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Nouvelles
Le Colloquium d'études supérieures en composition et création sonore est
un cours donné à l'Université de Montréal, sous la forme d'une série de conférences ouvertes à tout public
(entrée libre sans inscription requise), et qui a lieu tous les jeudis de
12h à 13h30 à la Faculté de musique. Vous êtes les bienvenu·e·s!
Cet hiver, nous vous invitons à assister aux présentations des étudiants des cycles supérieurs de la Faculté de musique:
Simon Chioini, Mélanie Frisoli, Frédéric Roverselli, Jean-Félix Lagahe, Gabriel Geneau, Kassandra Lara Picazo,
Alexandre Amat et Yue Wang; des professeurs de la Faculté: Caroline Traube;
ainsi qu'aux présentations de nos invités extérieurs: Tom Mays et Jean-Louis Agobet.
Cliquez sur le CALENDRIER
pour connaître la programmation détaillée de cette saison, les locaux où se dérouleront les présentations, ainsi que
l'information sur les contenus et les intervenant·e·s.
N'hésitez pas à vous abonner à la liste de diffusion composition-création sonore si vous souhaitez recevoir les annonces par courriel. Vous pouvez également consulter les annonces sur la page facebook du groupe des musiques numériques de la Faculté de musique.
À propos
Le Colloquium d'études supérieures en composition et création sonore est une série de conférences hebdomadaires
qui consiste en des présentations faites par les étudiants, les chargés de cours et les professeurs de toutes les institutions ;
ainsi que des conférenciers invités en musicologie, composition et interprétation.
Le Colloquium met l’accent sur
les processus de la composition de musiques électroacoustiques, instrumentales, mixtes et interactives
ainsi que l’improvisation et l’interprétation de ces musiques, les nouveaux médias,
la vidéomusique, l’informatique musicale, l’acoustique, la psychoacoustique et les technologies de la musique.
Le Colloquium d'études supérieures en composition et création sonore
est également un cours-année qui peut être suivi par les étudiants
de 2eme cycle pendant la scolarité, et par les étudiants de 3eme cycle pendant la scolarité et la rédaction.
Le cours est siglé:
-MUS 6411,
MUS 6412,
MUS 6413,
MUS 6414
à la Maîtrise et au DESS
-MUS 7411,
MUS 7412,
MUS 7413,
MUS 7414
au Doctorat.
Responsable: Ana Dall'Ara-Majek, professeure invitée à la Faculté de musique - contact: ana.dallara@umontreal.ca
Auxiliaire d'enseignement: Matthieu Galliker, étudiant au Doctorat en musicologie à la Faculté de musique
Calendrier - HIVER 2025
9 janvier Rencontre de la rentrée séance réservée aux étudiants inscrits au Colloquium en composition
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16 janvier Exploration-Collecte-Assemblage : méthodologie relationnelle
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23 janvier
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30 janvier Pensée spatiale et typologie de l’espace dans la composition acousmatique : une démarche de recherche-création
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6 février Comment se situer dans l’écosystème montréalais de la recherche et de la recherche-création en musique ?
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13 février Les scénarios de traitement : Un système à explorer
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20 février Composition et performance de la musique mixte temps réel - philosophies, stratégies, gestes, outils
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27 février Articuler le son dans le temps et l’espace
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6 mars semaine de relâche Pas de conférence
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13 mars De l’interprétation jazz aux horizons électroacoustiques en passant par la collaboration et la multidisciplinarité
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20 mars L'expérience pré-réflexive à travers la composition d'ambiances
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27 mars Musique à l'image : création et collaboration
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3 avril Guo Qili Tan: Exploration de la création musicale basée sur les signaux EMG
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10 avril Composer la matière sonore : du timbre instrumental à l'imaginaire matériel
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17 avril séance de coaching pour les nouveaux étudiants
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24 avril Remise des travaux Pas de conférence |
Simon Chioini
Exploration-Collecte-Assemblage : méthodologie relationnelle
Jeudi 16 janvier 2025 à 12h - local laboratoire B-325
Tandis que la transition écologique actuelle mène à repenser nos habitudes de vie, le monde des arts assiste lui aussi à une évolution de ses pratiques. Pour les musiques contemporaines et électroacoustiques, le courant de l’acoustic ecology initié durant les années 1970 déclenche un renouvellement de l’écoute et de la perception du paysage. Plus récemment, les recherches sur l’écologie du son démontrent qu’une pensée écologique large, intégrant les dimensions sociales et mentales à la réflexion environnementale, peut mener à de nouvelles relations avec l’autre et avec le sensible.
