les ensembles Bakarlari et ILÉA présentent Émanants,
une expérience sonore immersive dans l’espace de la chapelle de la Cité-des-hospitalières.
Ce concert in-situ mettra en vedette six nouvelles créations canadiennes entrecoupées
d’improvisations structurées et aura lieu les 29, 30 novembre et 1er décembre 2024. - Lien vers l'évenement -
Comment compose-t-on avec un espace précis en tête? Comment interagit-on lorsque le son devient membre à part entière de l'ensemble?
Le processus de création et d'improvisation d'Émanants sera abordé lors de cette discussion,
de même que l'historique ainsi que les défis inhérents à une production comprenant douze interprètes.
Marilène Provencher-Leduc: la flûtiste Marilène Provencher-Leduc est titulaire d’un doctorat en
interprétation de l’Université de Montréal et est également diplômée du Conservatoire de musique de
Montréal. Animée d’une grande curiosité pour un répertoire diversifié, la flûtiste se perfectionne
en musique contemporaine puis intègre la musique du monde et l’improvisation à sa pratique instrumentale.
Elle enregistre et monte régulièrement sur scène avec de nombreux artistes reconnus tels que Michel
Rivard, Philippe Brach, Alex Nevsky, Vincent Vallières, Plants and Animals, Félix Dyotte, Saratoga,
Ce qui nous traverse, Ludovic Alarie, etc. Comme soliste, elle est invitée par l’Ensemble contemporain
de Montréal en 2019 (ECM+), l’Orchestre symphonique de Trois-Rivières (2017), l’Ensemble contemporain
de McGill (2018), la Société de Concerts de Montréal (2017), etc.
Émilie Fortin: la pratique artistique d’Émilie Fortin tourne autour de trois axes : la création de nouveau répertoire via une étroite collaboration entre interprète et compositeur.trice, l’exploration de nouveaux sons à travers l’improvisation ainsi que la pédagogie.
Cherchant constamment à enrichir le répertoire de la trompette, elle a participé à la création de plus d’une cinquantaine d’œuvres. Ses collaborations incluent des éléments physiques, en lien avec ses diverses formations en mime corporel, danse et théâtre. Depuis 2018, elle est également la directrice artistique du collectif de solistes Bakarlari, qui se dédie à la musique contemporaine et de création en version solo en offrant des expériences de concert qui sortent du cadre traditionnel.
Comme improvisatrice, le jeu d’Émilie se caractérise “par sa clarté sonore et son phrasé asymétrique inventif”
(Scott Thomson, directeur artistique du FIMAV). Ses collaborations dénombrent des enregistrements et des
performances avec, entre autres, l’Ensemble SuperMusique, le Ratchet Orchestra et le GGRIL. Elle est
également membre de l’ensemble torontois Freesound, qui se consacre à la musique contemporaine sous toutes
ses formes, et du duo de mime sonore improvisé ék, avec le tromboniste Kalun Leung.
Estelle Schorpp
A Conversation Between a Partially Educated Parrot : processus de création d'une performance musicale pour ordinateur et gramophone augmenté
Jeudi 21 novembre 2024 à 12h - local B-399
A Conversation Between a Partially Educated Parrot and a Machine est une performance musicale pour
ordinateur et gramophone augmenté. Grâce à l'utilisation d'archives d'enregistrements d'oiseaux
originaux et numérisés datant des années 1930, cette performance explore les relations historiques
entre les oiseaux, les humain-es et les technologies de reproduction sonore.
Lors de cette présentation, l'artiste expliquera les différentes stratégies conceptuelles
techniques et esthétiques qui ont menées à la réalisation d'un projet qui propose une expérience
sonore immersive dans laquelle les oiseaux, les machines et les humain-es font de la musique ensemble.
Estelle Schorpp est une artiste sonore et compositrice basée à Montréal, active dans le domaine de la musique expérimentale et de l'écologie sonore.
Elle utilise les outils et les méthodes de la recherche-création pour mettre en place des projets
qui posent un regard critique et créatif sur notre relation avec l'environnement sonore.
Intégrant des concepts issus de disciplines telles que l'écologie sonore, les sound studies,
la théorie des médias, l'histoire des sciences, l'acoustique et la psychoacoustique,
son approche polymorphe combine la performance, l'installation sonore et la composition
algorithmique, ainsi que la communication académique et la rédaction d'articles scientifiques.