Dans le cadre d’un projet de recherche-création au doctorat en composition et création sonore, il sera ici question d’un axe méthodologique intitulé Exploration-collecte-assemblage pour définir des modes de créations relationnels et situationnels. Cette méthodologie sera exemplifiée à l’aide de quelques performances, ateliers et créations, incluant l’installation vidéo Assemblage… Chabanel, présentée cette semaine au Laboratoire Forme · Ondes de la Faculté de musique de l’Université de Montréal.
Simon Chioini est artiste-chercheur et compositeur. Son travail de recherche-création intègre la composition sonore à une approche théorique interdisciplinaire. Il est actuellement étudiant au doctorat en composition et création sonore à l'Université de Montréal, où ses recherches explorent les relations entre le son, l'environnement et les dynamiques sociales. Inspiré principalement par la philosophie et l'anthropologie, son travail cherche à élargir la compréhension de la composition sonore à travers des perspectives écologiques et relationnelles. Dans le contexte de la crise climatique actuelle, la pratique de Chioini remet en question l'opposition traditionnelle entre nature et culture en explorant comment l'art sonore peut servir d'outil de médiation et de transformation de ces relations. Sa méthodologie combine la recherche théorique avec des pratiques créatives in situ, incorporant souvent des éléments performatifs et participatifs.
Mélanie Frisoli
Pensée spatiale et typologie de l’espace dans la composition acousmatique : une démarche de recherche-création
Jeudi 30 janvier 2025 à 12h - local B-399
Mélanie Frisoli présentera, lors du Colloquium d’études supérieures en composition et création sonore, le cheminement de ses recherches et la création des œuvres qui en sont issues. À mi-parcours de son doctorat, elle exposera une approche renouvelée de l’espace en musique, dépassant les trois dimensions physiques généralement abordées : la spatialisation, les perspectives et les espaces acoustiques, qu’ils soient réels ou simulés. Elle s’appuiera pour cela sur le développement d’une typologie de l’espace en musique acousmatique et sur un prototype de schématisation intégrant les multiples significations de l’espace, tout en ouvrant de nouveaux horizons perceptifs.
Mélanie Frisoli est une compositrice, conceptrice sonore et technicienne du son franco-canadienne. Pendant quinze ans, elle a interprété et chanté ses propres chansons sur des scènes françaises et internationales, totalisant plus de 700 concerts, tout en accompagnant divers artistes français et canadiens en tant que guitariste. Elle a publié six albums, écrit trois livres, et composé également pour la danse, le théâtre et le cinéma. Passionnée par le son, elle a commencé par se former en ingénierie du son avant de se tourner vers des études en Musiques Numériques à la faculté de musique de l’Université de Montréal. Actuellement, elle poursuit un doctorat en composition et création sonore sous la supervision de Dominic Thibault et Caroline Traube. Ses œuvres ont été diffusées au Canada, en Italie, en Allemagne et en Grande-Bretagne, obtenant plusieurs prix.
Caroline Traube
Comment se situer dans l’écosystème montréalais de la recherche et de la recherche-création en musique ?
Jeudi 6 février 2025 à 12h - local B-399
Au fil des vingt dernières années, plusieurs institutions inter-universitaires de recherche et de recherche-création en musique ont vu le jour en territoire montréalais. En particulier, des regroupements stratégiques interdisciplinaires soutenus par les Fonds de recherche du Québec (FRQ) ont structuré la recherche en musique dans les trois grands secteurs des connaissances : (1) les sciences humaines et sociales à l’OICRM (Observatoire interdisciplinaire de création et de recherche en musique) - https://oicrm.org/, (2) les sciences et technologies au CIRMMT (Centre Interdisciplinaire de Recherche en Musique, Médias et Technologies) - https://www.cirmmt.org/fr et (3) les neurosciences et leur application à la santé au CRBLM (Centre de recherche sur le cerveau, le langage et la musique) - https://crblm.ca/fr/, et au laboratoire affilié BRAMS - https://brams.org/. À ces regroupements s’ajoutent d’autres structures, comme Hexagram - https://hexagram.ca/ , qui permettent d’établir des collaborations en recherche-création dans le domaine des arts visuels. Cette présentation sera l’occasion de dresser un portrait actuel de cet écosystème complexe et de discuter des possibilités qui s’offrent aux étudiantes et aux étudiants en composition et création sonore, notamment aux travers de collaborations interdisciplinaires au sein des différentes structures que sont les regroupements stratégiques, les chaires de recherche et les partenariats de recherche.
Caroline Traube est professeure titulaire à la Faculté de musique de l’Université de Montréal où elle enseigne et mène des recherches dans les domaines de l’acoustique musicale, la psychoacoustique, la musicologie numérique et l’étude de la performance musicale. En complément à sa formation en technologies de la musique (Ph.D., Université McGill) et en génie électrique et télécommunications (Eng., CCRMA/Université de Stanford, États-Unis; Ir. Faculté polytechnique de Mons, Belgique), elle a étudié le piano, ainsi que la composition électroacoustique au Conservatoire Royal de Mons en Belgique. Elle dirige le Laboratoire de recherche sur le geste musicien (LRGM) dont la mission est de soutenir l’étude interdisciplinaire des pratiques musicales ainsi que le transfert des connaissances entre les milieux scientifiques et artistiques. Ses recherches, portant sur l’expression musicale et l’interaction entre les musicien-nes et leur instrument des points de vue biomécanique, acoustique et perceptif, relèvent du domaine de la musicologie expérimentale et se situent à l’intersection des sphères d’activité de l’OICRM, du CIRMMT et du BRAMS. Elle se consacre aussi au phénomène de la production et de la perception multimodale du timbre instrumental ainsi qu’à l’orchestration et sa réalisation par les interprètes, dans le cadre du partenariat de recherche ACTOR - https://www.actorproject.org (Analysis, Creation and Teaching of ORchestration).
Frédéric Roverselli
Les scénarios de traitement : Un système à explorer
Jeudi 13 février 2025 à 12h - en ligne
Utilisant une approche systémique de la composition et création sonore, dans laquelle nous ne cherchons pas à définir chaque partie de l’ensemble mais plutôt les interactions qui vont le composer, nous étudierons les possibilités offertes par l’écriture de scénarios de traitement jumelés à l’improvisation dans un contexte performatif. Il sera question d’en dégager des directions structurelles, compositionnelles, poïétiques et esthétiques. Nous aborderons autant la composition d’un système que la composition utilisant un système.
Tom Mays
Composition et performance de la musique mixte temps réel - philosophies, stratégies, gestes, outils
Jeudi 20 février 2025 à 12h - local B-399
Tom Mays présentera brièvement les classes de composition et création contemporaine au Conservatoire de Strasbourg et à la Haute École des Arts du Rhin : électroacoustique, temps réel, instrumentale/vocale, mixte et création sonore; puis se plongera dans la musique mixte temps réel, interactive et gestuelle.
Il explorera des aspects spécifiques du temps réel — traitements, transformations, synthèses, interactions, analyses, suivis, algorithmes — ainsi que le contrôle gestuel à travers le Karlax et la détection du mouvement par caméra.
Il parlera également des stratégies d’écriture en présentant quelques unes de ses compositions mixtes : la série des Patches Bien Tempérés, une œuvre vocale temps réel à 6 voix : Nonsense, et une installation sonore interactive : Acousmeaucorps.
Pour conclure, il dévoilera son environnement patch Max : CRT - Composition in Real Time v1.0, téléchargeable et utilisable gratuitement.
Originaire de la Californie, installé depuis longtemps en France, Tom Mays est compositeur, musicien électronique, enseignant et chercheur, responsable de la classe de Composition électroacoustique à l’Académie supérieure de musique de la HEAR, Strasbourg – enseignant également pour l'Ircam et NYU-Paris. Il présente séminaires, master classes et ateliers et développe environnements de création temps réel. Il compose ou improvise musiques numériques et mixtes pour instruments, dispositifs temps réel, supports électroacoustiques, contrôleurs gestuels et nouvelles lutheries (comme le Karlax et des captations de mouvement par caméra). Il crée concerts, installations interactives, musique pour danse, théâtre et film – ses œuvres étant commandées et soutenues par divers studios, organisations et ensembles en France et à l’international tels les CNCM La Muse en Circuit et Césaré, le CIRM, Fabrique Nomade, Didascalie.net, Radio France, Voix de Stras’ et Les Percussions de Strasbourg.
Il collabore à la création du Centre national de création musicale Césaré à Reims, passe presque 10 ans à l’Ircam comme Réalisateur Informatique Musicale, enseigne 14 ans dans la classe de Nouvelles Technologies appliquées à la composition au Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris et développe plusieurs environnements de création temps-réel (plus récemment : CRT). Il est chercheur associé au centre de recherche CREAA à l’Université de Strasbourg et actuellement président de l’Association des enseignants et enseignantes de la musique en composition électroacoustique (Aecme) en France.
Jean-Louis Agobet
Articuler le son dans le temps et l’espace
Jeudi 27 février 2025 à 12h - local B-399
Qu'est-ce que la composition sinon l'ordonnance de la matière sonore ?
Edgar Varese
Le style, c’est l’oubli de tous les styles
Jules Renard
Pourquoi le temps et l’espace sont aujourd’hui les paramètres fondamentaux de la composition ? Comment envisager un langage au XXIème siècle, sans retour et sans compromis ?
A travers la présentation de quelques œuvres, instrumentales, orchestrales ou électroacoustique, Jean-Louis Agobet (compositeur, professeur de composition et d’orchestration au conservatoire de Bordeaux, France) apporte quelques réponses personnelles, esthétiques et techniques.
Compositeur français né en 1968, Jean-Louis Agobet a commencé à étudier la composition au début des années 80, en particulier au Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Lyon avec Philipe Manoury. Il a également suivi les cours de Luigi Nono au Centre Acanthes.
D’importantes commandes telles que Radio France, le Ministère de la Culture français et l’IRCAM ont lancé sa carrière au début des années 90. Ces débuts l'ont amené à être artiste en résidence à la Villa Médicis - Académie de France à Rome pendant deux ans (1996-1998).
Si son travail va initialement vers la musique de chambre et l’électroacoustique, il va se diriger dès les années 90 vers la musique symphonique, avec une vingtaine d’œuvres à ce jour.
Jean-Louis Agobet a été compositeur en résidence auprès de l'Orchestre National de Montpellier (1999-2001), de l'Orchestre Philharmonique de Strasbourg (2001-2005) et de l'Orchestre National de Lorraine (2013-2015). Ces relations ont donné naissance à un ensemble important d’œuvres orchestrales ; Phonal (1999), Ritratto Concertante (2000), Exo (2007), Concerto pour violoncelle (2009), Concerto pour violon (2013), Cantate (2014) ou encore le triptyque Oculus, Mabus, Nucleus (2014-2023) commandé par le San Antonio Symphony, l’Opéra National de Bordeaux et l’Orchestre Philharmonique de Radio France.
La pièce Génération (2002) concerto grosso pour trois clarinettes et grand orchestre, commanditée par Radio France et l'Orchestre Philharmonique de Strasbourg, le consacre comme l'un des plus importants compositeurs français de sa génération. Le CD de la pièce a été réalisé par Timpani en 2005 et a remporté une Victoire de la Musique du meilleur enregistrement de l’année 2006.
Lauréat de nombreux prix, ses œuvres sont jouées régulièrement en Europe, Amérique du Nord et en Asie. Il enseigne également régulièrement comme professeur invité, en particulier aux Etats-Unis et au Japon.
Son catalogue, environ soixante-dix œuvres à ce jour - qui comprend de la musique de chambre et vocale, des concertos, des œuvres pour orchestre ou pour ensemble - est publié par Jobert/Lemoine (Paris), Peermusic Classical (Hambourg, New-York) et Artchipel (en exclusivité depuis 2018).
Depuis 2011, Jean-Louis Agobet est professeur de composition au Conservatoire de Bordeaux. Il reçoit en décembre 2021 la Grand Prix de la SACEM pour sa carrière dans la catégorie Musique Classique Contemporaine.
www.jeanlouisagobet.com
Jean-Félix Lagahe
De l’interprétation jazz aux horizons électroacoustiques en passant par la collaboration et la multidisciplinarité
Jeudi 13 mars 2025 à 12h - local B-399
Jean-Félix présente ses dernières recherche-création performatives en analysant les interactions que peuvent apporter la collaboration tout en explorant son cheminement de composition influencé par ses pratiques de musicien interprète et sa démarche d'artiste sonore notamment avec l'improvisation.
Jean-Félix Lagahe est un pianiste, compositeur et artiste sonore français basé à Montréal. Après des formations en électronique et dans divers conservatoires de jazz, il étudie actuellement au DESS de musiques numériques à l’Université de Montréal, sous la direction de Myriam Boucher.
Gabriel Geneau
L'expérience pré-réflexive à travers la composition d'ambiances
Jeudi 20 mars 2025 à 12h - local B-399
Cette présentation interroge l’esthétique souvent neutre des arts numériques, où la technicité tend à prédominer sur l'affect. En explorant une approche de la composition sonore et lumineuse axée sur l’émotion, elle propose de mobiliser les technologies comme vecteurs d’expériences sensibles. L’ambiance y est envisagée comme un levier pour favoriser une perception immédiate et pré-réflexive, recentrant l’attention sur la profondeur de l’expérience plutôt que sur la mécanique des dispositifs.
Gabriel Geneau est un artiste polyvalent dont la pratique s’articule autour de la rencontre entre son, lumière et technologie. Il crée des œuvres où la musique et le visuel se nourrissent mutuellement, offrant des expériences sensorielles uniques. Toujours à la recherche de nouvelles voies créatives, il intègre les outils modernes pour enrichir son langage artistique, tout en restant fidèle à une approche intuitive et émotionnelle.
Kassandra Lara Picazo
Musique à l'image : création et collaboration
Jeudi 27 mars 2025 à 12h - local B-399
Explorez les processus créatifs derrière la musique audiovisuelle, la danse le cinéma et l'animation. Entre le contrôle total des visuels et la collaboration avec d'autres créateurs, Kassandra Lara Picazo partage son expérience de la création de mondes sonores qui dialoguent et transforment la narration visuelle et corporelle. Une réflexion sur l'équilibre entre le son, l'image et le mouvement dans des projets interdisciplinaires.
Kassandra Lara Picazo est compositrice et artiste audiovisuelle mexicaine avec une formation en piano classique, musique numérique et composition. Son œuvre explore l’interaction entre la musique, le son et l’image, couvrant des disciplines telles que la musique pour la danse, le cinéma et l’animation. Bien que sa formation initiale soit en musique classique, Kassandra commence à découvrir et à explorer le monde de la collaboration avec le cinéma et l’animation, développant une approche unique qui fusionne le sonore et le visuel. Elle a travaillé de manière autonome ainsi qu’en collaboration avec d’autres créateurs, composant pour des performances de danse et des projets visuels. Sa passion pour les projets interdisciplinaires l’amène à transformer la narration visuelle à travers sa musique, tout en partageant son expérience avec les nouvelles générations de musiciens.
Yue Wang
Guo Qili Tan: Exploration de la création musicale basée sur les signaux EMG
Jeudi 3 avril 2025 à 12h - local B-399
Adoptant une approche globale de la création musicale fondée sur l’exploitation des signaux EMG, cette présentation explore en profondeur le processus de création en se concentrant sur trois axes complémentaires : l’acquisition des signaux, leur conversion en paramètres audio et l’analyse des défis techniques et créatifs rencontrés. Nous mettons en lumière les dispositifs et techniques qui assurent une collecte en temps réel et stable des signaux EMG, ainsi que le mappage permettant de traduire ces signaux en paramètres modulant dynamiquement les sons instrumentaux. Par ailleurs, l’étude examine les problématiques inhérentes à l’utilisation des signaux EMG – notamment en termes de stabilité, d’étalonnage et d’interprétation – afin d’en dégager des perspectives sur le potentiel et les limites de cette approche innovante dans le processus créatif.
Yue Wang est un étudiant en composition et création sonore en première année de doctorat à l'Université de Montréal, où il détient également un diplôme de maîtrise. Ses créations combinent souvent musique électronique et performance instrumentale afin d'explorer les potentialités musicales. Toujours en quête d'innovation dans le domaine des technologies numériques musicales, Yue Wang s'attache à intégrer musique traditionnelle et musique électronique. Actuellement, il se consacre à la recherche sur la génération musicale et les instruments basés sur les signaux biologiques (BODY BRAIN DIGITAL MUSIC INSTRUMENTS, BBDMI).
Alexandre Amat
Composer la matière sonore : du timbre instrumental à l’imaginaire matériel
Jeudi 10 avril 2025 à 12h - local B-399
Le concept de matière sonore fait aujourd’hui partie du vocabulaire commun de la musique contemporaine. Les phénomènes musicaux sont fréquemment décrits et analysés par le biais de métaphores relatives au monde physique : le son posséderait une “épaisseur”, une “densité”, une “masse” qui lui est propre. Pourtant, si les analogies entre le son et la matière semblent largement influencer notre expérience musicale - du processus de création jusqu’à la conduite d’écoute - le rôle structurant de ce transfert métaphorique dans la conception d’un projet esthétique reste relativement peu abordé dans le discours sur la musique.
L’analyse sémantique de la notion de matière sonore permettra de définir un cadre théorique global articulant toutes les dimensions de mon langage musical. Cette présentation abordera, en particulier, l’impact de cette notion sur trois étapes de ma démarche compositionnelle : l’élaboration de matériaux musicaux épurés fondés sur le timbre et la corporalité du jeu instrumental ; l’organisation formelle et dynamique conçue à l’image de processus physiques naturels, comme la croissance ou l’érosion ; enfin, le développement d’une esthétique musicale reliée à l’imaginaire de la matière.
Alexandre Amat, né à La Rochelle (France) en 1993, est un compositeur de musique instrumentale. Après avoir étudié le cor d’harmonie et la musicologie, il suit les cours de composition de Jean-Louis Agobet au Conservatoire de Bordeaux, où il obtient son Diplôme d’Études Musicales en 2019. Il poursuit ensuite ses études à l’Université de Montréal où il obtient une maîtrise en composition et création sonore sous la direction de François-Hugues Leclair. Il est actuellement étudiant au Doctorat en composition à l’Université de Montréal sous la direction de Jimmie LeBlanc. Alexandre a également participé à l’académie de musique du Domaine Forget de Charlevoix (2023) et d’Orford Musique (2024). Il a collaboré avec des ensembles et des solistes tels que l’Orchestre National de Bordeaux Aquitaine, l’Ensemble PTYX, l’Ensemble Prisme, l’Ensemble Éclat, Okto-Relève, Sixtrum, le Quatuor Cobalt, Vanina Santoni et Ethan Hill.
Teo Farley
Jeudi 17 avril 2025 à 12h - local B-399
